NATI SOTTO SATURNO

Il “XXeme Siècle” di Gualtieri di San Lazzaro: recensione su "Il Sole 24 ore"

2012-01-16T09:36:00.001Z

Domenica, 15 gennaio 2012

Il “XXeme Siècle” di Gualtieri di San Lazzaro: recensione sul "la Repubblica"

2012-01-15T18:53:00.002Z

Chiara Gatti, Il leggendario editore del "XXeme Siècle"
"la Repubblica", 14 gennaio 2012

Il “XXeme Siècle” di Gualtieri di San Lazzaro: recensione sul "Corriere della Sera"

2012-01-15T18:51:00.001Z

Francesca Bonazzoli, Metti la grande arte in copertina
"Corriere della sera", 11 gennaio 2012

Il “XXeme Siècle” di Gualtieri di San Lazzaro

2011-12-23T10:34:00.003Z

Il “XXeme Siècle” di Gualtieri di San Lazzaro
a cura di Luca Pietro Nicoletti e Luigi Sansone

Biblioteca Comunale Centrale, Palazzo Sormani
dal 13 gennaio all’11 febbraio 2012

Inaugurazione giovedì 12 gennaio 2012 ore 17,30
con presentazione del volume:

Gualtieri di San Lazzaro, Parigi era viva, a cura di Luca Pietro Nicoletti
Firenze, Mauro Pagliai Editore, 2011.

Intervengono: Antonello Negri, Università degli Studi di Milano; Paolo Rusconi, Università degli Studi di Milano

Attraverso libri, edizioni d’arte, litografie e documenti d’archivio, la mostra intende offrire una ricostruzione bibliografico-documentaria dell’editore e scrittore d’arte Gualtieri di San Lazzaro (al secolo Giuseppe Papa, 1904-1974) e della sua opere più importante: la fondazione nel 1938 e la direzione fino alla morte nel 1974, della rivista d’arte e critica “XXeme Siècle”. La rivista, che prevedeva in ogni numero una litografia d’artista originale, si poneva a metà fra la rivista di critica e il libro bello come un’opera d’arte, da conservare come oggetto da collezione che, assieme all’informazione artistica, potesse offrire un momento di godimento estetico. Questo tratto contraddistingueva già un’altra fortunata iniziativa di San Lazzaro, le edizioni “Chroniques du jour”, nate grazie a un finanziamento di Leopold Zborowsky, il mercante di Modigliani, alla metà degli anni Venti: già a loro, egli si preoccupava che il libro fosse un oggetto bello, oltre che funzionale.
In questa formula, che gli fu consigliata dallo scultore Hans Arp per “XXeme Siècle”, San Lazzaro avrebbe dato vita alla sua impresa editoriale più fortunata, che gli avrebbe consentito di maturare dei rapporti di amicizia, oltre che di lavoro, con alcuni maestri del Novecento come Kandinsky (che terrà a battesimo la rivista, nel 1938, con un articolo e sei incisioni), a Mirò, Picasso, Chagall e Matisse, e gli italiani Marino Marini, Lucio Fontana, Giuseppe Capogrossi e Gianfranco Gentilini, o lo scrittori come Raffaele Carrieri, Giancarlo Vigorelli ed Enrico Falqui. In questo contesto, poi, sarebbe nata una assidua collaborazione con il gallerista veneziano Carlo Cardazzo, direttore della Galleria del Cavallino di Venezia, della Galleria del Naviglio di Milano e della Selecta di Roma.
Questi, infatti, sono i protagonisti del suo libro più celebre, il romanzo autobiografico Parigi era viva, pubblicato per la prima volta da Garzanti nel 1948 (Premio Bagutta Opera Prima), grazie a Orio Vergani, e una seconda volta da Mondadori nel 1966 (e appena ripubblicato, in questa versione, da Mauro Pagliai di Firenze). Questa lunga autobiografia, raccontata “in terza persona” sotto lo pseudonimo di Silvio, offre infatti uno spaccato della vita parigina vista da un’angolazione particolare, in cui le ragioni estetiche si mescolano con l’aneddoto e con la descrizione anche umana degli artisti nel loro contesto (lo studio di Kandinsky, le visite a Picasso, le conversazioni con Matisse e con Alberto Magnelli, le incomprensioni con de Chirico), diventando oggi una preziosa testimonianza di un clima culturale e dei suoi protagonisti, raccontati da un testimone diretto e partecipe.

In collaborazione con: Centro APICE, Università degli Studi di Milano; Orenda Art International (Parigi); Archivio del Cavallino (Venezia); Archivio dell’arte Metafisica (Milano).

Biblioteca Comunale Centrale
Palazzo Sormani
Spazio Espositivo – piano terreno
Corso di porta Vittoria, 6 Milano
Lunedì-sabato, 9,00-19,30
Chiuso la domenica
Ingresso libero
www.comune.milano.it/biblioteche sezione manifestazioni
C.BiblioPromozione@comune.milano.it

Gualtieri di San Lazzaro. Cronologia della vita e delle opere

1904-1924
Giuseppe Antonio Leandro Papa nasce a Catania il 29 gennaio 1904, figlio naturale di Marcello Papa (1873-1936) e Francesca Rapisarda (1883-1955). L’anno successivo nasce una sorella, Nunzia Rapisarda (1905-1988). Ancora bambino, il padre lo porta con sé nei suoi spostamenti per l’Italia, prima a Venezia, dove si è sposato e ha avuto altri due figli, Luigi (1913-1986) e Adriana (1914-1992); poi a Parma e infine a Roma. In una nota biografica si dichiara “senza studi”. A Roma frequenta la Terza Saletta del Caffè Aragno e il Teatro degli Indipendenti. Anton Giulio Bragaglia pubblica due suoi racconti, nel 1921, sulle “Cronache d’Attualità”, firmati già con lo pseudonimo Gualtieri di San Lazzaro. Per un certo periodo è anche cronista giudiziario per “Il Messaggero” di Roma.

1924-1943
Lascia Roma per trasferirsi a Parigi. Conosce Leopold Zborowsky, che gli affida la direzione di una rivista artistico-letteraria a cui da il titolo di “Chroniques du jour”, in omaggio alla rivista di Bragaglia. Il primo numero, pubblicato come settimo anno di edizione (per riprendere la scansione delle “Cronache d’Attualità” di Bragaglia, che si erano interrotte alla fine del sesto anno di pubblicazione), esce nel 1925.
A partire dal 1928, interrotta la prima serie della rivista, fonda le edizioni Chroniques du jour. La rivista riprenderà le pubblicazioni, in una nuova veste, nel 1929. Sempre nel 1928 sposa, a Parigi, Rasha Segal (1907-1951). Nel 1930 incontra per la prima volta Wassilj Kandinsky.
Nel 1938 fonda la rivista “XXe Siècle”, di cui pubblicherà quattro numeri fino al 1939.
Scrive per un breve periodo (1935-1936) su “Emporium” e su “La Fiera Letteraria” (1934), e invia regolarmente articoli alla “Gazzetta del Popolo” di Torino. In particolare, le cronache di vita parigina scritte fra il 1939 e il 1943 saranno riunite in un libro: Parigi era morta.

1943-1949
Soggiorno romano, si stabilisce in un appartamento di via Gregoriana, che per un certo periodo condivide con de Chirico. Dirige “Espresso”, edizione pomeridiana de “Il Tempo” di Roma, poi la terza pagina de “Il Tempo”. Pubblica: Cinquant’anni di pittura moderna in Francia (Roma, Danesi, 1945); Parigi era morta (Milano, Garzanti, 1947); Parigi era viva (Milano, Garzanti, 1948; premio Bagutta Opera Prima 1949). Collabora a “Omnibus”.

1949-1959
Ritorno a Parigi. Collabora a “Spazio” di Luigi Moretti con cronache e “lettere” da Parigi.
Nel 1951 muore la moglie Rasha. Lo stesso anno esce il primo numero della nuova serie di “XXe Siècle”. Inizia una collaborazione con Carlo Cardazzo, organizzando alcune mostre per le sue gallerie di Milano, Venezia e Roma (Kandinsky opera grafica, Sonia Delaunay, Jean Arp, Michaux, Serge Poliakoff, Krajzberg).
Nel 1957 conosce la scultrice polacca Maria Rostkowska, che sposerà nel 1958. Nel 1959, nel mese di giugno, inaugura una galleria d’arte nella sede della rivista, in rue de Canettes 14.
Pubblica: Modigliani (Parigi, Edition du Chêne, 1953), Modigliani (Parigi, Hazan, 1957), Modigliani. Ritratti (Milano, Mondadori, 1957); Klee. La vie et l'œuvre (Parigi, Hazan, 1957; traduzioni: Klee. A study of his life and work, New York, Frederick A. Praeger, 1957; Klee. A study of his life and work, London, Thames and Hudson, 1957; Paul Klee. Leben und Werk, Monaco-Zurigo, Droemersche, 1958).
Collabora regolarmente con “Il Tempo” di Roma.

1960-1969.
Pubblica: Klee. Vita e opere (Milano, Mondadori, 1960), Parigi era viva (seconda edizione riveduta e ampliata, Milano, Mondadori, 1966); Un inverno a Parigi (con undici incisioni di Franco Gentilini, Milano, Edizioni del Naviglio, 1967).
Nel 1969 cede la società “XXe Siècle” all’imprenditore-editore americano Leon Amiel, mantenendo la direzione della rivista.

1970-1974.
Lavora a L’opera completa di Marino Marini, che uscirà con un saggio di Herbert Read e introduzione di Patrick Waldberg (Milano, Silvana, 1970).
Nel 1971 chiude la sede della galleria in rue de Canettes.
Pubblica: L’aglio e la rosa (Milano, Edizioni del Naviglio, 1971); L’uomo meraviglioso (Milano, Edizioni del Naviglio, 1971). Nel 1973, durante una lunga convalescenza ospedaliera, scrive al dittafono il romanzo autobiografico epistolare Lettere non recapitate, rimasto inedito.
Muore a Parigi il 7 settembre 1974, e viene sepolto al cimitero di Montparnasse. Nel 1975 il Musée de la Ville de Paris gli dedica una grande mostra, a cura di Alain Jouffroy e Daniel Abadie, intitolata San Lazzaro et ses amis.

Per Roberto Vecchione (1945-2011)

2011-07-18T14:33:00.002+01:00

Si è parlato, per l’opera di Roberto Vecchione, di scultura “come progettualità” (Angelo Rovetta) e di “scultura traslata” (Bruno Munari). Entrambe le definizioni mettono sinteticamente in evidenza gli aspetti fenomeno logicamente più rilevanti del suo modo di intendere la forma e, soprattutto, dell’approccio dell’artista alla scultura. Per decriptare la lingua plastica di Vecchione, infatti, bisogna smontare il procedimento tecnico per riconoscerne le basi problematiche e stilistiche, e solo in questo modo si potrà capire che cosa intendesse l’artista stesso quando definiva il proprio lavoro una «manifestazione assoluta di un numero, di un calcolo matematico-geometrico e delle sue proprietà virtuali».
Si tratta infatti di una scultura “mentale”, di rigoroso impianto astratto-geometrico pensato secondo cadenze modulari, lavorando sui principi della ripetizione, della traslazione e della simmetria, ottenute attraverso fusioni in alluminio «eleganti, sinuose, barocche nell’accezione della continua ricerca della luce e dell’ombra» (Stefano Soddu). In effetti, il continuo rincorrersi di linee curve e spezzate che si muovono all’interno delle sue forme ha l’accento mobile del barocco, obbliga l’occhio a rincorrere gli andamenti grafici dei profili senza che possa trovare riposo su qualche spazio o su qualche forma: l’andamento mistilineo, che alterna cerchi ed ellissi, cavità cilindriche e pareti dritte e levigate, invita a una percezione globale e a una scansione rapida: una curva finisce e rimanda alla successiva, e così un’ellisse rinvia immediatamente a quella subito successiva, indicando un andamento dinamico e una spinta ascensionale. In questo movimento, però, a questa scultura mancano la sinusoide, cara al barocco, e il movimento virtuale che increspa le superfici, cui si sostituiscono la pulizia e il nitore dell’alluminio lucidato quasi a specchio. Alle volte, poi, specie nelle sculture più recenti, Vecchione si è anche servito di un gioco di superfici e di colori, dando al volume esterno della scultura, generalmente liscio e piatto, una colorazione nera, in modo da far risaltare la lucentezza delle cavità interne specchianti. In questo modo, egli accentua l’aspetto modulare e sembra voler indicare con maggiore insistenza che il gioco della forma è tutto interno a un volume che esternamente si presenta liscio e regolare, quasi un guscio di protezione per un interno scavato. In effetti, a ragione in tal senso Angelo Rovetta quando osserva che questo procedimento accentua «la meccanicità dell'operazione con cui la materia viene aggredita, sforacchiata e trapassata, ma nello stesso tempo si illustra, attraverso l'artificio dell'arte, quella ripetitività e necessità delle leggi fisiche con cui la natura organica e inorganica costruisce le sue forme, le sue conche, le sue grotte, le sue conchiglie, i suoi alveari, i suoi formicai, i suoi nidi». La scultura di Vecchione è struttura più che volume, scheletro che delimita tramite spigoli netti e profili mistilinei i confini di uno spazio. È arte del costruire, di concepimento architettonico ma anche senza ambizioni architettoniche. Dell’architettura condivide infatti l’approccio progettuale, il fatto di nascere solo dopo un accurato studio grafico; nella sua articolazione spaziale, però, non aspira alla monumentalità, pur avendo avuto, in alcuni casi, destinazioni pubbliche: nella sua dialettica di pieni e di vuoti non costruisce spazi abitabili, o attraversabili, ma delimitano uno spazio che solo l’aria e la luce possono attraversare. D’altra parte, le strutture che Vecchione ha scelto di adottare non sono l’arco o la porta, ma la colonna e la stele, con il loro fusto che svetta verso l’alto e aspira all’infinito, aiutato da un volume scavato al suo interno che si fa, talvolta, via via più rarefatto. Lo scultore stesso, infatti, scriveva che «la luce dell'ambiente converge e cade sulla e nella scultura, accentuandone la verticalità leggera e tesa; i vuoti che ritmano la superficie e l'interno della materia, grazie alla loro geometricità e alla loro ricorrenza sistematica, mettono in evidenza una ricerca di equilibri volumetrici delle masse».
Proprio su questo aspetto si era concentrata l’attenzione di Bruno Munari, il quale aveva acutamente messo in luce i meccanismi della “fantasia” con cui nascevano queste grandi steli e colonne: «Roberto Vecchione, nella progettazione dei suoi oggetti, applica la regola di traslazione, usa elementi uguali e li dispone nello spazio a distanze uguali. Ma così detto, il suo principio sarebbe troppo elementare. Il gioco nasce quando si applicano più regole insieme. Intanto bisogna dire che Vecchione non usa forme ma vuoti di forme per cui mette in evidenza lo spazio tra queste forme». Talvolta, invece, inverte il meccanismo, usando solo il volume cilindrico, quasi fosse il pieno che ha rimosso dalle cavità forate dei propri parallelepipedi di alluminio, come per le sculture realizzate per l’ambone della chiesa di Pieve Emanuele, appena fuori Milano. Non è un caso, però, che il suo lavoro abbia trovato in Bruno Munari uno degli interpreti più attenti e intelligenti: in questo genere di scultura, infatti, sono numerose le tangenze operative, ideative e immaginative con il mondo del design e della progettazione per l’industria, campi in cui Munari è stato un maestro non solo per un fatto di stile, ma proprio per l’intelligenza con cui ha decostruito i procedimenti creativi, nel tentativo di capire quali fossero le regole “grammaticali” basilari della fantasia.
Per completare il quadro, però, bisogna aggiungere che oltre ad essere una scultura di progetto, quella di Vecchione è anche scultura “da officina”, che nasce passando di bottega in bottega per saldare, tornire e fresare le varie parti che costituiranno la scultura. L’artista ne vigila con attenzione ogni passaggio, istruisce l’artigiano, e controlla ogni fase di svolgimento del lavoro, scandisce i tempi e coordina le operazioni. Chi ha visitato il suo studio, infatti, sa bene che non si tratta di un laboratorio in cui, come in una fucina di Vulcano, prendono vita dal caos forme polite e lucenti: nel suo studio, di cui ha dato una bella descrizione Stefano Soddu in un libro dedicato ai “ritratti di studio” illustrato da fotografie di Enrico Cattaneo, regna l’ordine e la pulizia. Qui Vecchione disegna molto e prepara i modelli in legno dei moduli base che farà successivamente fondere per poi combinarli, saldarli, forarli o sezionarli per arrivare al risultato finale. Ma tutto questo avverrà lontano dallo studio di via Meda, sui Navigli, in laboratori abitualmente dediti a realizzazioni meccaniche e con strumenti che solo nell’era moderna sono entrati a far parte degli strumenti dello scultore: come ha detto giustamente Munari, è «il fatto creativo che usa una regola semplice e un mezzo tecnico per mostrare invece qualcosa che non si sarebbe visto prima».
È una logica conseguenza che nel lavoro di Vecchione il momento operativo sia scisso da quello ideativo, anzi che si arrivi alla realizzazione pratica solo dopo un attento lavoro di progettazione. Su questo punto, infatti, diventa centrale il ruolo del disegno, necessario a visualizzare quella che l’artista stesso ha definito “scultura virtuale”, ossia momento al contempo di visualizzazione e di verifica: «è il disegno» scriveva l’artista, «la prima intuizione di una possibile immagine plastica, poi subito la sua progressiva definizione strutturale, quindi la verifica della sua realizzabilità tecnica in quanto oggetto plastico. Il mio disegno è perciò teso alla scoperta, corre continuamente il rischio dell'ipotetico per giungere infine a prefigurare le coordinate del lavoro nel rapporto operativo con la materia nella quale si concreterà fisicamente la scultura». Il disegno, quindi, è un momento fondamentale del processo di creazione dell’opera, il momento in cui si “mette mano” alla scultura, anzi il momento creativo vero e proprio avviene proprio nella messa a punto grafica, che servirà poi da istruzione per il momento “artigianale”. Del resto, Vecchione concepisce un genere di scultura che non richiede un intervento manuale in senso stretto: la mano non scava e non modella, ma guida la macchina che realizzerà i fori e le saldature. Per questo è necessario un lavoro di previsione sul lavoro, una «conoscenza e rispetto della materia in cui e con cui si opera». Tutto questo, si può riassumere con le parole dell’artista stesso, quando dichiarava la necessità di una «moralità intrinseca all'atto stesso di progettare». Non bisogna però nemmeno dimenticare che questo rigore della geometria travalica i limiti della fredda razionalità: quando la luce proietta il ricamo d’ombra che completa queste sculture nell’ambiente, ci si rende conto che Roberto Vecchione, con i suoi fori tondi e cilindrici, ha costruito della poesia.

Mario Borgese al Museo Archeologico di Bergamo (2 luglio-17 settembre 2011)

2011-07-01T23:21:00.002+01:00

La pittura di Mario Borgese va sotto le insegne della contaminazione e della citazione: contaminazione di linguaggi espressivi e citazione di opere d’arte del passato, che sono il punto di partenza per una nuova operazione concettuale che si dipana all’interno del quadro. Sin dai suoi esordi, dopo aver attraversato la Nuova Figurazione, Borgese ha attinto dalla tradizione del passato, arricchita di nuovi significati, sia attraverso l’operazione strettamente pittorica, sia attraverso la progettazione di vere e proprie installazioni. Negli anni Settanta infatti, Borgese realizza ambientazioni con dei grandi pannelli sagomati dipinti ad acrilico-vinilico con brani tratti da scene di battaglia di Paolo Uccello, o dagli arcangeli di Guido Reni, o da Mantegna e Crivelli; come in Threnos del 1980, dove le battaglie di Paolo Uccello facevano contrasto con le battaglie moderne, evocate grazie ad alcune riproduzioni su acetato di Jet e altri velivoli militari, accompagnate da un sottofondo in cui si alternavano la registrazione di un jet al decollo, dei brani da Per il sacrificio di Hiroshima di Krzystof Penderecki, e il rumore del mare. Alcune di queste sagome, poi, erano volutamente non finite, lasciando a vista il disegno. In Metamorfosi del 1983, invece, accanto a una rielaborazione del San Giorgio di Mantegna , Borgese ha simulato una finta esposizione di uno scaffale di un supermercato, offrendo, come se fosse merce reale, una montagna di scatolame, su cui era stata messa una scritta: “Carne di drago vitaminizzata. Apri e gusta”, a voler mostrare che , tramite questa provocazione, la civiltà dei consumi avrebbe consumato anche un oggetto appartenente ad un altro piano di realtà (la carne di drago, appunto). La matrice di questi interventi, però, era soprattutto politica, come dà prova evidente la partecipazione, con una installazione di tele emulsionate, alla Mostra incessante per il Cile, nel 1977 (Milano, Rotonda della Besana, 1-15 maggio 1977), insieme alla partecipazione alla Biennale di Venezia dell’anno precedente, dedicata a Ambiente, Partecipazione, Strutture culturali, insieme al Collettivo Autonomo Pittori di Porta Ticinese, che si era formato nel 1974.

Di quella esperienza, Borgese ha conservato gli elementi di fondo della ricerca espressiva, solo portando il discorso all’interno del quadro. La rivisitazione del repertorio figurativo classico, infatti, ha dato luogo a un abbinamento paratattico di elementi che non avviene più in un ambiente, ma solo sulla superficie della tela, attraverso il contatto fra la resa realistica dei frammenti di scultura antica ed elementi di architettura modernissimi, se non dei veri e propri moduli astratti, insieme a inserti grafici come scritte o piccole frecce, che riproiettano la rappresentazione su un piano di operazione concettuale: rimarcano che qui c’è un accostamento poetico, non ossimorico, di elementi contrastanti, o almeno appartenenti ad aree semantiche e a mondi di forme differenti fra loro, che ne arricchiscono il significato. Borgese vi lavora con una tecnica complessa, fatta per stratificazione di materiali e mascheramenti di porzioni di tela, in modo che il rilievo della figura affiori progressivamente dal fondo. In un secondo tempo, poi, dipinge il fondo di bianco, in modo da scontornare la figura, marcare i contorni in maniera netta, e infine interviene sugli elementi accessori, attraverso stencil o inserendo brani di pittura astratta. L’effetto a una prima impressione sembrerebbe fotografico, ma se ci si avvicina alla tela ci si accorge di un lungo, meditato e stratificato lavoro di pittura. Gli inserti astratti, però, ricordano che siamo su un piano pittorico e fugano qualsiasi tentativo di cercare uno spazio reale. In questo senso va letta anche la presenza ricorrente di frecce, forme autoreferenziali del linguaggio visivo, che servono a focalizzare il soggetto, come una sottolineatura all’interno della composizione. Al tempo stesso, questi segnali manifestano la struttura e la sostanza del quadro, rendono evidente che questo è costruito per assemblaggio di immagini; fugano insomma la tentazione di una lettura iperrealista: l’elemento archeologico, con la sua apparente minuzia descrittiva, dipinto con una nitidissima leggibilità, viene indicato come soggetto, e questo segnale che focalizza l’attenzione allo stesso tempo le sottrae alla mimesi e le riporta nel piano della pittura. Del resto, il problema si poneva in maniera più urgente, in questo caso rispetto ai precedenti d’apres rinascimentali, dal momento che Borgese ha iniziato a tradurre in pittura delle forme scultoree come i bronzi e i marmi antichi, preoccupandosi oltretutto della loro fedele restituzione plastica (ma giocando su un cambio di materia, tanto che a volte è difficile capire quando stia citando un’opera di fusione o un marmo antico trasformato dalla pittura in bronzo).

La citazione archeologica, in questo contesto, acquista un senso per la sua natura di frammento, per il valore estetico che nel Novecento ci si è abituati ad attribuire al non finito, all’oggetto rotto. Con la sua incompletezza che ricorda il passare inesorabile del tempo, il brano di scultura antica emerge per entrare in un rapporto dialettico con la modernità: un dialogo a distanza che può avvenire più per contrasti che per integrazioni o, come sembra volerci suggerire la pittura di Borgese, per accostamenti poetici.

Mario Borgese. Nota biografica.

Nato a Milano nel 1936, Mario Borgese si laurea prima in Filosofia, poi in Paletnologia presso l’Università degli Studi di Milano.Negli anni Settanta e Ottanta ha cogestito la Galleria di Porta Ticinese in Milano insieme ad altri artisti, frequentando gli studi di numerosi pittori e scultori come Enzo Mari, Alik Cavaliere, Pino Spagnulo, Paolo Baratella, Mauro Staccioli, Giangiacomo Spadari, Tino Vaglieri, Nanni Valentini. Nel 1976 partecipa alla Biennale di Venezia insieme al Collettivo Autonomo Pittori di Porta Ticinese. In anni recenti ha collaborato e collabora con la casa editrice Albo Versorio dell’Università Statale di Milano, che utilizza i suoi ultimi lavori per le copertine di una collana di filosofia.

Hanno scritto e parlato di lui Giorgio Seveso, Raffaele De Grada, Giuseppe Franzoso, Antonello Mosca, Franco Solmi, Adriano Altamira, Flaminio Gualdoni, Antonio Del Guercio, Bruno Munari, Carlo Sini, Massimiliano Cappuccio, Walter Alberti, Maria Luisa Caffarelli, Umberto Gavinelli, Nicoletta Pallini, Alberto Veca, Luca Pietro Nicoletti.

Elena Mezzadra

2011-04-17T10:49:00.003+01:00

inaugurazione della mostra lunedì 2 maggio 2011, ore 18
Milano, Unviersità Bocconi, Via Sarfatti

La lunga storia di Elena Mezzadra, all’interno dell’ambiente artistico milanese, è fatta di precisi punti fermi: il primo è un’assoluta fedeltà verso l’arte astratta; il secondo, stando a una geografia di luoghi entro cui collocare la sua vicenda, è costituito dal lungo sodalizio con la Galleria delle Ore di Giovanni Fumagalli, che nel secondo dopoguerra è stato un punto di riferimento per le ricerche fra astratto e informale. Qui, negli anni Settanta l’artista conoscerà l’ingegner Antonio Boschi, che nel corso degli anni le comprerà diverse tele, oggi facenti parte della ricca donazione della Collezione Boschi-Di Stefano alle raccolte civiche dell’attuale Museo del Novecento, dove già si conservava un suo dipinto.
Il suo percorso è contraddistinto da una costante adesione a un certo modo di intendere la pittura: senza cesure drastiche, la sua ricerca all’interno dell’astrazione è stata votata al perfezionamento, attraverso variazioni continue, di una sola maniera di concepire il quadro. Si ha quindi a che fare con uno stile connotato e immediatamente riconoscibile, ma nel quale si devono seguire impercettibili sussulti e variazioni dello stile per tentarne una seriazione cronologica. Per questa ragione l’artista è sempre stata poco incline agli sguardi retrospettivi, come ha sottolineato Luciano Caramel presentando la grande mostra del 1992 al PAC di Milano: l’attività recente è, per lei, compimento di un percorso, quindi ogni quadro nuovo non solo assomma le ricerche precedenti, ma l’ultimo comprende anche il primo, e questa fedeltà si esprime con la stessa intensità sul grande formato del quadro ad olio come nelle piccole misure della carta e nella dimensione più aristocratica dell’incisione. E questo stile, questa idea di pittura è da collocarsi su quella linea dell’arte astratta che struttura il quadro, ma senza essere fredda e cerebrale: troppo rigorosa per essere informale, troppo libera per l’astratto-concreto, e proprio qui sta l’apporto lirico di queste geometrie fluttuanti, fatte di piani trasparenti che si intersecano con un lento movimento.

La critica ha sottolineato in modo particolare, all’interno della produzione dell’artista, il problema del colore-luce –quasi un ricordo del dinamismo futurista- declinandolo in una vivace aggettivazione: Flaminio Gualdoni ha parlato di «pitture di luce, grande luce», mentre per Elena Pontiggia si tratta di un sostrato geometrico «così labile e trasparente da diventare una pura cartilagine luminosa». Roberto Sanesi, invece, nel 1979 faceva notare come Elena Mezzadra «più che abbandonarsi alla luce ne utilizza le qualità plastiche». In effetti, in questa selva di rette e di forme, di vibrazioni della trama pittorica per progressivi passaggi tonali, si assiste a repentine e taglienti accensioni cromatiche, a guizzi luminosi e dinamici che orientano il senso del racconto astratto. Mezzadra rappresenta uno stato transitorio, dinamico non per la traccia di un segno lasciato d’impulso, ma proprio per un senso di movimento interno alla struttura compositiva, all’andamento delle linee rette e spezzate che si intrecciano sul piano: il “racconto”, in fondo, è dato dal movimento dell’occhio, che viene guidato sulla superficie della tela secondo direttrici ben precise. Un meccanismo “futurista” in senso lato, se si vuole, quanto a restituzione di un movimento per via di forme. Ma in fondo aveva ragione Sanesi a scrivere che la geometria, nelle sue opere, è «quasi un’architettura naturale», perché questo moto, questa scansione di moduli spigolosi sembra quasi spinto dal vento (o dal tempo), come una foresta di segni che fluttuano con cadenza armonica, per quanto con un temperamento non tanto violento, quanto certamente deciso e poco incline a facili concessioni.

La scultura in punta di piedi. Ricordo di Giorgio Scaini

2011-01-22T01:12:00.003Z

Avrei voluto scrivere un saggio sul lavoro di Giorgio, non solo per una incondizionata stima per l’artista, ma anche perché era una persona estremamente buona, e meritava che quel lavoro cui aveva dedicato con costanza tanto tempo e tante energie, fosse riconosciuto nel suo valore e svelato nei suoi meccanismi. Avrei voluto farlo, perché in quelle caste sculture si dispiegava un mormorante canto d’amore: amore per il mestiere, amore per la materia, amore per la figura femminile, che trattava con un rispetto affettuoso, carezzevole allo sguardo. Tutto questo meritava uno studio che raccontasse la sua storia umana, oltre che artistica. Mi sarebbe piaciuto farlo o, meglio, avrei voluto che lui potesse leggerlo, che ci fossero altre occasioni di fare qualcosa, di fare il punto sul suo lungo percorso e sulla sua carriera. Invece Giorgio ha potuto leggere solo un brevissimo appunto, scritto per la cartolina di invito per una mostra personale che avrebbe presentato a Rho, nella galleria di una comune amica, Lucilla Restelli. Quella mostra, per me e Lucilla, era diventata quasi un puntiglio, un leit-motiv che si era protratto per quasi un anno: un anno, anzi forse due, erano stati necessari per superare la ritrosia, la naturale inclinazione di un uomo timido ma infinitamente buono. «Allora, Lucilla, quando fai la mostra di Scaini?» era diventata una frase ricorrente. Ma il maestro titubava: prima voleva vedere il posto, poi doveva pensarci un po’ su, e poi ancora un altro tempo di riflessione. È stato così che l’ho conosciuto e che ho imparato ad amare di più il suo lavoro. Non immaginavo certo, però, che quella sarebbe poi stata la sua ultima mostra personale, alla metà di ottobre del 2009, e che di quel progetto che coltivo da qualche tempo, avrebbe potuto vedere soltanto una piccola traccia. Il tarlo di dover fare qualcosa sul suo lavoro, insomma, è rimasto a lungo, con il rammarico di non avere avuto tempo di darvi almeno una prima sistemazione.
A dire il vero, il suo nome mi era già noto prima ancora di conoscerlo, dalle pagine del manuale di scultura compilato da Pino di Gennaro: un libro stimolante per uno studente di liceo, in cui tutti i processi della scultura sono illustrati passo per passo seguendo un artista all’opera nel suo studio durante le varie fasi del lavoro. Su quella pagina di Scaini avevo imparato come si facesse un’armatura per la terracotta, con carta di giornale e armatura metallica, in modo tale che questa potesse poi essere sfilata e l’opera modellata svuotata al suo interno. Dei miei scarsi cimenti nella modellazione, credo che questa sia stata una delle esperienza più emozionanti, ai primi anni di liceo; indirettamente l’ho imparato per merito suo.
Certo non potevo immaginare, allora, che in realtà quel libro manifestava anche una sotterranea rete di relazioni, che tutti quegli scultori erano anime di una nuova officina milanese e, soprattutto, che erano persone amiche fra loro. Alcune di queste, incontrate negli anni successivi, sono diventate anche miei amici.

Fu proprio Giorgio a rivelarmi questo aspetto meno evidente di quel libro, di cui le fotografie erano state fatte per la maggior parte da lui: era andato in tutti gli studi e aveva fotografato tutti gli amici al lavoro. Accanto all’amore per la scultura, infatti, c’era anche una grande passione per la fotografia. Giorgio, infatti, era uno dei pochi scultori che sapesse fotografare le proprie opere con l’abilità di un fotografo di mestiere, con competenza e con attenzione. Ma non fotografa soltanto la scultura: un amico che è stato suo allievo, oggi pittore, mi dice che per loro, suoi alunni di liceo, il ricordo del loro professore era con la macchina fotografica al collo: . Molte sue allieve, per altro, grazie a questo materiale iconografico sono diventate soggetto di numerosi ritratti, più di tutte, però, le sue donne ricalcavano, da lontano, il portamento e la classe di Graziella, la sua amatissima moglie. Il ricordo di Giorgio, infatti, non può esser separato da quello di lei: credo di non averlo mai incontrato da solo, né a una sua mostra, personale o collettiva, né alle mostre degli altri. Nulla mi toglie l’impressione che Valentino e Valentina, i due innamorati di Peinet, se non fossero imprigionati in una eterna adolescenza, sarebbero invecchiati inseparabili come Giorgio e sua moglie. E nell’amore di Giorgio per il corpo femminile, penso che ci fosse a monte soprattutto l’amore per lei, anche se le sue donne non hanno le sue sembianze o i suoi lineamenti. Quando visitai il suo studio, però, mi rimase l’impressione che moltissime di quelle fanciulle di terracotta avessero la stessa pettinatura a caschetto di Graziella.
Non si può, insomma, parlare della scultura di Giorgio senza parlare di lui, senza sforzarsi di darne un ritratto umano, per quanto sommario. Valgono forse, molto semplicemente, le parole del mio amico e suo allievo di liceo: «un maestro mite, dai modi gentili, che amava la cultura del bello», anzi «il più mite e il più modesto». Una modestia, forse, che lo portava a concentrarsi più sulla scultura che sull’autopromozione. Giorgio non si è mai preoccupato, insomma, di costruire il “monumento” alla propria memoria: modellava le sue figure e i suoi ritratti soprattutto perché questo gli dava gioia, e le sue sculture erano oggetti di affezione più che prodotti da vendere. Mi ricordo in particolare il busto di una giovane ragazza in un cotto rosso intenso, che contrastava con un abito bianco dalla scollatura larga: un pezzo raffinatissimo, davvero da destinarsi ad un museo, da cui non si è mai voluto separare. Quando un potenziale acquirente gli chiese quanto costasse, mi raccontò, gli aveva comunicato una cifra stratosferica, con il preciso scopo di dissuaderlo dal comprarla, dal portargliela via: ci era troppo affezionato perché potesse privarsene.

Sono, questi, i tratti di un uomo che non amava la fretta, né il chiasso, che sarebbe potuto apparire indifeso di fronte alle aggressioni del mondo moderno, e che faceva un’arte garbata, di sentimenti nobili e trattenuti, che non avrebbe mai potuto (né voluto) aggredire l’osservatore. Anche laddove erano manifesti sentimenti di turbamento e inquietudini tutte moderne, il grido e il dolore erano trattenuti dalla misura grafica di una scultura in cui Giorgio Seveso aveva acutamente rilevato «una plasticità soda e compiuta giocata nei termini d’una sorta di elegante espressionismo percorso, sempre, come da una sottilissima e interiore increspatura d’ironia, di amabile liricità, umorosa e divertita, in cui, tuttavia, i materiali, e segnatamente la terracotta, si mimetizzano volentieri da resina o da polimero, quando non rifanno, quasi ironicamente, il verso al marmo e alla pietra»
Si può dire che lavorava con emozione, forse con spirito sognante, di certo con un senso di dolcezza, e che non avrebbe mai potuto fare un lavoro che violentasse la materia con impeto. Soltanto adesso, in effetti, capisco che quella lentezza che aveva un po’ esasperato Lucilla e me, quando si pensava alla mostra rhodense, erano un valore da acquisire, per imparare a non avere fretta: già allora, forse, avrei potuto capire che la calma e la dedizione, la concentrazione sul lavoro, erano un tratto distintivo del suo modo di attraversare il mondo dell’arte contemporanea. Una modalità di approccio, questa, che non solo andava in senso contrario alla tendenza al consumo delle forme espressive, ma che non si preoccupava che il tempo della scultura seguisse lo stesso passo di quanto vi stava intorno. Scaini seguiva la propria rotta seguendo un’estetica senza tempo, indifferente alle mode e alle tendenze, senza preoccuparsi di fare un’arte che fosse senza tempo, da fruire con coordinate proprie, secondo propri canoni impermeabili alle novità più contingenti (e spesso transitorie), delle avanguardie. Tutto questo non era però soltanto una scelta di poetica, ma un vero e proprio modo di vivere che era impermeabile ad un fare frenetico: nel cuore del suo affollatissimo laboratorio, dava amorevole vita alle sue figure.
Lo studio di Giorgio Scaini era popolato di donne: figure femminili bellissime, altere, dai colli lunghi ed eleganti e i tratti sottili, sofisticate: in un panorama della scultura dominato da pomone, Scaini proponeva un immaginario stilnovistico, elegante ma etereo, dove l’umanità incede abitualmente a passo di danza.
Nel suo affollatissimo e ordinatissimo studio di Milano, creava una scultura in cui il mestiere era un valore, anzi dove contava soprattutto la sapienza della materia e della tecnica portata fino alle punte del virtuosismo. «Giorgio conosce tutti i segreti della terracotta» mi dice Graziella, la moglie amatissima di Scaini, mentre visito lo studio del marito. Sotto le sue mani prendeva tutte le forme, riusciva a simulare i materiali più diversi, a dare l’idea che la terracotta fosse legno, o bronzo, o addirittura una pietra dura lucidata, e a costruire grandi architetture di figura ai limiti della statica. Va da sé che questa predisposizione alla complessità strutturale non era un vuoto virtuosismo, né una banale dimostrazione di abilità tecnica, così come non si è mai preoccupato di raggiungere effetti mimetici: quasi per paradosso, la sua grande abilità ritrattistica e l’abilità a far “stare in piedi” complicate strutture di terracotta era un momento di leggerezza che non si è mai posta il problema di dover competere con il reale, anche quando metteva in atto quel gioco di simulazioni per cui un materiale cercava di confondersi con un altro. Eppure a Scaini non mancava la mano felice, capace di cavare la figura con segno maturo: sempre il suo allievo e mio amico, infatti, mi racconta che l’artificio che sembra natura, insomma, non serviva a far sembrare la scultura più vicina al vero, anzi accentuava la sua peculiarità di opera dell’ingegno, in cui la linea del volto si trasformava in marca grafica, in linea di contorno che faceva da contrappunto “barocco”, da linearismo “liberty” ma senza fioriture ornamentali.
Mi piace ricordarlo così, con quell’emozione incerta, quasi tremante, con cui voleva trasmettermi la grande impressione davanti a Bernini, a quell’affondare quasi prodigioso delle mani di Plutone nel fianco di Proserpina: con la mano simulava il gesto, facendo sentire come davvero si percepisse, lì, che quel marmo era diventato carne, dava la percezione dell’epidermide. «Ma chi lo ha detto che il barocco è fuori moda? Il barocco è bellissimo» è un frase che non ricordo più se fu pronunciata, in quell’occasione, da Giorgio o da Graziella; ma in fondo, è la stessa cosa che sia stata detta dall’uno o dall’altra: in entrambi i casi riassumeva il senso di una ricerca e di una estetica. Mi piace ricordarlo in quel pomeriggio di ottobre, con Lucilla, nello studio di via Maspero, circondati da quel senso del bello assoluto, forse sublime. «Se oggi continuo a pensare all’arte, alla pittura, alla scultura, con umiltà e perseveranza senza lasciarmi tentare dalle facili cadute di stile che» mi dice l’amico artista, «è anche grazie al suo esempio».
Forse ora che Giorgio non torna più a lavorare nello studio di via Maspero, le sue sculture raggiungono, per metafora, un senso più completo: le donne delle sue sculture avevano una leggerezza tale che sembravano pronte a lievitare, quasi avessero imparato a danzare prima che a camminare, perché solo in punta di piedi, a passo di danza, ci si può trovare a proprio agio in un empireo angelico e melodioso, rarefatto.

Convegno sulla Metafisica a Milano

2010-10-18T07:04:00.001Z

Milano e Firenze

1909-1911 e 1919-1922

Origini e sviluppi dell’arte metafisica
Milano, 28 e 29 ottobre 2010

Università degli Studi di Milano, Sala Napoleonica

Palazzo Greppi, via S. Antonio 12 – Milano

PRIMA GIORNATA – 28 ottobre 2010, ore 10 - 13

PARTE I – Milano e Firenze (1909 – 1911)

presiede Maria Grazia Messina

Paola Italia (Università di Siena)

“Leggevamo e studiavamo molto”: Alberto e Giorgio

de Chirico alla Braidense (1907-1910)

Paolo Baldacci (Archivio dell’Arte Metafisica, Milano)

“Quella nostra poesia metafisica”: genesi, cronologia e fonti

di un’estetica globale (1908-1911)

Gregorio Nardi (Pianista e critico musicale)

“La musica più profonda”. Ipotesi sul lavoro musicale

dei fratelli de Chirico tra il 1909 e il 1911

ore 14.30 - 18.30
Tra Francia e Italia, la crisi futurista del 1914

presiede Antonello Negri

Maria Grazia Messina (Università degli Studi di Firenze)

Primavera 1914: Carrà e Soffici a Parigi tra Apollinaire,

De Chirico, Picasso e i russi delle “Soirées de Paris”

PARTE II – Milano e Firenze (1919 - 1922)
Gerd Roos (Archivio dell’Arte Metafisica, Berlino)

Introduzione ai primi Anni Venti: svolta e continuità, problemi

aperti e linee di ricerca

Federica Rovati

(Università degli Studi di Torino)

Carrà nella Milano del dopoguerra (1919 – 1922)

SECONDA GIORNATA – 29 ottobre 2010, ore 10 - 13

presiede Paolo Baldacci
Nicol Mocchi (Archivio dell’Arte Metafisica, Milano)

Cultura artistica italiana e sfondo politico tra il 1919 e

il 1922: de Chirico, Carrà e Savinio

Fabio Amico (Università degli Studi di Firenze)

“Il Convegno” di Enzo Ferrieri e “Il Primato Artistico Italiano”

di Guido Podrecca: due periodici milanesi del primo dopoguerra

Flavio Fergonzi (Università degli Studi di Udine)

Roberto Longhi e il suo linguaggio, ovvero: perché la critica

italiana non riuscì ad accettare de Chirico

Discussione

ore 14.30 - 18.30
presiede Flavio Fergonzi

Luca Nicoletti (Università degli Studi di Milano)

La ricezione critica di de Chirico nelle mostre tra il 1918 e il 1922Emanuele Greco (Università degli Studi di Firenze)

De Chirico alla Fiorentina Primaverile (1922)

Antonello Negri (Università degli Studi di Milano)

“Il ritorno al mestiere” nel quadro dell’arte europea del dopoguerra

Conclusioni

per informazioni e-mail: info@archivioartemetafisica.org

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Rosanna Forino. Scansioni continue

2010-09-21T14:40:00.002Z

ROSANNA FORINO
Scansioni continue

A cura di Luca Pietro Nicoletti

Dal 26 ottobre al 13 novembre 2010
Inaugurazione: martedì 26 ottobre ore 18,30

Associazione Culturale Renzo Cortina, Via Mac Mahon 14/7, Milano
Tel: 0233607236 Fax: 0234536329 E-mail: artecortina@artecortina.it

Nel lavoro di Rosanna Forino si incontra un continuo rimando di risonanze musicali, di accordi e di armonie, di forme che si muovono con ritmo lento, cadenzato. Se la geometria è la certezza della misura delle cose, qui il gioco si basa su una composizione che sa coniugare le palizzate della linea retta con le sinuosità della linea curva, la materia più sensibile alla luce con il segno più nitido e pulito. Se nelle sue opere l’ordine regna sovrano, questo non toglie che sia un ordine dovuto a una armonia degli elementi, più che a una dura costruzione formale. Si percepisce come una certa gioia della geometria, di cui dà ulteriore conferma l’accordo dei blu più squillanti del mediterraneo con i bianchi più candidi e più tersi. Rosanna Forino dipinge su tela come se fosse carta, ed usa la carta come se lavorasse su tela: la sua è una tecnica mista che può migrare da un supporto all’altro mantenendo la sua forte marca grafica. Il segreto sta tutto in una capacità di calibrare le tecniche che varia, all’interno della stessa opera, dal segno del pennino alla pennellata a guazzo, alla campitura compatta, fino a interventi materici di superficie ottenuti per via di pasta acrilica modellata a spatola o di collage di frammenti di cartone ondulato. Questo suo mondo di linee e segni fluttuanti sul campo bianco e abbagliante dà l’impressione di una misurata improvvisazione musicale.

Rosanna Forino nasce a Cernobbio nel 1926. Introdotta all'Accademia di Brera da Elmo Diegoli, studia poi disegno, pittura e incisione sotto la guida di Augusto Colombo. Negli anni '50, dopo un periodo di solitudine creativa, frequenta gli artisti attivi di Milano: Baj, Dova, Luigi Veronesi, Sergio Dangelo ed in particolare è sensibile alla lezione cromatica di Tassinari. Dagli anni ’60 inizia a lavorare in Costa Azzurra. La sua prima personale è del 1972 a Vicenza (Galleria al Corso). Del 1979 è la personale al Palazzo Arengario di Milano. Dal 1981inizia a presentare la sua opera a livello internazionale: Inghilterra, Francia, Germania, Olanda, Stati Uniti. Nel 1990 è invitata a Mosca dalla Fondazione Culturale Sovietica per una esposizione personale. Selezionata dal Musèe Municipal de Saint Paul de Vence, vi tiene una personale nel 1992. Viene invitata a Pechino alla Beijing 2° International Art Biennale China nel 2005.
Catalogo in galleria.

La mostra proseguirà fino al 13 novembre con i seguenti orari:
10.00-12.30; 16.30-19.30 chiuso domenica e lunedì mattina.

CLAUDIO ONORATO

2009-02-12T11:36:00.002Z

CLAUDIO ONORATO
“ Re di carta”

Dal 17 al 28 febbraio 2009

Inaugurazione: martedì 17 febbraio, ore 18,30

A cura di Stefano Cortina

Si inaugura martedì 17 febbraio, alle ore 18,30 presso l’Associazione Culturale Renzo Cortina – Via Mac Mahon 14/7 – Milano la mostra di Claudio Onorato dal titolo “Re di carta”

La leggerezza della carta sembra regalare alle sue opere una consistenza eterea, il contrasto tra i pieni e i vuoti con la luce che le attraversa, dona loro l’illusione della tridimensionalità. I suoi “tagli” sono un groviglio di umanità, facce e corpi, creature acquatiche, figure ispirate ai fumetti, vegetali e strani insetti, oggetti smaccatamente illogici. Uno spazio continuo, affollatissimo, palpitante, che preme e si accalca attorno ad edifici freddi, ermeticamente sigillati. Ma spesso questa marea ondeggiante occupa anche l’interno cosicché il dentro e il fuori si confondono in uno straripare di vita. Di creatività. Di tumultuosa molteplicità.
Tutte le figure uscite dalla fantasia e dall’abile mano di Claudio Onorato sono poliedriche, si aprono a diverse interpretazioni, ci conducono in un mondo che confina con la fiaba ma al tempo stesso mantiene un rapporto con gli aspetti più problematici della realtà.
Il suo è un inesauribile racconto, che ci affascina per la grazia leggera e ci cattura con la magia di una personalissima forma d’espressione. Onorato gravita da più di un ventennio nel mondo dell’arte, spaziando dalla pittura alla scultura all’installazione. Eppure si ha la sensazione che abbia mantenuto la freschezza degli esordi e una pervicace, contagiosa, sorprendente voglia di comunicare.

Catalogo in galleria, Cortina Arte Edizioni
La mostra proseguirà fino a sabato 28 febbraio con i seguenti orari :
10.00-12.30 16.30-19.30

Chiuso domenica e lunedì mattina

MANENTI LORENZO: saccheggio in mesopotamia

2009-02-01T21:03:00.004Z

Dametti Riccardo

2009-01-28T12:10:00.002Z

Riccardo Dametti, dal 3 al 14 febbraio presso "Arte Bastia", via Rosolino Pilo, Milano (raggiungibile con la metropolitana rossa, fermata Porta Venezia).
Inaugurazione martedì 3 febbraio, ore 18

GIOVANNI BLANDINO

2009-01-06T11:30:00.002Z

Giovanni Blandino. Respiro, a cura di L. P. Nicoletti
Inaugurazione sabato 17 gennaio 2008 ore 18
Rho, Officina dell'arte (via Martiri di Belfiore, 1)

ETTORE CALVELLI e GIANNI RADICE

2008-10-07T20:07:00.002Z

GIANNI RADICE
ETTORE CALVELLI
Medaglie e formelle

Dal 9 al 30 ottobre 2008

Inaugurazione: giovedì 9 ottobre ore 18,30

Si inaugura giovedì 9 ottobre alle ore 18,30 presso la Fondazione Gianni e Roberto Radice – Via P. Mola 39 – Milano, la mostra personale di Gianni Radice ed Ettore Calvelli, dal titolo Medaglie e formelle, a cura di Luca Pietro Nicoletti.

La mostra propone in parallelo una selezione di opere dello scultore Ettore Calvelli (Treviso, 1912 – Ponte di Legno, 1997) e del pittore e scultore Gianni Radice (Milano, 1938), che fu suo giovanissimo allievo. Un alunnato, quello di Radice, che è anche ricordo di un sodalizio umano, di una frequentazione cordiale, anche se non assidua, che è proseguita anche una volta finito il periodo nella Scuola degli artefici di Brera. Più che un confronto fra due generazioni di scultori, qui presentati sul tema comune delle medaglia e della formella bronzea, la mostra vuole essere un omaggio che l’allievo tributa, a distanza di molti anni, al solo artista che abbia mai considerato come suo vero maestro.

Catalogo in galleria. Testo di Luca Pietro Nicoletti.

La mostra proseguirà fino al 30 ottobre con i seguenti orari:
dal martedì al venerdì h. 15,30 -19,00. Lunedì e sabato: su appuntamento.

Monacchi Nevio

2008-09-17T21:33:00.002Z

RESTELLI LUCILLA

2008-09-06T08:20:00.004Z

LUCILLA RESTELLI

“Madre Terra”

Dall’11 settembre al 4 ottobre 2008

Inaugurazione: giovedì 11 settembre ore 18,30

Si inaugura giovedì 11 settembre alle ore 18,30 presso la Fondazione Gianni e Roberto Radice – Via P. Mola 39 – Milano, la mostra personale di Lucilla Restelli, dal titolo Madre terra, a cura di Luca Pietro Nicoletti.

Lucilla Restelli nasce a Rho nel 1955 dove risiede e lavora. Ha frequentato corsi di disegno e pittura ed ha frequentato la Scuola degli Artefici di Brera. Dal 1989 partecipa a concorsi di pittura collezionando numerosi premi e segnalazioni. Nel 1998 apre il laboratorio artistico " L'Officina dell'Arte", dove si organizzano corsi di pittura e disegno, mostre, visite guidate e mostre (porta lo stesso nome anche la piccola galleria che gestisce in via Martiri di Belfiore 1, 20027 Rho). Nella sua lunga carriera ha sempre cercato nuove forme di espressione, si è accostata a più forme di arte, dalla pittura, che rimane la sua principale passione, alla lavorazione della ceramica, alla musica con lo studio del pianoforte.. Maggiori informazioni sull’artista al sito internet http://www.lucillarestelli.it/

La mostra presenta una selezione di dipinti e ceramiche raku dell’artista legate dal comune denominatore della logica informale con cui sono state realizzate. Lucilla Restelli interviene sul piano della tela o nel corpo dell’argilla refrattaria (vera e propria “madre terra”), con modo gestuale e disinvolto, lasciando che l’istinto e l’improvvisazione le suggeriscano la strada da seguire nel disporre il segno pittorico o nel plasticare con le mani. Dal raku, per altro, viene un gusto particolare per la materia scabra, porosa, che nella pittura si traduce in un ampio utilizzo del bitume per creare una base mossa e vibrante su cui intervenire col segno e col colore, talora graffiando la superficie o aggiungendo pigmento. La rapidità e la determinatezza nell’esecuzione, in questo, sono ingredienti essenziali. Ad accomunare entrambi i versanti del suo lavoro, poi, è un certo gusto per la preziosità del materiale, che volentieri si arricchisce di inserti di vetro o metallo per arricchire la qualità materica della terracotta o della tela: qualcosa è affidato al caso, ma il gioco sta, sostanzialmente, nel saperlo guidare dove si vuole!

Catalogo in galleria. Testo di Luca Pietro Nicoletti.

La mostra proseguirà fino al 4 ottobre con i seguenti orari:
dal martedì al sabato h. 15,30 -19,00

LUCILLA RESTELLI. RAKU, SMALTO E BITUME PER LA “MADRE TERRA”.
Luca Pietro Nicoletti

Anche se Lucilla Restelli inizia il suo percorso artistico con la pittura e solo in tempi recenti sia stata folgorata dal fascino grezzo della ceramica raku, sembrerebbe che sia comunque nata ceramista e che avesse in sé da sempre una vocazione per la modellazione della terracotta refrattaria. È utile partire da questa sua esperienza di plasticazione per inquadrare il suo lavoro e, in particolare, le sue manifestazioni più recenti.
Sia per la pittura sia per il raku, infatti, bisogna collocare la sua produzione in buona parte in un discorso di espressione informale, di improvvisazione istintiva e gestuale: Lucilla avvicina il lavoro artistico senza calcolo, senza progetto, ma seguendo i suggerimenti che l’occasione, di volta in volta, propone; in parte si guida il lavoro, in parte si lascia che sia il lavoro stesso a guidare la mano. In un caso e nell’altro, comunque, il lavoro si deve risolvere in tempi brevi: non lascia tempo alla meditazione, bensì ha bisogno di decisioni rapide e immediate. Si rischia di più probabilmente, ma si hanno anche esiti inaspettati e sorprendenti. Aveva ragione Cristina Palmieri a dire che «potremmo quasi affermare che Lucilla si muova sulla materia inerte come su una tastiera, come se la sua mano suscitasse uno sgorgare improvviso di suoni, laddove i colori sono l'equivalente visibile e luminoso della sua musica». La rapidità e la determinatezza nell’esecuzione, in questo, sono ingredienti essenziali: qualcosa è affidato al caso, ma il gioco sta, sostanzialmente, nel saperlo guidare dove si vuole!
Lucilla Restelli comincia a lavorare il raku modellando oggetti, forme con una funzionalità d’uso come brocche, vasi, piatti, mostrando una sensibilità innata per le qualità informali del materiale: non ha mai pensato che la porosità della terracotta refrattaria o la lucentezza dello smalto potessero servire a ottenere effetti mimetici, o che si potessero applicare a soggetti di chiara riconoscibilità. Anche in questa prima fase, Lucilla mostra un fortissimo spirito informale che non aspettava altro che la forma pura per potersi definitivamente svincolare da uno scopo d’uso. Il passaggio è stato graduale ovviamente, e forse non c’è stata nemmeno una vera e propria transizione, ma un dialogo, una mutazione naturale. Il repertorio formale non è infatti mutato, ed è rimasto permanente e caratterizzante anche un certo gusto decorativo nel trattare, ad esempio, gli effetti del craquelé.
Tutta la produzione di questa artista non rinuncia mai a quel senso dell’ornamento lavorato, prezioso, barocco forse, ma nel senso in cui anche l’informale può essere barocco. A volte i suoi lavori mi ricordano delle placchette per dei gioielli, ma aumentati di scala: potrebbero essere monili per dei giganti! Le combinazioni di elementi e di materiali di Lucilla, infatti, hanno sempre qualcosa di prezioso, che non è dovuto solo all’uso dell’oro o del vetro, ma soprattutto ad una sensibilità per il colore e per il segno.
Lo stesso si può dire per la pittura. Dal raku, per altro, le viene quel gusto particolare per la materia scabra, porosa, che sulla tela si traduce in un ampio utilizzo del bitume per creare una base mossa e vibrante su cui intervenire col segno e col colore, talora graffiando la superficie o aggiungendo pigmento: prima di dipingere, infatti, Lucilla elabora i fondi, cioè ricopre la tela con il bitume, trasformando la superficie pittorica in una epidermide sensibile fatta da increspature del materiale modellato a spatola. In questo modo ottiene una base per il colore che non è più neutra e indifferenziata: se dato liquido, ad esempio, il colore andrà a raccogliersi come in delle insenature, rimanendo invece più trasparente in altri punti. Altre volte, invece, la superficie si arricchisce di interventi diversi, con inserimenti di foglia d’oro, oppure lasciando l’impronta di piccoli oggetti o di materiali naturali come foglie e rami. Tutto questo concorre a creare una texture complessa di segni e di effetti, di intrecci e di iridescenze che costituiscono una tessitura a più livelli. Solo quando interviene col colore, accantonando per un momento quel tono caldo e terroso che fa da motivo conduttore a buona parte del lavoro, la pittura si fa liquida, sottile, lasciando che sia il pigmento a spandersi sul piano. Nella maggior parte dei casi, però, c’è come un regime misto di colore e materia. Ciò che non cambia, però, è l’approccio al lavoro, il fatto di procedere a strati, per accumulo, più che per accostamento, di segni.
In buona sostanza, Lucilla lavora sulla pelle della tela, la tortura di graffi e di incisioni, in un corpo a corpo con una materia viva e, direi, oltre che palpitante, respirante sotto la superficie: forse il respiro della madre terra.

Caterina Parisi Mehr

2008-08-10T18:38:00.003+01:00

INEUNTE VERE

Una folata magica
accende
fuochi gialli di forsizie
e mi trapassa.
Sento
sulla pelle
il turgore dei germogli.

finalmente, dopo molto tempo, e dopo una gestazione combattuta e molto difficoltosa, con alti e bassi, questo libro è finalmente uscito.
Si tratta della prima raccolta complessiva, curata da me insieme a Luigi Giurdanella, di tutte le poesie e gli scritti editi della poetessa Caterina Parisi Mehr (1924-2005). Caterina, oltre che una fine poetessa, è stata una persona cui ero davvero molto affezionato. Ora, tre anni dopo, è ancora un lume, un esempio per dirigere la mia vita.
Questo libro, adesso, è un omaggio al suo ricordo.

PS: chi fosse interessato a ricevere una copia di questo volume non deve fare altro che contattarmi, e provvederò a farglielo avere.

buone vacanze

2008-08-07T10:56:00.001+01:00

interrompendo le pubblicazioni di questo blog per una pausa estiva, si augura a tutti i visitatori buone vacanze e arrivederci a settembre.
L. P. N.

Binario 7: Granfalloon

2008-07-31T17:13:00.002+01:00

PUCCIO PIETRO

2008-06-24T09:04:00.002+01:00

PIETRO PUCCIO è nato a Silkeborg, in Danimarca, nel 1975. Nel 1998 si è diplomato alla Nuova Accademia di Belle Arti di Milano con una ricerca sul corpo seguita da Giancarlo Majorino, uno dei maggiori poeti contemporanei italiani, che in occasione di una mostra personale a Milano (2004) ha descritto così il suo lavoro:
"La pittura sostanziosamente materica di Pietro Puccio riporta al gremito della realtà, restituendo il transitare dei vissuti. Il movimento che anima le scene e le figurazioni, di insolita forza visionaria e sotterranea, è qua e là fermato e riarticolato da stati geometrici, scientifici quasi, di assestamento. È un andirivieni di ripetizioni variate, di mutamenti incorporati che riconducono a stacchi filmici, in una fascinazione di ambiguità."
Diverse sono le esposizioni e le iniziative cui Puccio ha partecipato dal 1997 ad oggi. Fra le più interessanti, le performance Alberghi di Carne (2004 e 2005) e KaSka (2007). Ha esposto, in collettiva, alla galleria Camaver Kunsthaus di Lecco (2004), allo Spazio Studio di Milano vincendo il secondo premio con la pittura EK (2002); da solo, al Tiffany di Ferrara (2007), allo Spazio Anteo di Milano (2004) e al castello di Vezio (2004). Per la Gazzetta dello Sport, escono le spille d’autore, ispirate ai club calcistici (2007). Ha inoltre realizzato una pubblicazione per le edizioni d'arte Pulcinoelefante di Alberto Casiraghy.

Attualmente vive e lavora a Milano come grafico, illustratore e insegnante di disegno digitale. www.alberghidicarne.com/puccio

OPERE DELLA FONDAZIONE GIANNI E ROBERTO RADICE

2008-06-11T18:35:00.002+01:00

OPERE DELLA FONDAZIONE GIANNI E ROBERTO RADICE
a cura di Luca Pietro Nicoletti

Dal 12 giugno 2008

Inaugurazione: giovedì 12 giugno ore 18,30

Si inaugura giovedì 12 giugno alle ore 18,30 presso la Fondazione Gianni e Roberto Radice – Via P. Mola 39 – Milano, la mostra di opere della Fondazione.

la mostra propone un’antologica degli artisti che nel corso degli ultimi anni hanno esposto presso gli spazi espositivi della Fondazione e che hanno voluto donare un’opera alla stessa. In esposizione opere di: Pino Benedetti, Lauro Bolondi, Riccardo Dametti, Daniela Dente, Rinaldo Dolfini, Gilberto Facchinetti, Irena Filipova, Giuseppe Fossati, Giancarlo Gorsenio, Lorenzo Manenti, Marcello Motta, Lorenzo Pietrogrande , Maddalena Rossetti, Riccardo Salemi, Stefano Simone,

La mostra proseguirà fino alla fine del mese con i seguenti orari:

da mercoledì a venerdì h. 15,30 -19,00

FONDAZIONE GIANNI E ROBERTO RADICE
Via P. Mola, 39 – Milano 20156
Tel. 02-39214197 e.mail fondazione.radice@alice.it
Sito internet http://www.fondazioneradice.com/

Failla Paola

2008-06-07T23:50:00.001+01:00

Milano in venti metri quadri: Giovanni Cerri (ultimo appuntamento)

2008-06-03T08:51:00.002+01:00

Con questa mostra chiude la rassegna Milano in venti metri quadri, presso Officina dell'arte di Rho. Ringraziamo La gallerista-artista Lucilla Restelli che ha generosamente e prontamente ospitato questa manifestazione presso il suo piccolo e grazioso spazio, in attesa d future collaborazioni.
Per essere aggiornati sulle iniziative di questa galleria, si può visitare il sito personale di Lucilla Restelli, raggiungibile dall'elenco di link nella colonna a sinistra.

MARINA FALCO

2008-06-03T08:49:00.000+01:00

MARINA FALCO

“I volti che restano”

Dal 5 al 14 giugno 2008

Inaugurazione: giovedì 5 giugno ore 18,30

Galleria Blanchaert
Piazza S.Ambrogio, 4 – Milano 20121
Tel. 02-86451700
info@galleriablanchaert.it

orari: dal martedì al sabato ore 15-19

Si inaugura giovedì 5 giugno alle ore 18,30 presso la Galleria Blanchaert – Piazza S. Ambrogio, 4 – Milano, la mostra personale di Marina Falco dal titolo I volti che restano.
L’artista presenta una mostra di volti e ritratti di persone conosciute, del mondo dell’arte e non; un modo di ripercorrere le sue frequentazioni e rivisitare la figura umana. Una pittura che inquadra e riquadra in zoom gli sguardi e le pose, per poi sfaldarsi a favore di un’immagine più evanescente ed evocativa, nel suo significato di ricordo, reminescenza, omaggio... Una folla composta da artisti, critici, galleristi e amici che frequentano lo studio, accompagnando il vissuto quotidiano dell’artista, scandendone i giorni e le opere.

Dal testo in catalogo di Antonio D’Amico: […] Ciò avviene nei mille volti di Marina Falco, dove sic simpliciter il ritrattato vive negli antri di una memoria dinamica dell’artista, rintracciabile dinanzi alla tela nell’atto “spirituale” di guidare la mano e il pennello, a volte rasentando la rispondenza al vero e quindi consentendo al protagonista di riconoscere le proprie fogge, altre alterando il dato oggettivo per fornire un’interpretazione, un sentimento.[…]

Marina Falco (Napoli, 1967). Dal 1999 insegna Anatomia Artistica all’Accademia di Belle Arti di Brera a Milano, dove attualmente vive e lavora. Tra le mostre personali più importanti citiamo: Archivi del ‘900 – Milano nel 1998, Centro Culturale B. Brecht – Milano nel 1999, Galleria Magenta 52 – Milano nel 2003, Museo Pagani di Castellanza (VA) nel 2004, Casa G. Cini – Ferrara e Galleria Eclettica – Milano nel 2005, Galleria Cappelletti – Milano nel 2006, Cortina Arte – Milano nel 2007. Tra le rassegne a cui ha partecipato segnaliamo: “Milano/Berlino” alla Galerie Verein di Berlino nel 1998, Giovane Arte Europea al Castello Visconteo di Pavia nel 2001, Premio Ennio Morlotti – Imbersago (LC) nel 2002, Premio Michetti a Francavilla al Mare nel 2006, Ri-tratti della memoria al Complesso Agostiniano di Montecosaro (MC) nel 2007.

In collaborazione con Spazio Tadini - Via Jommelli, 24 – Milano.www.spaziotadini.it
VENERDI 13 GIUGNO presso Spazio Tadini alle ore 21 si terrà l’incontro “Attualità del ritratto oggi” . Interverranno: Jean Blanchaert, Felice Bonalumi, Antonio D’Amico, Marina Falco e Melina Scalise.

Binario 7

2008-05-26T21:14:00.001Z

BINARIO 7: Gianluca Palazzolo

2008-05-11T18:53:00.010Z

Prosegue la carrellata nella giovane fotografia e nelle proposte di una generazione che si sta costruendo una strada di autonomia espressiva. Questa volta si tratta di una sortita fuori sede, a Livorno, dove c'è un gruppo di attivi e volenterosi fotografi (oltre che giovanissimi e pieni di entusiasmo), che si è dato il nome di Binario 7 (sette quanti i partecipanti. Per saperne di più, nell'elenco a lato si può trovare il link al loro sito, che merita una visita). Periodicamente li presenteremo uno per uno. Per ora, per iniziare, propongo l'amico Gianluca Palazzolo, accompagnando le fotografie con un mio breve appunto sulla sua fotografia. Merita inoltre segnalare che l'elaborazione fotografica con cui si apre questo post è stata realizzata appositamente per questo blog, e la cosa, oltre a inorgoglirci, ci fa un grande piace.

Forse Gianluca è ancora in cerca di una sua strada nel mare magnum delle possibilità offerte dalla fotografia oggi, ma di certo c’è una grande vocazione. E se il suo percorso di tanto in tanto ha delle brusche sterzate sperimentali, c’è però un tronco di ricerca su cui si innesta tutto il resto, che fa da filo conduttore. Meglio ancora, c’è una intonazione di fondo costante, un temperamento caratteriale costante che permea tutte le sue immagini. È un mondo fotografico fatto di cose semplici, di piccoli oggetti quotidiani. Un mondo che non è per nulla sofisticato, privo di contorsionismi mentali o registici. L’occhio lenticolare dell’obbiettivo cattura ciò che lo circonda come se fosse ogni giorgno una scoperta, un contesto di luoghi conosciuti di cui mettere in luce aspetti nuovi, dettagli apparentemente di seconda importanza: una tazza vuota che dialoga con il romanzo che gli è stato poggiato accanto, oppure piccoli pupazzi messi in fila uno dietro l’altro, o un filo spinato che corre diagonalmente sulla fotografia, in mezzo a un manto erboso che si è trasformato in un intreccio di pennellate dorate.
Solo di recente è arrivata la scoperta dell’autoscatto, della macchina fotografica rivolta verso di sé piuttosto che verso l’esterno: l’approccio è rimasto lenticolare, propenso a una vista ravvicinata, o al gioco dei pieni e dei vuoti. L’autoscatto è come una misura della propria presenza davanti alla macchina fotografica, una sfida con se stessi per sperimentare su di sé una linea espressiva. A questo, poi, si aggiunga anche una propensione letteraria che qui si estrinseca in modo evidente nell’inserimento verbo-visivo di frasi e di lettere, di testo poetico che scivola sopra le figure…
Queste immagini, a volte, ci ricordano che anche la sfocatura, alle volte, può diventare ragione poetica. Il punto nodale sta infatti nella sincerità di approccio, in una assenza di superfetazioni, da un non voler gravare le immagini di più significati di quanti ne possano supportare: c’è una solare, disarmante semplicità. E in questo racconto delle piccole cose, alla fine, si legge in tralice il racconto di sé e, soprattutto, delle proprie inesauste curiosità verso ciò che ci circonda: interesse,questo, che ha ragione di esistere perché misto a un involontario ma leggero stupore.
Luca Pietro Nicoletti

Milano in venti metri quadri: Lorenzo Pietrogrande

2008-05-09T06:40:00.001Z

FACCHINETTI GILBERTO

2008-05-01T11:33:00.004Z

GILBERTO FACCHINETTI

“Sinestesie”

Dall’8 al 30 maggio 2008

Inaugurazione: giovedì 8 maggio ore 18,30

Si inaugura giovedì 8 maggio alle ore 18,30 presso la Fondazione Gianni e Roberto Radice – Via P. Mola 39 – Milano, la mostra personale di Gilberto Facchinetti, dal titolo Sinestesie, a cura di Giovanni Cerri.

Gilberto Facchinetti (Milano, 1945) è laureato in Paletnologia ed è stato docente di Storia dell’Arte al Liceo Classico. Attualmente vive e lavora a Busto Arsizio.

La mostra presenta un nucleo di lavori recenti, realizzati negli ultimi quattro anni di attività, incentrati sulla sinestesia immagine-suono; sono dipinti in cui si evidenzia la commistione tecnica, tra pittura, oggetti di recupero, legno e metallo che interagiscono, a rendere idealmente i ritmi, le partiture “visive”, in sequenze molto armoniche ed equlibrate.

Dal testo di Giovanni Cerri : […] Ma, bisogna pur dire, che il suo motivo di riflessione, le sue “costanti” sono rimaste; il tempo che scorre dando una misura a tutto, la caducità della vita, la manualità del fare e del costruire l’oggetto-quadro, oggi ancor più nella sua tridimensionalità. C’è un richiamo dadaista, anche, nel suo lavoro di “fabbricatore” dell’immagine, con reperti, inserimenti e intrusioni di legni e metalli, di robusti tasselli e di sottili ed esili bastoncini, di listelli che fungono da incorniciatura e bacinelle che diventano acquasantiere. Ed è rimasto il nero, in questi quadri non più allusivo sinonimo di un cielo scorto da una finestra, come nelle precedenti “ventanille”, ma spazio silente dove scorrono le note colorate, i contrappunti, i bassi e gli acuti, filamenti verticali di accese cromie, oppure dritte “discese di tono”. […]

Catalogo in galleria. Testo di Giovanni Cerri.

La mostra proseguirà fino al 30 maggio con i seguenti orari:
dal martedì al sabato h. 15,30 -19,00

HORTVS MVSICVS
Giovanni Cerri

Il percorso di Gilberto Facchinetti è iniziato diversi anni fa, negli anni ’70 e ’80, con un linguaggio molto figurativo, di orientamento surreale, ricco di evocazioni simboliche e spunti letterari provenienti soprattutto dalla cultura di area tedesca e nordeuropea. Con qualche passaggio, che diradava sempre di più la presenza figurativa, nel senso realistico della descrizione, si arrivava nei primi anni del Duemila, a un ciclo più recente, che aveva in sottinteso quella reminescenza dolente, della sofferenza e dello struggente motivo mahleriano dei canti della terra; ci riferiamo appunto al corpus dei lavori titolati Das Lied von der Erde, un “omaggio” al grande compositore boemo, del quale Facchinetti – attraverso la sua materia pittorica, fortemente terrestre, terrena, umana ed emblematica della precarietà dell’esistenza - trasponeva quel senso profondo dell’esser soggetti a un eroico, grandioso decadimento, dell’essere – noi uomini del nuovo millennio – traghettati in una nuova crisi, in un’epoca che, al di là dei suoi illusori miraggi, svela invece l’inquietudine della provvisorietà, dell’incertezza, della paura. Dalla insicurezza del mondo lavorativo alle ultime guerre sorte come nuovi focolai dell’odio in varie parti del mondo…quanta decadenza nel nostro mondo, sempre più “terzo” e “quarto” purtroppo in tante aree lontane da noi; noi, spesso ingrati e inconsapevoli della fortuna di esser comunque tra i più benestanti. Questa breve premessa è indispensabile per capire l’espressione di questo artista, che è arrivato negli ultimi suoi lavori a una sintesi che potrebbe far pensare a una pittura formale, chiusa in un contemplativo meditare sull’ordine degli equilibri,
sull’armonia della composizione, sulla controllata tonalità dei colori. Invece, ciò che ora vediamo, in sequenze, in ritmi musicali “visivi”, è frutto di una evoluzione estetica che si è tradotta in un processo di sottrazione di elementi descrittivi. Ma, bisogna pur dire, che il suo motivo di riflessione, le sue “costanti” sono rimaste; il tempo che scorre dando una misura a tutto, la caducità della vita, la manualità del fare e del costruire l’oggetto-quadro, oggi ancor più nella sua tridimensionalità. C’è un richiamo dadaista, anche, nel suo lavoro di “fabbricatore” dell’immagine, con reperti, inserimenti e intrusioni di legni e metalli, di robusti tasselli e di sottili ed esili bastoncini, di listelli che fungono da incorniciatura e bacinelle che diventano acquasantiere. Ed è rimasto il nero, in questi quadri non più allusivo sinonimo di un cielo scorto da una finestra, come nelle precedenti “ventanillas”, ma spazio silente dove scorrono le note colorate, i contrappunti, i bassi e gli acuti, filamenti verticali di accese cromie oppure dritte “discese” di tono. Ecco il nuovo “canto” di Facchinetti, che si mostra in brani, spezzoni visivi di musicalità espressa con un continuum che di volta in volta si rinnova, rinasce e muore per risorgere in un altro quadro. E non è un caso che alcuni titoli richiamino la musica, citando compositori come Penderecki e Purcell, oppure brani molto noti come “Al chiar di luna” di Beethoven. Perché, in fondo, le note, i ritmi, le partiture, che idealmente accompagnano le immagini, costituiscono l’ Hortus Musicus, il giardino di colori e suoni dentro il quale noi spettatori ci addentriamo e siamo accolti. Dal Barocco al Romanticismo, per giungere alla musica moderna del Novecento, ecco succedersi le suggestioni sonore, echi di memorie che non sono solamente colte citazioni, ma evocano invece atmosfere, riflessioni, pensieri che hanno il loro fondamento dalla osservazione attenta e puntuale che Facchinetti traduce in arte; un’arte che “sublima”, ma che sottintende l’amara crisi della nostra epoca, dove il silenzio di un’oscurità pericolosamente nichilista sembra incombere dietro alle seducenti vibrazioni dei suoni. Ci salverà la bellezza, che è anche il senso dell’arte? Dostojevski affermava questa possibilità, noi aggiungiamo – per incoraggiare e incitare la vittoria su un minaccioso oblio - anche queste parole di Hermann Hesse: “E tutto insieme, tutte le voci, tutti i desideri, tutti i dolori, tutta la gioia, tutto il bene e il male, tutto insieme era il mondo. Tutto insieme era il fiume del divenire, era la musica della vita.”

52 scultori della Permanente a Garbagnate Milanese

2008-04-20T20:24:00.002Z

Fino al 12 maggio è visitabile presso la Corte Valenti di Garbagnate Milanese la mostra collettiva di scultori della Permanente di Milano, di cui si riportano qui alcune fotografie di allestimento.
Un'occasione senza dubbio importante per avere una panoramica di come si faccia scultura, oggi, a Milano.

FAILLA PAOLA

2008-04-06T11:29:00.002Z

PAOLA FAILLA

“…lasciare il segno”

Dal 10 aprile al 3 maggio 2008

Inaugurazione: giovedì 10 aprile ore 18,30
Catalogo in galleria

Si inaugura giovedì 10 aprile alle ore 18,30 presso la Fondazione Gianni e Roberto Radice – Via P. Mola 39 – Milano, la mostra personale di Paola Failla, dal titolo …lasciare il segno a cura di Luca Pietro Nicoletti.

PAOLA FAILLA è nata e lavora a Padova. Dopo essersi diplomata all’Istituto d’Arte “P. Selvatico” di Padova ha frequentato l’Accademia di Belle Arti di Venezia, corso di pittura dove ha avuto come maestro Emilio Vedova. Attualmente è docente all’Istituto d’Arte “P. Selvatico” e contemporaneamente si dedica all’attività artistica. Negli ultimi anni, in particolare, ha svolto la sua attività di ricerca nell’ambito delle tecniche pittoriche e della calligrafia come mezzo di comunicazione artistica. La sua attività espositiva è iniziata nel 1984. Da allora i suoi dipinti sono stati presentati a numerose collettive e le sono state dedicate mostre personali nazionali e internazionali. Lavora tra Padova e Parigi, dove il comune l’ha invitata a tenere una mostra per giugno del 2008.
Sito internet: http://www.paolafailla.it

Di sé l’artista dice: Sorprende anche me stessa la capacità che ho di isolarmi dal mondo circostante anche solo per qualche attimo o per lunghi momenti in cui creo una barriera tra me e il caos della vita, in cui annullo ogni rumore, ogni suono. Creo un silenzio assoluto e mi pongo in ascolto……. gli oggetti parlano ora un linguaggio nuovo, si deformano, perdono il significato materiale e concreto, evocano paesaggi surreali, raccontano di luoghi inesplorati, di terre lontane, di scritture mai decifrate.”

La mostra proseguirà fino al 3 maggio con i seguenti orari:

dal martedì al sabato h. 15,30 -19,00

LORENZO MANENZI. LOST IRAQ

2008-04-02T23:10:00.003Z

A Manenti aveva già dedicato una mostra, dal titolo Irakena, la Fondazione Gianni e Roberto Radice, per mia cura. Questa mostra si propone come un suo naturale prosieguo.... da non perdere sicuramente!

BELLORA NOVELLA

2008-03-30T21:32:00.004Z

NOVELLA BELLORA

“Carta e smalto”

Dall’1 al 12 aprile 2008

Inaugurazione: martedì 1 aprile ore 18,30

A cura di Luca Pietro Nicoletti

Si inaugura martedì 1 aprile alle ore 18,30 presso l’Associazione Culturale Renzo Cortina – Via MacMahon 14/7 – Milano la mostra personale di Novella Bellora, dal titolo : “Carta e smalto”.

La mostra presenta una selezione di opere realizzate negli ultimi due anni, in cui si evidenzia la predilezione dell’artista nel trattare il tema del paesaggio, in questi ultimi lavori posto come sintesi di forme ed elementi compositivi. Una raggiunta e matura sintesi nella costruzione pittorica del quadro, dove il colore trova nuovi squillanti accordi cromatici.

Novella Bellora (Milano, 1969), si è diplomata in Decorazione all’Accademia di Belle Arti di Brera nel corso di Ulrico S. Montefiore.

Dal testo in catalogo di Luca Nicoletti : […] Prendono così vita, in un magma in via di assestamento, grandi aperture di paesaggio, infuocate da cieli rossi smaltati e compatti, da colori che si compenetrano in maniera fluida, quasi sanguinate. Oppure, in alternativa, atmosfere oniriche e soffuse, dovute a una rarefazione degli elementi compositivi; è come se una coltre di umidità si sia posata sulle cose, abbia intriso le carte applicate alla tela e le abbia fatto assorbire degli umori colorati. Un grande sogno,insomma, oscilla in queste tele, citando Adolfo Wildt, fra un “carattere fiero” della pittura e una “anima gentile” della pittrice. […]

Catalogo in galleria.

La mostra proseguirà fino al 12 aprile con i seguenti orari :
10.00-12.30 16.30-19.30

Chiuso domenica e lunedì mattina

Gabriele Poli

2008-03-25T10:08:00.001Z

2008-03-20T10:30:00.002Z

tanti auguri per la Santa Pasqua
Luca

2008-03-07T22:19:00.000Z

SALEMI Riccardo

2008-03-02T19:13:00.001Z

FONDAZIONE GIANNI E ROBERTO RADICE
Via P. Mola, 39 – Milano 20156
Tel. 02-39214197 e.mail fondazione.radice@alice.it

RICCARDO SALEMI

“Interruzioni”

Dal 6 marzo al 5 aprile 2008

Inaugurazione: giovedì 6 marzo ore 18,30

Si inaugura giovedì 6 marzo alle ore 18,30 presso la Fondazione Gianni e Roberto Radice – Via P. Mola 39 – Milano, la mostra personale di Riccardo Salemi, dal titolo Interruzioni a cura di Luca Pietro Nicoletti.

Riccardo Salemi nasce ad Agrigento nel 1964. nel 1983 si trasferisce a Milano, dove si laurea in Economia e Commercio all’Università Cattolica. La sua attività artistica, nel segno dell’informale, inizia nel 1995. Tra le sue mostre si segnalano le personali "Superfici della memoria" alla Fidia Arte Moderna di Roma, quella a Villa Litta di Milano nel 1999, a Villa Ghirlanda a Cinisello Balsano (MI) nel 2004. Tra le collettiva, invece, ha partecipato a “Nuove proposte” presso l’Associazione Culturale Renzo Cortina di Milano nel 2004, “Megamosaico dell’arte italiana” alla Chiesa di San Gallo a Venezia nel 2005, “Oltre la forma”, Sala delle Colonne di Corbetta (MI) nel 2005, “Sei gradi di figurazione”, presso Arianna Sartori Arte & Object Design, a Mantova, nel 2005.

Gli Interrotti, sono la fase più recente del lavoro di Salemi, e si costituiscono per l’assemblaggio di più tele, fra cui viene lasciata una intercapedine di vuoto, che interrompe il discorso visivo per poi riprendere nella tela che gli sta subito accanto. La matrice informale, basata su una tavolozza calda e autunnale fatta dalle terre, i rossi e gli ocra, è rimasta invariata rispetto ai lavori precedenti: il lavoro di fondo è sempre un polimaterico a olio su una base di stucco modellato, graffiato, crepato a cretti, su cui poi si aggiungono carte e garze al fine di arricchire la sensibilità pittorica della superficie della tela. Tuttavia, sul crinale di questa interruzione si insinua il significato metaforico di questa operazione: in questa pausa di silenzio si può trovare un punto dove fuggire, o nel quale trovare rifugio. In ogni caso, è in questo momento di frattura che si insinua la metafora, l’intenzionalità dell’artista, sia che essa stia a rappresentare un inciampo in cui si è incappati nel corso della propria vita o che simbolizzi qualcosa d’altro: di certo, fra un discorso visivo e l’altro, rimane la pausa, l’infinito spaziale che va oltre.

La mostra proseguirà fino al 5 aprile (esclusi i giorni delle festività pasquali) con i seguenti orari:

dal martedì al sabato h. 15,30 -19,00

POLI GABRIELE

2008-02-17T13:53:00.004Z

GABRIELE POLI

“Territori della materia”
A cura di Luca Pietro Nicoletti

Dal 28 febbraio al 28 marzo 2008

Galleria Eclettica – Via R. Pilo, 14 – Milano 20129
Tel. 02-87391936
marco.lori@tin.it

Inaugurazione: giovedì 28 febbraio ore 18,30

Nato nel 1957 a Milano, città dove vive e lavora, si é diplomato in Pittura all'Accademia di Belle Arti di Brera nel 1979. Insegna Discipline Pittoriche presso il Liceo Artistico "Lucio Fontana" di Arese. Ha eseguito opere per importanti luoghi pubblici milanesi, fra cui, nel 2006, tre grandi pannelli per l'ospedale Fatebenefratelli e la decorazione pavimentale per l'asilo “Il giardino dei monelli" presso la storica sede dell'Istituto dei Martinitt di Milano. Tra le sue mostre personali ricordiamo quelle a Milano alla Galleria Cortina (2002, 2003), al Centro Culturale Ponte delle Gabelle di Milano nel 1986, al Centro Culturale "S. Valmaggi" (1991, 2006), alla Galleria San Fedele di Milano (1996), nel 1998 alla Nord Trondelag Filkesgallerj di Namsos (in Norvegia), nel 2005 alla Libreria Archivi del '900 e alla Galleria Eclettica di Milano e al Museo Pagani a Castellanza (VA), nel 2007 presso lo spazio Iroko di Milano. Tra le rassegne a cui ha partecipato citiamo: "Arte per tempi nuovi" alla Die Ecke di Augsburg nel 2002, "Dialoghi incrociati" alla Galleria Luka di Pola nel 2003, "Portale" alla Galleria Magenta di Vimercate (MI) nel 2004, "Megamosaico della Pittura Italiana" mostra itinerante (Milano - Potenza) nel 2006, "Ri¬tratti dalla memoria" presso il Complesso Agostiniano di Montecosaro (MC) nel 2007. Altre informazioni al sito http://www.gabrielepoli.com/

Partendo da premesse informali, attraverso un peculiare utilizzo del materiale e del linguaggio pittorico, nel corso degli anni l’artista ha sviluppato alcuni nuclei tematici relativi al paesaggio, in particolare quello della periferia metropolitana, recentemente anche con una serie di lavori sui “carruggi” dell’entroterra ligure, e della figura, attraverso una sua originale interpretazione dell’angelo. In questa mostra Gabriele Poli, oltre ai paesaggi urbani, le aree dismesse e gli angeli di periferia, esporrà per la prima volta una serie di tele di formato poligonale che decostruiscono il formato canonico della tela in singole forme frammentarie o ricomponibili in un unico insieme, una installazione pavimentale ispirata alla pianta topografica di Milano e un paravento, anch’esso dedicato e evocativo di luoghi e atmosfere della estrema periferia urbana, intitolato “Arizona”, un locale pubblico a metà tra città e campagna frequentato dall’artista negli anni ’70.

Catalogo in galleria. Testi di Luca Pietro Nicoletti.

orario 10:00-12:30 15:00-19:00. Chiuso domenica e sabato pomeriggio

Ferreri Carlo

2008-02-02T10:09:00.001Z

I CERRI. La pittura di generazione in generazione

2008-01-19T23:16:00.001Z

Museo della Permanente
Società per le Belle Arti ed Esposizione Permanente
Via Filippo Turati 34
20121 Milano
Tel. 02 6599803-6551445
Fax 02 6590840

I CERRI - Giancarlo e Giovanni
La pittura di generazione in generazione

Inaugurazione mercoledì 23 gennaio ore 18,00
Apertura 24 gennaio - 10 febbraio 2008
Orari martedì-venerdì 10.00/13.00 – 14.30/18.30; sabato e festivi 10.00/18.30
Lunedì chiuso

Si inaugura mercoledì 23 gennaio alle ore 18.00 presso il Museo della Permanente di Milano, via Turati 34, la mostra “I Cerri. Giancarlo e Giovanni. La pittura di generazione in generazione”.

La mostra presenta una selezione di opere recenti dei due artisti milanesi, padre e figlio, che in questa prestigiosa sede espongono un numero ristretto di quadri di grande dimensione. I loro linguaggi espressivi appaiono diversi - nel territorio dell’astrazione il padre, seguace della neo-figurazione di impronta espressionista il figlio – ma, in comune, hanno la forza della pittura, evidente nell’accostamento al nero di larghe campiture cromatiche nelle grandi Sequenze di Giancarlo, nel contrasto aspro del chiaro-scuro nelle Città fantasma , nei volti e nelle figure in lotta di Giovanni.

Giancarlo Cerri (Milano, 1938) ha iniziato la sua attività espositiva nei primi anni Sessanta. Tra le sue mostre personali più recenti ricordiamo: 1993 – Museo Civico di Lodi; 1994-1998-2003-2005 – Galleria Cortina – Milano; 1997 – Galleria Pace – Milano; 2005 Museo d’Arte Moderna di Gallarate (VA); 2007 – Museo Pagani – Castellanza (VA). Tra le rassegne più significative a cui ha partecipato nell’ultimo decennio citiamo: “Milano – Cento artisti per la città” e “Percorsi dell’Astrazione a Milano” nel 1995 al Museo della Permanente a Milano, “Arte a Milano, oggi” alla casa natale di Raffaello a Urbino nel 2002, “Viaggio dell’arte – Pittura e Scultura dal Museo della Permanente” al Castello Sforzesco di Vigevano nel 2003.. Opere di Giancarlo Cerri sono collocate nelle collezioni pubbliche dei Musei d’Arte Moderna di Bolzano, Lecco, Ferrara, Gallarate, Novara, Lodi, S. Pietro in Cerro (PC), La Spezia, S. Maria di Leuca (LE), Fondazione Lajolo di Milano, Museo Bargellini di Pieve di Cento (BO), San Donato Milanese, Durazzo (Albania), Museo Pagani di Castellanza (VA), S. Angelo Lodigiano.

Giovanni Cerri (Milano, 1969) ha iniziato la sua attività di pittore nel 1987 e da allora è presente in numerose mostre in Italia e all’estero. Tra le sue “personali” citiamo: 1995 – Galleria Cortina – Milano; 2000 – Galleria Artistudio/Magrorocca – Milano; 2002 – Galleria Monogramma – Roma; 2003 – Galleria Magenta 52 – Milano; 2005 – Casa Cini – Ferrara, Cortina Arte – Milano; 2006 – Galleria Blanchaert – Milano; 2007 – Galleria Palmieri – Busto Arsizio e Galleria Eclettica – Milano. Tra le rassegne a cui ha partecipato: “1997 - Figurazioni” – Museo della permanente – Milano; 1998 - “Milano-Berlino / Metropoli a confronto – Galerie Verein – Berlino (Germania); 2001 – “Giovane Arte Europea” – Castello Visconteo – Pavia; 2002 – “Arte per tempi nuovi” – Galerie Die Ecke – Augsburg (Germania); 2003 – “Dialoghi Incrociati” – Galleria Luka – Pola (Croazia); 2006 – Premio Michetti – Francavilla al Mare (CH); 2007 – “Mai dire Mao” – Mercante in Fiera - Parma
Entrambi gli artisti sono presenti nella raccolta museale della Permanente.

Catalogo in galleria. Testo critico di Antonio D’Amico. Interviste agli artisti di Luca Pietro Nicoletti.

DAMETTI RICCARDO

2008-01-15T21:24:00.001Z

RICCARDO DAMETTI

“L’anima giovane”

Dal 16 gennaio al 2 febbraio 2008

Inaugurazione: mercoledì 16 gennaio ore 18,30

Si inaugura mercoledì 16 gennaio alle ore 18,30 presso la Fondazione Gianni e Roberto Radice – Via P. Mola 39 – Milano, la mostra personale di Riccardo Dametti, dal titolo “L’anima giovane” a cura di Giovanni Cerri.

Riccardo Dametti (Fidenza , 1978) si è diplomato all’Istituto d’Arte Paolo Toschi a Parma. Vive tra Milano e Parma. Maggiori informazioni su di lui al sito linkato nella colonna di sinistra.
Il giovane artista, musicista e pittore, presenta una selezione di opere recenti, nelle quali si evidenzia il suo linguaggio orientato verso il graffito, la “street art”, qui resa in pittura su tela, con un segno vigoroso e vibrante e una scala cromatica molto vivace, caratteristica del “filone” di una nuova pittura giovanile che mira a una comunicazione visiva immediata e di forte impatto emozionale.

Dal testo di Giovanni Cerri : […] Riccardo Dametti si inserisce in questa “corrente”, che usa il linguaggio pop, forse anche rock, della comunicazione popolare, amplificata dal colore che risuona forte nei contrasti, stridente negli accordi rischiosi e audaci dell’improvvisazione. […] Colpi di colore che traducono gli sferragliamenti dei tram e i cupi stridori sotterranei delle metropolitane, i sibili urgenti delle sirene d’ambulanze che cercano faticosamente i varchi percorribili nel traffico congestionato, le folle colorate che sfilano alle manifestazioni politiche e studentesche, il primitivo radunarsi dei rave – party, le corse d’auto truccate nei viali di periferia trasformati in autodromi clandestini…[…]
Catalogo in galleria. Testo di Giovanni Cerri.

La mostra proseguirà fino al 2 febbraio con i seguenti orari:

dal martedì al sabato h. 15,30 -19,00

Falco Marina

2008-01-01T20:54:00.000Z

"Milano in venti metri quadri" è un progetto di mostre nato da un'idea di Giovanni Cerri e curato da me, che si snoderà per tutta la prima metà del 2008: cinque artisti, soci dell'Associazione Culturale Renzo Cortina, sono stati invitati a cogliere quattro aspetti significativi di Milano in quattro tele di formato quadrato 100x100, raffigurando quelli che a loro giudizio -o a loro gusto- fossero quattro momenti salienti della città. Accostati, ne sarebbe venuto un grande mosaico di 20 metri quadri appunto.
La piccola e accogliente galleria "Officina dell'arte" di Lucilla Restelli, che ringraziamo, ospiterà quindi le cinque mostre che proporranno, vicino alle quattro tele su MIlano (quattro metri quadri!), una piccola rassegna monografica esemplificativa del lavoro di ogni singolo artista.
Si comincia con Marina Falco.
Seguiranno Carlo Ferreri, Lorenzo Pietrogrande, Gabriele Poli e Giovanni Cerri.

2007-12-21T22:24:00.000Z

SANTA CLAUS

Scintillio di luci
pirotecnici lampi
voci di Sirena
Sguardi di Medusa.

Galleria di festa
magnetico mercato.
arrivano i Re Magi
con oro incenso e mirra.

Non vanno alla capanna
povera del Bambino,
tutto è silenzio intorno,
solo una stella brilla.

Sospira S. Francesco:
il suo presepio chiama,
non vedono i passanti
le lacrime lontane.

Ti prego, Santa Claus,
non fermarti qui,
lascia la tua renna
e Sali sul cammello.

Sciogli la tua barba
per acqua nel deserto
e carico di manna
risana gli affamati.

Sconvolti dall’eccesso
anche noi fuggiamo
cercando i derelitti
per risalire insieme
ed essere felici.

Caterina Parisi Mehr
Con questi versi di una carissima amica, colgo l'occasione per fare i
miei migliori auguri per il Santo Natale e per un sereno avvio del
2008
un abbraccio a tutti
Luca P. Nicoletti

MAGRO FRANCESCA

2007-11-25T23:12:00.001Z

FONDAZIONE GIANNI E ROBERTO RADICE
Via P. Mola, 39 – Milano 20156
Tel. 02-39214197 e.mail fondazione.radice@alice.it

COMUNICATO STAMPA

FRANCESCA MAGRO
Cromosoma astratto

A cura di Luca Pietro Nicoletti

dal 30 novembre al 21 dicembre

Catalogo in galleria – testo di Luca Pietro Nicoletti

Inaugurazione: venerdì 30 novembre ore 18,30

La Fondazione Gianni e Roberto Radice – Via P. Mola 39 – Milano, inaugura venerdì 30 novembre alle ore 18,30 la mostra personale dell’artista Francesca Magro, che raccoglie una selezione di lavori della sua produzione recente.

La mostra presenta una serie di lavori polimaterici su carta di Francesca Magro ispirati ai temi della ricerca genetica che si interrogano sul mistero della vita nascente.
L’artista ha trasposto sulle sue carte, racchiuse dentro teche trasparenti, come in provetta, un universo cellulare che è diventato il pretesto per una divagazione giocosa sui percorsi dell’astrazione. Giocando con la contaminazione delle tecniche pittoriche e facendo largo uso di interventi con materiali diversi, Francesca Magro ha fuso, in una formula imperniata sul tema visivo dell’uovo, i poli del micro e del macrocosmo, dando alla rappresentazione il respiro dell’improvvisazione geometrica astratta.

Nata a Bergamo, Francesca Magro si è diplomata presso l’Accademia di Belle Arti di Brera a Milano, e dal 1977 espone con continuità sia in Italia sia all’estero. Vive e lavora ad Arese (MI). Dal 1984 al 1986 si specializza in arti incisorie presso l’Accademia Raffaello di Urbino con Renato Bruscaglia e nel 1987 si perfeziona alla “Oland Grafiska Skola” in Svezia. Da alcuni anni collabora con spazi pubblici e privati per la promozione dell’arte contemporanea, attivando progetti sul territorio. Attualmente fa parte della Commissione Artistica annuale della Permanente di Milano ed è titolare della cattedra di discipline plastiche presso il liceo artistico “Lucio Fontana” di Arese. Sue opere figurano in numerose collezioni e musei in Italia e all’estero.

La mostra proseguirà fino al 21 dicembre con i seguenti orari:

dal martedì al sabato h. 15,30 -19,30

BRIONI MARA

2007-11-14T18:32:00.000Z

Mara Brioni (Violator3) nata a Brescia il 17 novembre 1985, dove vive e dove si sta laureando in Fotografia presso la Libera Accademia di Belle Arti. Di sè e della sua ricerca fotografica afferma: [...] il mio lavoro sull'autoritratto è nato con scopo auoterapeutico, in un momento abbastanza difficile della mia vita, e poi è diventato una sorta di gioco. Fondamentalmente però mi fotografo perchè mi fa bene, perchè riesco ad esprimere quello che ho dentro più efficacemente che con le parole...

Giovan Battista D’Achille

2007-10-29T14:28:00.000Z

Sono nato in un piccolo borgo umbro , un luogo che amavo ed odiavo per la medesima ragione: la sua provincialità. Per quel che ricordo non avevo grandi amici allora e passavo le giornate a ficcare il naso in libri d’avventura, fumetti, vecchie commedie e mistery mouvie, disegnare, correre in bicicletta, e scrivere di tutto ciò. Con in più la sconsiderata voglia di localizzare ed esprimere cento vite diverse, perché non mi sentivo ancora in una precisa.. almeno finché una vita non mi trovò…Ho sempre avuto la necessità di osservare cose e persone, di cogliere intimi dettagli. Trasformarli in qualcosa di fisico come una fotografia mi piaceva come idea e del resto avevo modo di assecondare la divorante miscela di richiami e sensazioni che l’arte mi provocava. Sembrava inevitabile, non riuscivo a vivere se
non potevo esprimere questa sana forma di pazzia. Non ho frequentato scuole, ognuno ha un percorso diverso, penso semplicemente che se ami qualcosa devi riempirti di essa e seguire quella strada con assoluta dedizione, sfida e sacrificio, tenacia e passione: il resto non conta. Nemmeno la voce di chi continua a volerti dividere dalla tua pura inclinazione. Da cinque anni faccio fotografia in modo più cosciente, ho una mia ricerca che è diventata una splendida ossessione. Attraverso questo strumento cerco di scandagliare la natura umana. Facendo ritratti, cerco di avere un occhio interiore ed uno esteriore, perché il soggetto rappresentato sia sempre più vero e presente.. cosi che il suo mistero e il mio si intreccino, fermando qualcosa che altrimenti non sarebbe esistito.

Ho sempre creduto che ognuno racchiuda un mito, una sua potenziale inespressa grandezza, se riesci a sfiorare quel punto in cui è sepolto, allora la tua foto può anche restare e il tempo, può solo regalarle qualcosa!

INFORMALE, NUCLEARE

2007-10-19T21:29:00.001Z

INFORMALE, NUCLEARE. INTORNO ALLA PITTURA DI GORSENIO
Luca Pietro Nicoletti

La prima volta che visitai lo studio di Giancarlo Orsenigo, in arte Gorsenio, assieme ad Antonio D’Amico, ebbi la sensazione di essere circondato dalla sua pittura: scendendo una scala a pioli, infatti, si entra in un grande ambiente senza finestre in cui l’artista tiene in esposizione permanente i suoi dipinti. Mi si dispiegava dunque davanti agli occhi in quel modo un mondo vitalissimo, multiforme e magmatico. Mi colpì molto una sua frase: “Dipingo perché è la sola cosa che mi rende davvero felice”. Trovo che sia un pensiero bellissimo, nella sua disarmante semplicità e forse può essere la chiave di accesso al variegato mondo della sua pittura, fatta di una continua declinazione di modi e forme nuove. Gorsenio ha infatti l’abitudine di lavorare su più filoni tematici, che rendono difficile una suddivisione in periodi del suo lavoro: molte ricerche si intrecciano oppure, una volta riallacciato il filo di un determinato discorso visivo, su di esso si sono depositati i postumi delle esperienze che nel frattempo si sono accavallate. Molti dipinti, poi, lungo questo percorso rimangono dei veri e propri figli unici. È straordinaria infatti la vitalità con cui Gorsenio, raggiunta la soglia degli ottant’anni, continui ad avvicinare la tela con accanimento e rapida certezza: quando sente di aver imboccato la via giusta è facile che gli basti poco tempo per risolvere un dipinto. A questo proposito merita ricordare un aneddoto, raccontatomi dall’artista: Achille Bonito Oliva, che amava andare a vederlo lavorare, un giorno gli disse che aveva delle mani stupende (sì, perché Gorsenio dipinge solo con le mani, senza la mediazione del pennello) e che quando riusciva ad entrare nel quadro era capace di finirlo in due minuti, ma con un avvertimento: “Stai attento che non siano tre”, perché quel minuto in più poteva significare rovinare una intuizione già felice, insistere e rendere di maniera qualcosa di già compiuto.
Non è raro, poi, che l’artista ricopra dipinti vecchi che non lo soddisfano più e usi quella materia pittorica spessa e indurita come base per nuove esperienze visive. Non è una operazione da trascurare, questa, né da leggere come semplice atto utilitaristico, quanto piuttosto come una continua revisione del proprio lavoro, oltre ad una selezione delle cose da perpetuare e di quelle di cui cancellare memoria.
In secondo luogo, rilavorare su tele già dipinte serve a Gorsenio per lavorare su un supporto duro, su una crosta di colore. Per questa ragione Franco Fornari, nell’aprile 1984 , forse portando all’estremo i termini della questione, sosteneva che l’artista aveva bisogno di avere del colore spesso e secco per poter “pietrificare” la tela e immedesimarla ad un muro.
Al di là di queste costanti, sarebbe difficile tracciare in breve il percorso di Gorsenio, se non ricordando che, pur in molteplici declinazioni, la sua ricerca è stata una oscillazione fra le polarità dell’informale e del movimento nucleare, a volte con una inflessione decorativa, sempre con lo spirito di una lieve, divertita ironia. In queste coordinate generali, poi, si sono via via inseriti spunti di varia origine, come dal gruppo Cobra, dalla Transavanguardia, da Enrico Baj. In tempi più recenti, poi, ha guardato anche verso il Monet delle ultime grandi serie di ninfee, riproponendo un paesaggismo di forte marca impressionista, sebbene memore delle esperienze precedenti. Giustamente Raffaele De Grada, nel luglio del 1980, aveva collocato l’artista in “[…] quella vivace area che sta tra l’informale e il figurativo pregnante di gioia colorata, costruita punto per punto di forma-materia”. La sua pittura rimane sulla superficie delle tela: la rappresentazione non va in profondità, raramente crea spazio, bensì propone una ostensione di elementi uno a fianco all’altro. Le figure, le cui fisionomie a volte fanno pensare all’umanità nucleare codificata da Baj, restano sul piano, si parano davanti all’osservatore in fila sulla soglia del dipinto. Dietro di loro un baluginare di macchie, di colori: un tessuto di segni texturizzati a fare da ripieno per una pittura che cerca strenuamente la saturazione degli spazi.
Non va poi dimenticato che Giancarlo Orsenigo, oltre che pittore, è anche scrittore, e che ha alle spalle la pubblicazione di quattordici romanzi, in cui si ritroverà lo stesso spirito che impernia la produzione pittorica. L’impronta comune a tutto il suo lavoro, infatti, resta quella di essersi sempre divertito con la pittura, di non avere avvicinato il mestiere con quel riverente rispetto che rischia di trasformarlo in una religione.

Secondo Bonito Oliva, nel gennaio 1983, la pittura di Gorsenio si polarizza fra istinto drammatico e ironia, raggiungendo un “erotismo taciuto” che rimane sottotraccia. Tuttavia,credo che il secondo dei due poli sia dominante: un umorismo surreale, che ha un peso notevole anche nella prosa. Negli intrecci complicati dei romanzi di Giancarlo Orsenigo la narrazione rende irreali le cose, le persone, le atmosfere, in cui il giallo si tinge di noir ma non disdegna la comicità dell’assurdo e il gioco di parole. Nella sua prosa, Orsenigo mette in luce i lati paradossali della quotidianità; nella pittura, Gorsenio raffigura una umanità tutta irreale, metamorfica, ma con lo stesso senso dell’ironia. A volte sono personaggi che mordono una sigaretta fra le labbra, a volte si lasciano semplicemente guardare nella loro improbabile ma buffa sembianza.

2000 visite!

2007-10-13T18:56:00.000Z

oggi "Nati sotto Saturno" ha raggiunto e superato le 2000 visite! Un grazie particolare a tutti quelli che sono tornati con costanza su questa pagina, ed anche a quelli che invece sono passati solo di sfuggita.
L.P..N.

GORSENIO GIANCARLO

2007-10-08T08:18:00.001Z

GORSENIO
Informale, nucleare

A cura di Luca Nicoletti
Con la consulenza di Antonio D’Amico

Dall11 ottobre al 3 novembre 2007

Catalogo in galleria – testo di Luca Nicoletti

Inaugurazione: giovedì 11 ottobre ore 18,30

La Fondazione Gianni e Roberto Radice – Via P. Mola 39 – Milano, inaugura giovedì 13 settembre alle ore 18,30 la mostra personale del pittore Gorsenio (Giancarlo Orsenigo), che raccoglie una selezione di lavori della sua produzione recente.

Giancarlo Orsenigo, in arte Gorsenio, nasce nel 1929 a Milano, dove vive e lavora. Pittura e scrittura da sempre sono le sue due passioni che lo hanno portato a ricevere riconoscimenti a livello nazionale e internazionale e solo di narrativa ha dato alle stampe quattordici libri. Fu tra i pittori che diedero vita al Movimento Nucleare e della sua pittura hanno parlato vari critici. Fra questi, a lungo si è occupato del suo lavoro Achille Bonito Oliva, che così ha definito la sua pittura: “un universo figurativo realizzato con intensa tridimensionalità costituita interamente di pittura, di spessori materici imbrigliati dentro la cornice del quadro. Lo spazio della pittura è il luogo specifico di queste apparizioni, epifanie dense e vischiose, rimpinguate dalla sostanza del segno e del colore. Una temperatura drammatica regge le composizioni di questo pittore. […] Il risultato è un’immagine che predilige un forte clima espressivo dominato da una doppia polarità. Una che spinge l’immagine verso l’affioramento e l’altra che invece tende a tenerla ancorata a riferimenti organici e quindi al di sotto di ogni affioramento figurativo, di ogni sistemazione formale.”

La mostra proseguirà fino al 3 novembre con i seguenti orari:

dal martedì al sabato h. 15,30 -19,00

CERRI GIOVANNI

2007-10-03T10:09:00.000Z

GIOVANNI CERRI

Emmhaus…dopo la Cena

Dal 6 ottobre al 9 novembre 2007
Inaugurazione: sabato 6 ottobre ore 18,30

Galleria Eclettica – Via R. Pilo, 14 – Milano 20129
Tel. 02-87391936 – MM1 Porta Venezia, tram 29-30
Orari: 10-12,30 15,30-19
Chiuso sabato pomeriggio e domenica

Catalogo in galleria
Testi di Raul Montanari e Luca Pietro Nicoletti

RABBIONE MATTHIAS JIURY

2007-09-26T10:38:00.000Z

Matthias Jiury Rabbione è nato a Saronno nel 1984 e vive nel Saronnese.
Ha frequentato l’Istituto Tecnico G. Galilei di Milano ottenendo la Maturità di Perito Industriale per le Arti Grafiche.
Dopo una parentesi alla Facoltà di Design del Politecnico di Milano, frequenta il corso di studi di Storia e Critica dell’Arte alla Statale di Milano.
Appena maggiorenne entra da autodidatta nel mondo della fotografia con l’aiuto del padre, fotografo amatoriale da oltre venticinque anni, e incomincia la carriera di fotografo per cerimonie religiose. È così che, dopo qualche anno, scopre una passione per il genere del ritratto. Dalle spose passa quindi ben presto ad amici e conoscenti, che ben si prestano ad arricchire la sua collezione di ritratti. Tuttavia il suo occhio fotografico non manca di posarsi sul paesaggio che lo circonda, anche sul dettaglio apparentemente più insignificante.
http://www.flickr.com/photos/mattjr/

La prima cosa che guardo in una persona appena conosciuta è lo sguardo: di conseguenza quel che chiedo al soggetto del mio ritratto è uno sguardo sincero, il più delle volte direttamente in obbiettivo, quasi spiazzante per losservatore, ma abbastanza ricco di significati in modo da far comprendere lo stato danimo del soggetto.
Insomma, io mi innamoro degli sguardi. Ce ne sono alcuni che non dimentico e dimenticherò mai. Per questo ritrarre una persona è così importante per me.

SALEMI RICCARDO

2007-09-19T10:07:00.001Z

ROSSETTI MADDALENA

2007-09-14T18:37:00.000Z

MADDALENA ROSSETTI

“Di quotidiane storie”

Dal 13 settembre al 6 ottobre 2007

Inaugurazione: giovedì 13 settembre ore 18,30

Si inaugura giovedì 13 settembre alle ore 18,30 presso la Fondazione Gianni e Roberto Radice – Via P. Mola 39 – Milano, la mostra di Maddalena Rossetti dal titolo “Di quotidiane storie”.

Maddalena Rossetti (Milano, 1967) si è diplomata in pittura all’Accademia di Belle arti di Brera a Milano nel 1990. Attualmente affianca alla ricerca artistica l’attività di illustratrice e decoratrice. Tra le sue mostre più recenti si segnalano: “Giovani artisti contemporanei” all’Antica Pretura di Castell’Arquato (PC) nel 1996, “Polittico” alla Cascina Grande di Rozzano (MI), “Di segni in forme” alla Cascina Roma di San Donato Milanese, “Pop & Stars” alla Cortina Arte di Milano nel 2005.

In questa mostra l’artista presenta una selezione di opere recenti, dove nella pittura – di taglio informale, con accenni di figurazione – si inserisce spesso l’elemento grafico della scrittura.
Dal testo in catalogo di Giovanni Cerri: […] I suoi lavori si presentano talvolta come piccole carte strappate o ritagliate, enunciati fatti di un solo segno o di fitte e intricate scritte da decifrare e interpretare. Oppure, in altre composizioni più elaborate, la Rossetti accosta, assembla, cerca assonanze e sintonie di segno, disegno e grafia, colore e parola, cercando un’armonia tra detto e non detto, sottinteso e ironica sollecitazione a trovare altri significati.[…]

Catalogo in galleria. Testo di Giovanni Cerri.

La mostra proseguirà fino al 6 ottobre con i seguenti orari:

dal martedì al sabato h. 15,30 -19,00

RI-TRATTI DALLA MEMORIA

2007-09-04T21:06:00.000Z

RI-TRATTI dalla MEMORIA
Dialoghi intorno all'arte marchigiana

GIOVANNI CERRI – GABRIELE POLI – MARINA FALCO – CHRISTIAN EVALLINI
DANIELE CAZZATO – FRANCO COLNAGHI – GAETANO ORAZIO
OMAGGIO A SERGIO GRAZIOSI

a cura di Antonio D’Amico

28 luglio – 30 settembre
Inaugurazione, sabato 28 luglio ore 18,30

Orari: 10,30-12,30 17,00-20,00 chiuso lunedì

Catalogo: Bocca Editore Milano

Con questa esposizione si inaugura a Montecosaro un progetto itinerante che tenta di captare la radice delle esperienze pittoriche di alcuni giovani artisti che con lo sguardo vigile alla vita tangono, sul supporto pittorico, esiti figurativi per poi raggiungere linguaggi visivi Ri-Tratti dalla Memoria. È questo il titolo della rassegna che ha origine nella concreta esigenza di individuare un tracciato di ricerca sull’arte contemporanea che trova e verifica il suo fondamento nel valore del confronto con la storia pittorica dei grandi maestri che nei secoli hanno vissuto appieno il loro tempo, scandendo specifici linguaggi territoriali.

Il risultato visivo è una continuità rinnovata e aggiornata nelle tecniche e nelle forme, pur mantenendo saldo lo stile che identifica ciascun artista chiamato a misurarsi con un’affascinante eredità iconografica che, per questa mostra, è tutta marchigiana. Indi per cui, pittori quali i fratelli Salimbeni, El Greco, Simone de Magistris, Federico Barocci, Lorenzo Lotto, Giovanni Francesco Guerrieri rivivono idealmente nelle opere di questi giovani artisti come in una lente d’ingrandimento deformante. Emergono così i Dialoghi intorno all’arte marchigiana, con i quali gli otto artisti invitati a questa mostra, che ha poi tutta l’aria di una sfida, si sono misurati. Le sale dei prestigiosi spazi del Complesso Agostiniano di Montecosaro, si presenteranno agli spettatori come otto stanze della memoria, in cui tutti siamo invitati ad entrare, ciascuna caratterizzata da evocazioni e reminiscenze che scorrono e affiorano sul supporto dipinto. Saranno volti, gesti, posture di figure umane, oppure scenari, prospettive e spazialità che provengono dall’osservazione e dal “sentire” affine quei maestri lontani nel tempo e dalla nostra realtà, ma densi di una rinnovata vitalità.

Tutti questi elementi che arricchiscono l’evento, visitabile fino al 30 settembre, sono esaminati dal punto di vista critico nel catalogo della mostra, edito da Bocca Editore, che fra le altre cose presenta un interessante affondo storico di Sara Fontana, storica dell’arte le cui recenti indagini pongono attenzione alle arti visive dagli anni Cinquanta del Novecento a oggi. Le ragioni di questa mostra, poi, si intercettano da subito nella prefazione del curatore.

«[…] Tempi e attese che regolano la storia dell’arte e che nella nostra contemporaneità assumono modalità ed equilibri tutti da riordinare. Laddove c’è stato un tempo dove si ambiva all’esecuzione dei grandi cantieri ad affresco, soffitti e volte, oppure a sontuose pale d’altare che raccontavano storie e immagini di santi, miracoli, simboli, parabole, martiri, supplizi e divine apparizioni. Un tempo in cui il pittore aveva un ruolo e un mestiere pubblico, sociale, laico o ecclesiastico, al servizio della Chiesa, di un re o di una Signoria. Mondi celesti e mondi di potenti sovrani, rappresentazioni sacre e profane, ultime cene, natività, adorazioni dei magi, madonne con Bambino, crocifissioni e deposizioni, re e regine, papi e cardinali, battaglie e trionfi.
Qui e ora, le nostre figurazioni, più lacerate e sofferte nella forma, raccontano di cenacoli nei campi nomadi, venerazioni profane, stadi d’assedio psicologici, capi di stato e gente comune, sogni, speranze di pace; paesaggi reali e immaginari dove vivono dannati e penitenti con lo sgretolarsi dei loro destini, ritratti dalla memoria con la sensibilità espressiva di chi vigila sulla nostra storia».

La storia, maestra di vita, dimostra, a Montecosaro, come ogni esperienza figurativa contemporanea non può e non deve trascendere dal ricco bagaglio filologico e culturale che l’arte di ogni tempo ci ha lasciato e che per questi giovani artisti è un patrimonio inestimabile da cui ripartire per altre entusiasmanti avventure artistiche. È lo stesso sentimento che fece proprio Sergio Graziosi a cui questa mostra dedica la sezione conclusiva, rendendo omaggio all’estro di un lombardo che scelse negli ultimi anni della sua vita di vivere fra le meravigliose colline di Montecosaro per assaporare l’incanto dei monti sibillini.

interruzione estiva

2007-07-21T16:29:00.000Z

con questo post interrompo la presentazione di nuovi profili di artisti per la pausa estiva. Si riprende la prima settimana di settembre.
Un augurio di buone vacanze di serenità e di riposo a tutti
L.N.

ANDREA FRANCESCO BERNI

2007-07-20T17:08:00.000Z

prosegue la rassegna sulla giovane fotografia a Milano e in Lombardia con un altro giovanissimo: Andrea Francesco Berni. Il suo lavoro ha un tono più lieve rispetto a quello di Federico Erra, sebbene fra i due intercorra un proficuo confronto, uno scambio di idee e di soluzioni visive.

Mi chiamo Andrea Francesco Berni e sono nato nel 1984 a Milano. Frequentando il liceo artistico sperimentale Umberto Boccioni ho iniziato ad appassionarmi alla fotografia, vedendola però più come un modo per registrare, "memorizzare" la realtà che come modo di esprimersi. E' stato preparando un esame di fotografia all'università, la Naba di Milano, che ho iniziato a comprendere il potenziale di questo strumento e ho deciso di acquistare una fotocamera reflex digitale. Da allora ho iniziato a scattare per esprimere qualcosa, conscio del fatto che se non si lega una fotografia ad una emozione rimarrà una immagine praticamente senza senso. Qualche mese più tardi mi sono iscritto a Flickr.com, scoprendo nel frattempo il ritratto come modo di esprimere sé stessi e gli altri. Dopo una serie di autoritratti ho chiesto ad amici e conoscenti se potevo scattargli delle foto e da allora non ho più smesso, approfondendo parallelamente le mie conoscenze estetiche.

In questi ultimi mesi mi sono reso più consapevole di quello che per me è la fotografia: non si tratta di registrare la realtà, ma di trasmettere quello che il fotografo percepisce della realtà stessa. Ecco perché spesso intervengo anche con altri mezzi nelle mie foto, ad esempio modificando colori: per me l'importante è poter esprimere e condividere quello che vedevo e provavo nel momento dello scatto, con qualsiasi mezzo disponibile.

Al momento sono iscritto al serale avanzato dell'Istituto Italiano di Fotografia a Milano, occupandomi nel frattempo di book e ritrattistica cercando di estendere le mie conoscenze anche ad altri campi della fotografia quando si tratta di scattare non su commissione.

Sono anche giornalista di cinema (mi occupo di un sito, www.badtaste.it , che seguo giornalmente) e mi sto diplomando in pianoforte. A livello tecnico utilizzo Canon, ho una reflex digitale 400D che monta ottiche Canon.

FALCO MARINA nelle parole di Antonio D'Amico

2007-07-16T20:03:00.000Z

Ultime scaglie di cromie sedimentate
Antonio D’Amico

L’arte racconta la vita col vaglio di simulacri metodologici sempre nuovi e arditi, sublimando, il più delle volte, la narratività della dimensione pittorica.
L’artista, perpetrando il suo genius loci, alimentato da secoli di creatività dinamica e in costante progresso paratattico con la propria epoca, come ricorda Ernst H. Gombrich, si erge a giudice della natura e dei suoi elementi.
Tutte le affezioni naturali insite nel vissuto dell’artista, trasformano simultaneamente il corpo e l’anima della forma visiva. Pertanto, partendo dall’analisi di Aristotele, a ogni segno visivo corrisponde una simbologia che crea nuovi e appropriati tratti sedimentati nell’antro speculativo e magnetico dell’artefice.
Nell’ ultima transc pittorica, in costante evoluzione ma perpendicolare alla ricerca conquistata nel tempo, che Marina Falco presenta in questa esposizione, entra in gioco la risonanza interiore, chiamata in causa da Kandinsky.
In definitiva, i quadri della Falco divengono lo specchio di una realtà filtrata attraverso scaglie di cromie che provengono da una luce interiore e che corrisponde alla luce esteriore dell’esperienza che Marina, consciamente ma, inevitabilmente, anche inconsciamente, matura da sempre.
Il piglio di vicoli statici nel tempo e nello spazio, la cui via a mulattiera simula un’ampia prospettiva distorta, ancorata nel microcosmo impassibile delle sensazioni individualistiche e per questo schermate da filtri rossastri, impone una sorta di lente d’ingrandimento direzionata sulla propria anima, dove la passione del rosso diviene il motivo conduttore della puro visibilità senza vincoli specultivi.
Un’anima che parla nei ritratti che avanzano sulla superficie, di tre quarti, di tizianesca memoria, atti a raschiare un’identità in cerca di memoria, la stessa che dialoga con un futuro tutto da costruire e un passato corpulento ormai consapevole. È lo sguardo dell’eterno confronto, il medesimo che si legge nell’Autoritratto di De Chirico. Qui l’erma di profilo ricalca la storia dell’uomo, dove quei volti schermati dalla Falco rammentano la caducità della vita e il temperamento di un tempo che nel suo dinamismo rimanda al costante equilibrio fra vissuto e sentimento!

FEDERICO ERRA

2007-07-09T07:16:00.000Z

Comincio questa settimana a introdurre un tema di cui, su questo spazio, non si è ancora parlato. Dopo molta pittura, qualcosa di scultura e, ahimè, pochissima grafica, credo sia arrivato il momento di dedicare spazio alla fotografia e, in particolare, alla giovane fotografia, nella convinzione che questa abbia tutto il diritto di essere considerata in parallelo alle altre espressioni visive e non come territorio chiuso e a sè stante.
Questa settimana inizio con Federico Erra, un giovane che ha iniziato in tempi recenti questa pratica ma che presenta già una maturità di ricerca e, soprattutto, una marca espressiva molto personale, inquieta e drammatica, non compiaciuta e tutta riflessa in un continuo scandaglio di sè e del proprio turbamento.
Anche per questa ragione lascio che sia ora lui, in prima persona, a presentarsi, se non addirittura a "confessarsi"

Credo che "l'immagine" abbia un potere immenso nella mente dell'uomo.
Ogni cosa parte da un dettaglio,da un colore,da un'ombra.
Il mondo in sè è non è altro che una grande immagine.

Mi chiamo Federico Erra,ho 26 anni e vivo a Viareggio.
La mia infanzia è stata molto particolare,all'età di tredici anni sono scappato da scuola perchè odiavo tutti i miei compagni di classe,ma non perchè fossi il classico "incompreso" della situazione,anzi,ero fin troppo compreso.
La mia sessualità,seppur a quell'età non era ancora emersa del tutto,è
sempre stata un problema per gli altri ma mai per me. Finite le scuole medie mi sono chiuso totalmente in me stesso e ho cominciato a vivere e vedere in modo differente tutto. Un cartone animato per me non era solo un semplice passatempo ma un viaggio dove maturare l'inconcretezza. Tutt'ora è ancora così.

Ho iniziato a scattare fotografie sette mesi fa,essendo io uno spirito inquieto mi serviva qualcosa che "estrapolasse" in qualche modo una parte della mia vita.Fin da quando ero piccolo mi sono sempre interessato all'arte figurativa,passando dalla moda al cinema e poi all'illustrazione/ fumetti;ma è con la fotografia che ho trovato quell'inafferrabile spirito artistico che ti fa smettere perfino di respirare.

Quando fotografo ho come l'impressione di trovarmi sopra un palazzo altissimo e di vedere tutta la mia vita in miniatura,spesso mi spavento, ma è prorpio quando capita questo che riesco a creare quello che mi piace.
Ma sono sicuro che la mia vita debba ancora cominciare veramente,ho sognato più volte l'inizio e non vedo l'ora avvenga.
Fra i miei fotografi preferiti c'è senza dubbio Diane Arbus,amo tutto di lei,ma soprattutto amo la sua inconsapevolezza.

PIETROGRANDE LORENZO

2007-06-22T08:34:00.000Z

Villa Reale
2007
Acrilico su tela, cm 100x100

Anno di donazione: 2007
Mostre: Milano 2007

Bibliografia: inedito

Il dipinto nasce all’interno di una serie di quattro tele dedicate a Milano, tutte dello stesso formato, che dovevano essere esposte in una collettiva presso l’Istituto di cultura italiana di Monaco di Baviera nell’autunno 2007. Nel frattempo, mentre l’opera, la sola già realizzata, è esposta anticipatamente alla Fondazione Radice nel marzo 2007, il progetto di mostra in Germania naufraga, per cui il dipinto, che doveva essere pubblicato nel catalogo di quella manifestazione, rimane inedito.
Visto leggermente dall’alto, il prospetto della villa progettato da Pollack (quello che affaccia sul parco) si staglia sullo sfondo, lasciando spazio ad un ampio prato verde tagliato perpendicolramente da un viale ghiaioso grigio. In primo piano, in basso a destra, due piccole papere, una bianca e una nera, si lasciano andare a garbate effusioni.
Pietrogrande ha operato una forte sintesi pittorica, lavorando su una preparazione di fondo insolitamente grigia che conferisce al dipinto una intonazione uniformemente fredda al dipinto. È questo grigio, infatti, che dà il colore al sentiero in primo piano, oltre ad essere il tono base di tutta l’architettura, su cui poi è intervenuto con poche velature di grigio per i contorni, di bianco per le alte luci e di blu per le ombre. Non è difficile, infatti, leggere dalla tela le fasi del lavoro. Sulla base di grigio la composizione è stata tratteggiata a carboncino, il cui segno è ancora evidente nel verde degli alberi sul fondo; subito dopo è stato definito il rapporto di masse chiaroscurali dell’architettura e solo in un secondo momento Pietrogrande ha campito a pennellate larghe di colore diluitissimo il verde del prato e degli alberi e il blu del cielo (un oltremare ribassato di tono con il bianco). L’alone grigio intorno alle statue di coronamento della villa indica che l’architettura è stata dipinta prima del cielo. Soltanto sul profilo del palazzo una linea di nero rinforzata da una di arancione sono un intervento successivo che serve a staccare la massa architettonica dal fondo.
La scelta di questo soggetto come vista emblematica della città di Milano è indicativa del programmatico ritorno al paesaggio operato da Pietrogrande come volontà di sfuggire dalla metropoli. Il Parco di Villa Reale, dove l’artista mi scrive di aver trascorso molte ore della sua infanzia (lettera del 16 marzo 2007), è infatti un piccolo spazio di raccoglimento bucolico avulso dalla frenesia milanese. Anche ritraendo uno scorcio della città, dunque, Pietrogrande riesce a svincolarsi dall’iconografia tipica di Milano come metropoli dalla forte concentrazione urbanistica. Allo stesso tempo, però, non opera una scelta di stampo pittoresco, da cui lo salva il colore smagrito, che arriva quasi ad un dilavamento del quadro stesso. Oltretutto, in tralice riaffiora la vena ironica tipica della pittura di Pietrogrande, in quanto, ricorda l’artista nella stessa lettera citata poco sopra, in questo luogo “[…]fino ad alcuni anni fa si celebravano i matrimoni civili (la presenza delle 2 papere in primo piano...)”.

Lorenzo Pietrogrande.
Nato a Venezia nel 1961, si diploma all’Accademia di Brera a Milano. Insegna Discipline Pittoriche presso il Liceo Artistico “Lucio Fontana” di Arese. Vive e lavora a Milano.
Come socio fondatore dell’Associazione Culturale Renzo Cortina ha partecipato a numerose rassegne in Italia e all’estero. Ha tenuto mostre personali alla Galleria Bellinzona di Lecco, alla Galleria d’Arte Contemporanea Cascina Roma di S. Donato, a Palazzo Martini a Cremona, alla Galleria Cortina di Milano. Da segnalare le collettive presso la Galleria Ponte Rosso, il Palazzo delle Stelline (Milano), il Museo d’arte Moderna e Contemporanea di Gazoldo degli Ippoliti, la Cascina grande di Rozzano. Nel 2006 ha preso parte alla mostra “Generazione anni ’60 – Arte contemporanea in Lombardia”. Sue opere sono visibili sul sito: www.lorenzopietrogrande.it.

MOTTA MARCELLO

2007-06-16T07:19:00.000Z

Ộ mon Dieu!
2005
Olio su tavola, formato cm

Anno di donazione: 2006
Mostre: Milano 2006

Bibliografia: inedito

Il dipinto viene esposto alla mostra Got a lot o’ livin to do. Dizionario d’amore della pittura, a cura di Giovanni Cerri dal 6 al 21 dicembre 2006 presso la Fondazione Radice. “La mostra” avvisa Cerri introducendo la mostra “presenta una selezione di opere recenti dell’artista, che da alcuni anni si orienta verso una figurazione molto libera, quasi al confine con il linguaggio informale, dove però emergono e affiorano richiami simbolici, allusioni e frammenti di citazioni, reminescenze letterarie, “omaggi” ai grandi maestri del passato. Caratterizzata da una tonalità rossa dominante, la sua pittura evoca esperienze espressioniste e surrealiste, ed è quindi una dichiarazione esplicita verso il mezzo antico del dipingere, che via via assume declinazioni dai toni più accesi e palesemente figurativi, oppure si sintonizza verso l’espressione di emozioni più segrete e sottintese.”
Una prima versione su carta era già stata pubblicata nel 2006 con il titolo di Leone mistico sul sito di informazione artistica e turismo culturale “Art dream guide” all’interno di un breve medaglione biografico dedicato all’artista, di cui il dipinto era chiamato a rappresentare in forma emblematica il lavoro (http://www.artdreamguide.com/popandstars/_motta/arti.htm).
Dal fondo rosso scuro affiora la testa di un leone, davanti al quale si apre un semi-arco a tratti reso incandescente da fugaci lumeggiature. Nel resto del dipinto non si trovano elementi riconoscibili, se non dei profili floreali gallegianti in maniera decorativa. La pittura, però, non si accontenta dei limiti della tavola e sfora sulla cornice, proseguendo motivi già sviluppati nel dipinto, in particolare delle righe perpendicolari sulla mezzeria di ogni lato.
L’artista aveva inoltre previsto una piccola tela applicata sopra al dipinto, subito sotto la testa del leone, ma attualmente questa piccola tela ha preso una via separata dall’opera per cui è stata creata, di cui resta traccia solo nel piccolo gancio applicato alla tavola.
Motta ha costruito una rappresentazione onirica, compositivamente paratattica, in cui gli elementi fluttuano su un fondo indefinito fatto di campiture modulate fra il rosso e il mattone con passaggi per l’amaranto: accordi cromatici, questi, che conferiscono un’atmosfera edonistica alla rappresentazione. Va letta in questo senso, a mio avviso, la nebulosa definizione degli oggetti compositivi e la mescolanza di elementi grafici e brani descritti a chiaroscuro: la testa del leone, in particolare, è delineata con poche pennellate tono su tono, sottolineate da un nervoso tratto di gessetto blu sul contorno e da brevi, fulminanti lumeggiature di bianco sul contorno dell’occhio, nella pupilla e sul profilo del naso.

Marcello Motta
Nato a Ginevra nel 1965, diplomato in pittura all’Accademia di Belle Arti di Urbino, successivamente si specializza in disegno monumentale e incisione alla Scuola Nazionale Superiore delle Belle Arti di Parigi. Continua gli studi di Lettere all’Università di Urbino e subito dopo insegna francese a Ginevra. Da qualche anno si è stabilito a Montelabbate (PU), dove vive e lavora. Le sue mostre personali più recenti si sono tenute alla Galleria Fluxia a Chiavari nel 2000, alla Cortina Arte nel 2001, alla Galleria d’Arte Contemporanea Cascina Roma di San Donato Milanese nel 2003. Tra le mostre collettive segnaliamo la sua partecipazione a “Arte per tempi nuovi” alla Galerie Die Ecke di Augsburg (Germania) nel 2003 e “Punti d’incontro” alla Fondazione Metropolitan a Milano nel 2003. Vive e lavora a Montelabbate (PU).

DOLFINI RINALDO. Dipinti per la Fondazione Radice

2007-06-09T09:44:00.000Z

Inizio a pubblicare a rate le schede che sto scrivendo dei dipinti raccolti dalla Fondazione Gianni e Roberto Radice di Milano, con la quale collaboro. Si tratta della catalogazione delle opere che gli artisti hanno donato alla Fondazione, naturalmente una selezione di opere scelte.

Il Giardino del mistero2006
Olio su tela, 150x100 cm

Anno di donazione: 2006
Mostre: Revere (MN) 2006, Milano 2006

Bibliografia: Le primavere di Venere, catalogo della mostra (Mantova, Palazzo Ducale, 22 aprile-27 maggio 2006), Revere, 2006

La tela fa parte della serie Le primavere di Venere dipinta dall’artista nel 2006, ed è stato esposto dapprima al Palazzo Ducale di Revere (22 aprile-27 maggio 2006), poi alla Fondazione Gianni e Roberto Radice pochi mesi più tardi.
Dolfini ha immaginato un’attualizzazione del mito platonico della bellezza, incarnato dalla pittura di Botticelli, chiedendosi in che luoghi, oggi, sia possibile ritrovarla. Per questa ragione la sua Venere, che ha i lineamenti struggenti della biondissima Ludmilla Radcenko, va in discoteca: luoghi nuovi immersi in un caos ignoto alla nostra idea di Umanesimo; è lei la Venere dell’Amor Sacro, dalla bellezza impalpabile e trasfigurante, che sta sotto i riflettori. Anche altre figure del mito e della religione, però, si accavallano nel suo laicissimo racconto per immagini ed altre donne stanno lì pronte ad incarnare questi modelli: sono donne in carne ed ossa che impersonano l’Angelo annunciante, la Vergine Maria, la Venere dell’Amor Profano. Il Giardino del mistero, che in catalogo chiude questo percorso, trova una bella traduzione verbale nel testo di Giovanni Cerri che accompagna la mostra, in cui, parlando in prima persona in vece dell’artista, scrive: “Il Botticelli era il maestro che mi seduceva per la sua continua tensione verso quel mistero sacro e profano; la sua donna era prima ninfa, poi dea, santa, madonna, ma sempre con le stesse sembianze. Ludmilla, la dea della TV, era diventata la mia Venere dell’amor sacro, irraggiungibile ma reale; la ricerca poi era proseguita con altre “apparizioni”. Come Eleonora, profana immagine di una Venere partoriente. O Kitty, allusione a una Venere – Madonna, mito dell’amore puro ed eterno. E poi Elena, ambiguo angelo dell’Annunciazione che prelude a un prossimo bacio di tradimento. E Greta, nuovo volto misterioso che mi aveva catturato; giovane personaggio oltre il tempo che abitava la dimora del lago, spirito che vedevo passeggiare nel giardino fiorito, leggera presenza che camminava tra i raggi di sole, avvolta dalle aureole che la luce disegnava intorno alla sua snella figura. Anche quel bosco con le alte piante l’avevo già incontrato: nelle tavole di Botticelli che illustravano la novella di Nastagio degli Onesti del Boccaccio, e poi –secoli più tardi- nei quadri di Munch, dove i tronchi diventavano ancora più verticali, essenziali, “gotici” e anche lì inquietanti e spettrali donne vagavano, mi guardavano e interrogavano, ponendomi il quesito del loro mistero. Ed anche in quei paesaggi l’acqua dietro al bosco-giardino, lago o mare che fosse, creava uno specchio dove le mie domande andavano a riflettersi, le mie certezze a infrangersi. La donna nelle sue tre età, la natura madre matrigna, l’acqua-specchio, il liquido amniotico dove interrogarsi…la curiosità è il mistero che si rinnova.”
Su un fondo pesto, di blu e di verdi mischiati col nero, spicca al centro una figura femminile con un vestito da sera rosso fuoco, inscritta in una mandorla di luce irregolare che le fa attorno un’aura gialla. Ha un vestito rosso corto con una fantasia chiara appena accennata, le scarpe aperte col tacco. Sopra di lei, poco discosta, una struttura rettangolare che pare un infisso e brilla di una foglia d’oro increspata. Sulla sinistra, finito il fitto della radura, un’apertura di paesaggio spoglia, memore di certi fiordi di Munch, con una figura poggiata ad un parapetto: è un comprimario della composizione, quasi trasparente, disegnata a solo contorno, questa figura pare scomparire nello sfondo, se non per qualche traccia di colore. L’effetto è come di una fotografia scattata con una lunga esposizione durante la quale il soggetto si è spostato e se ne è andata via o, ancor meglio, di più esposizioni sulla stessa pellicola.
Dolfini imposta il suo dipinto secondo la paratassi di una costruzione allegorica e non dimentica i modi compositivi dei grandi racconti figurati dell’ultimo Guttuso. È l’accostamento di oggetti a creare mistero per una apparente casualità. Al tempo stesso, però, Dolfini lavora con una maniera larga, espressionista, delineando le forme con una spessa pennellata continua di contorno. Certe volute sgrammaticature, come nel volto e nel corpo della donna, fanno inoltre pensare ad una eco della Pop Art inglese.

Rinaldo Dolfini
Milanese di nascita, professore associato di Fisica all’Università di Pavia dal 1983. ha iniziato la sua carriera accademica e la sua attività di ricerca nel 1973. Da sempre appassionato d’arte, sin da giovane studia arte, frequentando lo studio dello scultore Gabrielli a Milano dal 1952 al 1956. Prosegue poi nella produzione artistica senza interruzioni sino al 1968, anno in cui consegue la laurea in Fisica all’Università di Milano. Durante questo periodo ha frequentato, anche se marginalmente, l’ambiente artistico milanese (Fontana, Sassu, Crippa, Quasimodo…), che tutte le estati gravitava in Albisola Marina. Da allora, pur dedicando la maggior parte del suo tempo alla ricerca nella fisica subnucleare, non ha mai interrotto l’attività pittorica, senza esporre fino al 2005 con la mostra personale all’Associazione Culturale Renzo Cortina a Milano e la partecipazione alla mostra “Pop & Stars” sul sito internet www.artedreamguide.com.

LUCA PIETRO NICOLETTI

2007-06-06T16:23:00.007Z

Storico dell’arte, nato il 4 febbraio 1984, ha studiato con Giovanni Agosti, Paolo Rusconi, Silvia Bignami e Antonello Negri presso l’Università degli Studi di Milano, sta svolgendo un dottorato di ricerca. Collabora con l’Archivio dell’Arte Metafisica di Milano, con la cattedra di storia dell’arte contemporanea dell’Università degli Studi di Milano e con la Fondazione Alessandro Passarè di Milano.
Nel 2006-2007 ha contribuito alla stesura del catalogo Altri quaranta dipinti antichi della collezione Alberto Saibene a cura di Giovanni Agosti.
Ha scritto di pittura dal Tre al Cinquecento nell’Italia centrale, e di pittura, scultura e grafica del secondo Novecento nell’Italia Settentrionale, con un particolare interesse per la produzione artistica della cosiddetta “generazione di mezzo”.
Da diversi anni si occupa dell’opera dell’editore, scrittore e critico d’arte Gualtieri di San Lazzaro, su cui sta scrivendo un libro, e di cui sta curando la riedizione del romanzo “Parigi era viva” (Firenze, Mauro Pagliai, 2011).
Principali pubblicazioni: Maria Papa. Un percorso europeo (Milano-Parigi, 2009).
Ha curato mostre per gallerie private e spazi pubblici, fra cui: Giancarlo Ossola (Milano, Spazio Tadini, 2010) Dino Villani, l’opera xilografica (Milano, Fondazione Corrente, febbraio 2010); Giancarlo Cerri. Dalla figurazione all’astrazione (San Donato Milanese, Cascina Roma, marzo 2010); Antonio Tonelli (San Donato Milanese, Cascina Roma, ottobre 2011); Il "XXe Siècle" di Gualtieri di San Lazzaro (MIlano, Biblioteca Sormani, 2012, con Luigi Sansone).
Suoi articoli sono comparsi su “Arte incontro in Libreria”, "Titolo", "Milano Arte Expo". Fa parte della redazione della rivista on-lin "Ri-Contemporaneo".

lucapietro.nicoletti@tiscali.it

Pubblicazioni scientifiche: / Scientific publications
• [con Matteo De Donatis], Altri contributi sui taccuini di sir Charles Lock Eastlake (1852-1864). Modena, in “Solchi”, 2006, IX, 1-3, pp. 138-142
• Maestro di Campo di Giove. Cinque storie della vita di Sant’Eustachio, in Altri quaranta dipinti antichi della collezione Saibene, a cura di Giovanni Agosti, Verona, Edizioni Valdonega, 2008, pp. 4-25
• Giovanni Boccati. Crocefissione,Ivi, pp. 60-67.
• Un oggetto Bacon? Promemoria intorno a una mostra milanese, “Scintille Umanistiche”, I, 2008, pp. 49-58.
• Horror Pleni di Claudio Onorato, in Claudio Onorato. Re di carta, a cura di Stefano Cortina, testi di Chiara Carolei e Luca Pietro Nicoletti, Milano, Cortina Arte Edizioni, 2009, pp. 7-12
• Maria Papa. Un destino europeo, a cura di Stefano Cortina, Nicolas e Joelle Rostkowski, con uno scritto di Milena Milani, Milano, Cortina Arte Edizioni, 2009.
• Dino Villani. xilografie del Po, in Dino Villani. l’opera xilografica, a cura di Arianna Sartori, presentazioni di Mariella Milan, Luca Pietro Nicoletti e Maria Gabriella Savoia, Mantova, Centro Studi Arianna Sartori per la grafica, 2010.
• La pittura e le cose, in Giancarlo Ossola, Milano, Spazio Tadini, 2010.
• Difesa della pittura, in Giancarlo Cerri. dalla figurazione all’astrazione, catalogo della mostra (San Donato Milanese, Galleria d’arte Contemporanea Cascina Roma, 20 marzo-2 maggio 2010), Milano, Cortina Arte Edizioni, 2010.
• Sulle tracce della Custodia di Campo di Giove: fortuna critica e di mercato dei frammenti delle storie di Sant'Eustachio, in Da Campo di Giove a Castelvecchio Subequo: nuovi studi sul Trecento in Abruzzo, (titolo provvisorio), a cura di Cristiana Pasqualetti, in corso di stampa.
• Gualtieri di San Lazzaro e Lucio Fontana, da Albisola a Parigi, in Lucio Fontana a Parigi, a cura di Silvia Bignami e Jacopo Galimberti, in corso di stampa.
• Dimitri Plescan e il disegno, “Grafica d’arte”, n. 84, 2010, pp.32-35.
• Dimitri Plescan e Vanni Scheiwiller, “L’uomo nero”, n. 7, in corso di stampa.
• La ricezione critica di De Chirico tra il 1918 e il 1922, in Milano e Firenze 1909-1911 e 1919-1922. Origini e sviluppi dell’arte metafisica, atti del convegno di studi (Milano, Università degli Studi, 28-29 ottobre 2010), in corso di stampa.

Scritti per cataloghi di mostre e presentazioni di artisti: Documents for exibition catalogues and artist introductions

2005
• Il percorso di Gabriele Poli, in Cinzia Bollino Bossi, Luca Pietro Nicoletti, Alberto Veca, Gabriele Poli. Tappe per un indagine, Cortina edizioni, Milano 2005, pp. .8-12

2006
• Il senso della memoria, in Ri-esistenze, catalogo della mostra (San Donato Milanese, Cascina Roma, 11 marzo-1 maggio 2006), a cura di Giovanni Cerri, Treviso, Nicolodi editore, pp. 81-88
• Una parola è bella anche da vedere [Luigi Giurdanella], in “Argo 42”, n. 5, febbraio 2006, pp. 22-23
• Caterina Parisi Mehr, Sine Nomine. Aspettando l’eterno ritorno, a cura di Luca Pietro Nicoletti, Milano, Poeti dell’Ariete 2006

2007
• Strettamente personale, in Lorenzo Pietrogrande. Strettamente personale, catalogo della mostra (Milano, Fondazione Gianni e Roberto Radice, 1-24 marzo 2007) a cura di Luca Pietro Nicoletti, Milano 2007, s.p.
• Lorenzo Manenti. Le rovine di Baghdad, in Lorenzo Manenti. Irakena, catalogo della mostra (Milano, Fondazione Gianni e Roberto Radice, 13 aprile-5 maggio 2007) a cura di Luca Pietro Nicoletti, Milano 2007, s.p.
• Reportage dal diluvio, in Giovanni Cerri. EmmHaus, catalogo della mostra (Milano, Galleria Eclettica, 6 ottobre- 9 novembre 2007), Milano 2007, s.p.
• Informale, nucleare. Intorno alla pittura di Gorsenio, in Giancarlo Gorsenio. Informale, nucleare, catalogo della mostra (Milano, Fondazione Gianni e Roberto Radice, 13 ottobre-3 novembre 2007) a cura di Luca Pietro Nicoletti, Milano 2007, s.p.
• Cromosoma astratto. Appunti sul percorso di Francesca Magro, in Francesca Magro. Cromosoma astratto, catalogo della mostra (Milano, Fondazione Gianni e Roberto Radice, 30 novembre-21 dicembre 2007) a cura di Luca Pietro Nicoletti, Milano 2007, s.p.

2008
• Milano in venti metri quadri: ragioni di una mostra, in Milano in venti metri quadri, catalogo mostra (Rho, Officina dell’arte, gennaio-giugno 2008), a cura di Luca Pietro Nicoletti, Milano 2008, s.p.
• Dialogando con Giancarlo [Cerri], in I Cerri, Giancarlo e Giovanni. La pittura di generazione in generazione, catalogo della mostra (Milano, Museo della Permanente, 24 gennaio - 10 febbraio 2008), Milano, Museo della Permanente 2008, pp. 85-90.
• Dialogando con Giovanni [Cerri], Ivi , pp. 93-98.
• Territori della materia. Digressioni e spigolature, in Gabriele Poli. Territori della materia, catalogo della mostra (Milano, Galleria Eclettica, 28 febbraio-28 marzo 2008), a cura di Luca Pietro Nicoletti, Milano 2008, s.p.
• Novella Bellora. Carta e smalto, in Novella Bellora. Carta e smalto, catalogo della mostra (Milano, Associazione Culturale Renzo Cortina, 1-12 aprile 2008), testi in catalogo di Luca Pietro Nicoletti, Francesca Pensa, Ulrico S. Montefiore, Milano 2008, s.p.
• Paola Failla in Paola Failla. Lasciare il segno catalogo della mostra (Milano, Fondazione Gianni e Roberto Radice, 10 aprile-3 maggio 2008) a cura di Luca Pietro Nicoletti, Milano 2007, s.p.
• Fuga nel paesaggio. Intorno alla pittura di Sergio Bavagnoli, in Sergio Bavagnoli. Realtà per un sogno, catalogo della mostra (Milano, Spazio Fondazione Maimeri, 7-14 maggio 2008), Milano 2008, s.p.
• Gianni Radice e Ettore Calvelli nel segno della scultura, in Gianni Radice, Ettore Calvelli. Medaglie e formelle, catalogo della mostra (Macugnaga, Fondazione Gianni e Roberto Radice, 26 luglio-31 agosto; Milano, Fondazione Gianni e Roberto Radice, 9-30 ottobre 2008) a cura di Luca Pietro Nicoletti, Milano 2008, s.p.
• Caterina Parisi Mehr, Poesie e altri scritti, a cura di Luca Pietro Nicoletti e Luigi Giurdanella, Milano, I Poeti dell’Ariete, 2008
• Lucilla Restelli. Raku, smalto e bitume nel segno della ‘madre terra’, in Lucilla Restelli. Madre terra, catalogo della mostra (Milano, Fondazione Gianni e Roberto Radice, 11 settembre-4 ottobre 2008) a cura di Luca Pietro Nicoletti, Milano 2008, s.p.

2009
• Giovanni Blandino, in Giovanni Blandino. Respiro cartolina-invito mostra (Rho, Officina dell’arte, 17-31 gennaio 2009).
• La pittura “gremita” di Riccardo Dametti, in Riccardo Dametti 09. Mostra personale, catalogo della mostra (Milano, AB-Arte Bastia, 3-14 febbraio 2009), Milano 2009.
• Lorenzo Manenti, in Lorenzo Manenti. Saccheggio in Mesopotamia cartolina-invito mostra (Rho, Officina dell’arte, 7-21 febbraio 2009), Rho, 2009.
• Gabriele Poli d’apres Gericault, in Gabriele Poli. La medusa delle periferie, catalogo della mostra (Milano, Spazio Tadini, 5-27 marzo 2009), testi di Luca Pietro Nicoletti e Giulio Dotto, Milano 2009.
• Bruno Polver, in Bruno Polver. Il colore del grigio cartolina-invito mostra (Rho, Officina dell’arte, 14 marzo-8 aprile 2009) , Rho, 2009.
• Maria la polacca, in Omaggio a Maria Papa, catalogo della mostra (Pietrasanta, Centro Culturale “Luigi Russo”, Sala delle Grasce, 29 marzo-13 aprile 2009), Pietrasanta 2009, s.p.
• Per una storia della Permanente, fra cinquant’anni, in Pittori della Permanente di Milano. 34 artisti, catalogo della mostra (Garbagnate Milanese, Corte Valenti, 18 aprile-10 maggio 2009), Garbagnate Milanese 2009, pp. 13-15
• Francesca Magro. Da un mondo lontano e nascente, in Francesca Magro. “Anatomia di una formica o di un filo d’erba”, catalogo della mostra (Milano, Spazio Tadini, 7-30 maggio 2009), testi di Luca Pietro Nicoletti e Alberto Veca, Milano 2009.
• Ada Marchetti, in Ada Marchetti. Composizioni, cartolina-invito mostra (Rho, Officina dell’arte, 9-27 maggio 2009). Rho, 2009.
• Lorenzo Manenti. Iraq perduto, in Mesopotamia perduta. Suggestioni pittoriche. Lorenzo Manenti pieghevole di presentazione mostra (Bergamo, Civico Museo Archeologico, 5 luglio-21 settembre 2009).
• Giovanni delle periferie, in Giovanni Cerri. Archeologie du present (Paris, Orenda Art International, 25 settembre-24 ottobre 2009), Paris-Milano, 2009, pp. 11-15 (trad. francese pp. 5-9).
• L’eleganza dell’oro, in Lucilla Restelli. Segmentazioni, cartolina-invito mostra (Rho, Officina dell’arte, 3-15 ottobre 2009). Rho, 2009.
• Maria la polacca, in Maria Papa, catalogo della mostra (Milano, Spazio Tadini, 9 ottobre-5 novembre 2009), testi di Luca Pietro Nicoletti, Joelle e Nicolas Rostkowski, Milano 2009.
• Anne de Kervasdoué. Diari di viaggio. Solitudini, in Anne de Kervasdoué. Solitudini/Solitudes, catalogo della mostra (Milano, Spazio Tadini, 9 ottobre-5 novembre 2009), testi di Luca Pietro Nicoletti, Milano 2009.
• Edilou Rostkowski, in Edith-Laure Rostkowski. Parures de coeur catalogo della mostra (Milano, Spazio Tadini, 9 ottobre-5 novembre 2009), testi di Luca Pietro Nicoletti, Isabelle Risle e Henryka Milczanowska, Milano 2009.
• Giorgio Scaini, in Giorgio Scaini. Emozione onirica, cartolina-invito mostra (Rho, Officina dell’arte, 17-31 ottobre 2009). Rho, 2009.
• Riccardo Dametti. Appunti di lettura, in Riccardo Dametti. “Urban faces”, catalogo della mostra (Milano, Galleria “Gli eroici furori”, 24 novembre-15 dicembre 2009) a cura di Luca Pietro Nicoletti, testi di Silvia Agliotti, Luca Pietro Nicoletti, Veronica Riva, Milano, s.e., 2010.

2010
• Gabriele Poli e i nomi degli angeli, in Gabriele Poli. Agens de Banlieue, catalogo della mostra (Parigi, Orenda art international, 22 gennaio-20 febbraio 2010), testi di Stefano Cortina e Luca Pietro Nicoletti, con una poesia di Oretta Delle Ore, Milano-Parigi, Galleria Cortina-Orenda, 2010.
• Tiepolo a Malpensa. Per Lorenzo Pietrogrande, in Lorenzo Pietrogrande. Strade, catalogo della mostra (Milano, Spazio Tadini, gennaio-febbraio 2010), a cura di Luca Pietro Nicoletti, Milano, Spazio Tadini 2010.
• Per un ritratto di Karel-Zlin pittore, in Karel-Zlin. Allegorie metafisiche, catalogo della mostra (Milano, Galleria Cortina, 9-27 febbraio 2010), a cura di Stefano Cortina e Luca Pietro Nicoletti, testi di Luca Pietro Nicoletti e Joelle Rostkowski, Milano, Cortina Arte Edizioni, 2010.

PLEVANO ROBERTO a Buccinasco

2007-05-24T20:30:00.001Z

FOSSATI GIUSEPPE

2007-05-17T17:51:00.001Z

Giuseppe Fossati è nato a Novara nel 1942. Da sempre interessato all’arte e in particolare alla pittura, inizia a dipingere nel 1989 sotto la guida di M. Stojanoff, frequentando anche la scuola di incisione e disegno del Comune di Milano. Tra le sue mostre citiamo una collettiva al Circolo Culturale B. Brecht di Milano nel 2003, “Arteallaria” in Piazza dei Mercanti e una mostra personale alla Cortina Arte a Milano nel 2004, “Dal luogo al simbolo” alla Galleria Sartori di Mantova nel 2005, “L’anima delle cose” alla Cortina Arte a Milano nel 2006.
Vive e lavora a Segrate (MI).

Terre arate e rami di alberi contorti, orizzonti di campagne coltivate e cieli che si stagliano luminosi, pianure e colline padane dove i semi “lavorano” per quello che diverrà il pane quotidiano; sì, perché – oltre al simulacro della croce, evidente nella forma, in alcuni lavori recenti – la pittura di Fossati, volenti o nolenti, laici o credenti che siamo, conduce alla riflessione religiosa. Religioso è il suo modo di lavorare, operoso nel portare a termine l’opera, intesa come quadro ma anche come missione, se intendiamo missione anche l’arte e la pittura come stimolo a comunicare, a “dare” al prossimo.
Nel silenzio di un piccolo quartiere residenziale di casette e strette viuzze, nella quiete di un borgo posto fuori città, “sospeso” tra zona periferica e hinterland, Giuseppe lavora lontano dagli interessi di gallerie e sistemi dell’arte; egli labora per sé e per dare agli altri una sua immagine del mondo a lui più caro, quello della nuda terra, delle stagioni, del tempo che passa e trasforma le cose, dando concretezza a un vissuto di esistenza. Giorno per giorno, seguendo un suo personale cammino, il nostro si confronta con la difficile materia della pittura, stesa con generosità di spessori sulla tela che diventa sempre più greve, corposa, “solida”. Fossati procede per accumulo di materia pittorica e al contempo sottrazione di realtà oggettiva; il paesaggio naturale è il punto di partenza, il quadro è il punto d’arrivo. I suoi luoghi nascono attraverso sedimentazioni di colore; le terre ombrose e profondamente lombarde, gli alberi piegati, o solcati da una segnicità che scava e incide, le campagne seminate come simbolo di nuova vita che sorge e le croci a ricordare il sacrificio e il venire, un giorno, della morte. E poi il tema dell’ulivo – che qui si fa personaggio, umanizzandosi nelle torsioni dei rami – ritorna come sofferto simbolo di un nostro getsemani; un albero della pace continuamente tradito dalla bramosia di potere e conquista dell’uomo, offeso da quella voglia mai sopita di sopraffazione che inevitabilmente conduce all’odio e alle guerre che piegano e piagano il mondo. E non è un caso che Giuseppe ami tanto il bianco e il nero, questi due difficili colori, e sottolineo colori, in quanto arricchiti di sfumature, luminosità, gradazioni, declinazioni che sono trattate con la sensibilità tipica del vero pittore.
E poi, a “costruire” il paesaggio – o meglio, l’immagine che Fossati ha di esso - intervengono i grigi, i verdi, i gialli improvvisi di un campo fiorito, gli azzurri molto chiari di luci mattutine, le terre di Siena o le brune tonalità che si mescolano con le lacche d’alzarina e di garanza, con gli stessi neri che così acquisiscono forza e viva cromia. La luminosità dell’estate, il risveglio della natura primavera, il lento imbrunire dell’autunno, l’austerità dell’inverno; lo scorrere dei giorni diventa metafora della vita, lo stratificarsi della pittura diviene aggiunta di significato esistenziale.

Giovanni Cerri

GIURDANELLA LUIGI

2007-05-11T11:56:00.001Z

“Una parola è bella da vedere” è un motto che Luigi Giurdanella, poeta e artista siciliano trapiantato a Milano ormai da quarant’anni, ha caro da molto tempo, e che è in qualche modo l’insegna della sua ricerca intorno alla parola e al concetto di alfabeto come forma, oltre che come veicolo di significato. Giurdanella ha infatti dedicato buona parte della sua ricerca visiva a porre l’accento sulla valenza estetica del carattere tipografico, nella ferma convinzione che anche gli strumenti del quotidiano moderno possono farsi arte, farsi poesia (tenendo presente, come l’artista ha sempre affermato, che la poesia è prima di tutto “un atteggiamento nei confronti della vita”). Per queste ragioni, il mezzo principe di questa indagine è uno degli strumenti più comuni nel quotidiano, specie nel mondo impiegatizio: la fotocopiatrice. Sì, Giurdanella ci dimostra che anche uno strumento dedicato alla riproduzione meccanica può diventare creativo: la cosa importante è riuscire a sfruttare in maniera intelligente le peculiarità del mezzo per ottenere da questo la massima resa, svicolando da quelli che potrebbero sembrare i limiti tecnici invalicabili del mezzo.
Ne derivano quindi delle immagini forzatamente al tratto, composite, ottenute attraverso un montaggio di immagini abbastanza vicino a quell’atteggiamento operativo progettuale che è proprio del fotocollage. In un primo tempo l’artista seleziona dei caratteri, delle parole, delle sequenze di lettere, e su queste interviene ingrandendo, rimpiccolendo, tagliando, accostando parti di testo diverso secondo una logica sia concettuale che visiva, e fissando questo collage con un ultimo passaggio di fotocopiatrice. È una tecnica di montaggio delle immagini tutt’altro che banale, che richiede un continuo controllo della composizione, oltre ad una precisa sequenzialità delle operazioni. Il risultato, quindi, è certamente il frutto di un montaggio di immagini che si muove pericolosamente sulla soglia fra poesia e immagine. Sono parole in qualche modo “ribelli”, le sue, che non sopportano la costrizione della sequenzialità, dell’essere messe una in fila all’altra a creare una parola di senso compiuto. Spesso non sopportano nemmeno i limiti imposti dal foglio che le ospita, e sfuggono oltre i margini, creano una continuità al di fuori dei margini, della cornice della rappresentazione, rivendicando il diritto di costituire nuove associazioni di senso all’insegna del valore estetico dei segni comunicativi.
Ma c’è anche un altro aspetto di natura ideologico insito in questa pratica che merita attenzione. Nel loro stesso atto di nascita, infatti, queste opere hanno già implicita la possibilità di una riproduzione praticamente infinita. Si potrebbe obiettare che anche le tecniche dell’incisione consentono la moltiplicazione di opere d’arte originali, ma in quel caso sono ragione materiali a porre dei limiti: l’incisione non può essere riprodotta oltre i limiti di usura della lastra, e in ogni caso ogni riproduzione possiede dei caratteri di unicità legati alla continua variante costituita dall’intervento artigianale nel processo di stampa. Nel caso della copy-art, e dei lavori di Giurdanella in particolare, ogni foglio uscito dalla fotocopiatrice è potenzialmente matrice per altre riproduzioni, consentendo dei modi di diffusione che mettono in crisi il concetto di originale e di copia. Se questo da una parte distrugge la cosiddetta “aura” dell’opera d’arte, dall’altra mette in parte in crisi il concetto di riproducibilità tecnica dell’opera d’arte propugnato da Benjamin, giacché viene qui dimostrato che anche un mezzo preposto proprio alla riproducibilità tecnica consente degli usi creativi. Al tempo stesso, però, per fare il passo verso questo nuovo concetto di opera d’arte “originale”, e ai modi di fruizione che questo comporta, è necessario un salto nei modi di costruire le immagini, seguendo quel filone che dal collage in avanti è stato seguito per tutto il corso del Novecento.
Luca Nicoletti

ZUCCONI CHRISTIAN

2007-04-21T21:45:00.001Z

Questo post è per segnalare la recente installazione di un nuovo monumento in piazz San Magno Legnano. Ne è autore il giovane scultore Christian Zucconi (Piacenza 1978), le cui opere si possono vedere ora alla pinacoteca del Castello di Legnano e, fino a luglio, presso la Compagnia del Disegno (via santa Maria Valle) a Milano.
Per saperne di più su questo artista, sul quale ci proponiamo di ritornare) si rimanda al sito internet indicato nell'elenco permanente a lato.

MANENTI LORENZO

2007-04-13T10:15:00.001Z

LORENZO MANENTI

Irakena

A cura di Luca Nicoletti

Dal 19 aprile al 5 maggio 2007

Catalogo in galleria – testo di Luca Nicoletti

Inaugurazione : giovedì 19 aprile ore 18,30

Si inaugura giovedì 19 aprile alle ore 18,00 presso la Fondazione Gianni e Roberto Radice – Via P. Mola, 39 – Milano, la mostra personale di Lorenzo Manenti, dal titolo “Irakena”, a cura di Luca Nicoletti.

Lorenzo Manenti.
Dopo aver frequentato il Liceo Artistico Statale di Bergamo, si diploma nel 2002 all'Accademia di Belle Arti di Brera a Milano.
Vive a Ghisalba in provincia di Bergamo.

La mostra presenta una selezione di lavori di grandi dimensioni dedicati all’archeologia mesopotamica nuovamente minacciata dai recenti eventi bellici in Iraq. La notizia delle devastazioni nel museo di Baghdad ha spinto Manenti ad approfondire la conoscenza delle diverse civiltà susseguitesi nella ‘terra tra i due fiumi’ e a realizzare un ciclo di grandi tavole in cui frammenti di archeologia, portati a dimensioni monumentali, ci osservano incessantemente interrogandoci sul loro destino. Dopo una serie dedicata allo scavo delle proprie origini nella ritrattistica etrusca e romana, l’artista ha cercato gli uomini dell’antico Iraq attraverso le vestigia archeologiche, terribilmente umanizzate, del loro passato.

Orari:
Da martedì a sabato h. 15,30 – 19.30

Fondazione Gianni e Roberto Radice
Via P. Mola, 39 – Milano 20151
Tel. 02-325929 347/ 1230644 email. fondazione.radice@alice.it

FALCO MARINA

2007-04-08T15:27:00.000Z

Marina Falco, Evanescenze, 2006
olio su tela, cm 70x70

MARINA FALCO

Ultime scaglie di cromie sedimentate

Dal 16 aprile al 5 maggio 2007

Inaugurazione : lunedì 16 aprile ore 18.30

A cura di Antonio D’Amico

Associazione Culturale Renzo Cortina
Via Mac Mahon 14/7 – Milano 20155
Tel/Fax.. 02-33607236 artecortina@artecortina.it

Orari: 10.00-12.30 / 16.30-19.30
Chiuso festivi e lunedì mattina.

auguri pasquali

2007-04-04T04:34:00.000Z

"Volgeranno lo sguardo a colui che hanno trafitto" (Giovanni 19,37)

Anche se con un po' di anticipo, porgo a tutti i miei migliori auguri per la Santa Pasqua
Luca N.

RESTELLI LUCILLA

2007-03-29T21:05:00.001Z

Lucilla Restelli nasce a Rho (MI), dove risiede e lavora.
Ha frequentato corsi di disegno e pittura con qualificati Maestri di rilevanza nazionale
Ha partecipato al corso di pittura per Artefici all'Accademia di Belle Arti di Brera di Milano, completando la sua formazione artistica con corsi di ceramica raku ed incisione con Maestri qualificati.
Dal 1986 partecipa a concorsi di pittura, collezionando numerosi premi e segnalazioni a livello nazionale.
Una sua opera è in permanenza presso il Museo "V Mele" di Santa Maria di Leuca (LE).

IL COLORE E LA MATERIA COME AMORE
Cristina Palmieri

quando mi trovo ad osservare un'ope¬ra d'arte quanto di essa mi sorprende è la suggestione prepotente di felicità
che sa trasfondermi. Una felicità catartica, liberatoria, la medesima che deve aver esperito l'artista allorché - dopo ore di lavoro, mentale e fisico - si trova di fronte al prodigio del lavoro compiuto.
Sono sempre stata persuasa che l'intuizione creatrice non possa che derivare dal ritorno all'essenzialità delle cose, quell'essenzialità che sta alla base di ogni esperienza poetica. E La pittura, come ogni linguaggio, per avere pregnanza lirica, deve farsi linguaggio essenziale.
Ungaretti affermava "... L'opera d'arte arriva all'altezza della poesia quando sembra ch'essa abbia annientato in sè ogni segno di ricordo, ogni traccia di presenza che non sia se stessa ".
il miracolo artistico avviene perciò quando si compie il trasferimento della visione nell'immigrazione, in una sintesi compositiva che sa rinunciare alla con notazione mimetica che per anni ha accompagnato la storia dell'arte, per approdare all'arte immaginativa, quella che racconta l'incontro tra l'uomo, i sobborghi della sua anima e la realtà.
L’artista - giunta a questa pittura (una pittura spontanea, tra l'astratto e l'informale), attraverso un lungo studio, iniziato ormai venticinque anni or sono. L'artista ha indagato a lungo, dietro l'egida di Maestri verso i quali dichiara eterno debito di riconoscenza, le tecniche che le hanno consentito di diventare ¬dopo l'esperienza figurativa - una buona pittrice astratta. Molto spesso, comunemente, si ritiene che l'astrazione possa essere una facile scorciatoia che consente anche all'ine¬sperto la facoltà di potersi esprimere attraverso un linguaggio "giocato" di forme e colori. .
Nulla è più distante dal vero. Gli equilibri dell'opera, la sua compiutezza, in un linguaggio espressivo che sceglie la libertà come codice comunicativo (l'informale, infatti, non è una formula, anzi è - per antonomasia - l'arte senza formule) sono conquista infinitamente più ardua. Non possono che essere raggiunti attraverso un rigore di metodo e di ricerca indomito e mai rassegnato, una profonda capacità di mestiere acquistita "facendo".
Dovrebbe farci riflettere, in tal senso, l'etimo del sostantivo "poesia". Dal greco "poìesìs", la cui radice è proprio quella del verbo "fare". L'artista, come Lucilla Restelli, che sceglie di esprimersi attraverso opere di impianto astratto-informale ha sicuramente conquista la propria saggezza composivita attraverso 'anni di sperimentazione, sul disegno, sulle forme, sulla materia, sul colore, anni di continuo "incontro-scontro" fisico e mentale con gli strumenti di questo misterioso e affascinante mestiere, come un eterno Don Chisciotte, perchè la poesia non è mia evasione, ma impegno, continua e spietata ricerca della propria condizione umana. Il contenuto delle opere sicuramente è l'azione della luce. Una luce che è tutta giocata sull'inserto mistico dell'oro e del bronzo su una superficie matericamente composta, dove la profondità della potenza espressiva nasce dall'incontro del colore con la metaspazialità di sfondi fatti di alchemiche e sapienti miscele di sabbie, terre metalliche, gessi acrilici.
Su queste superfici vibranti di materia, quasi rappresentazione - su un tessuto segnico fatto di stratificazioni graffiate e incise, talvolta maltrattate, altre volte attentamente costruite in perfetta armonia - dell'energia formativa dello spirito, il colore interviene in un accordo dinamico atto a trasformare il caos della materia in un ordine poetico di libera fantasia. La ricerca cromatica, infatti, in tutte queste opere, appare ritmicamente bilanciata.
Le pennellate di colore (spesso rossi, talvolta nuances di viola, altre volte inserti di blu, gialli o verdi) diventano come uno spruzzo, od un nastro a volute, pronto ad affondare in un abisso, ma in realtà creato per sfuggirlo, perchè sono nello spazio senza essere nella profondità. La loro spazialità è, per così dire, nello spessore della superficie, nella trasparenza dello strato. Il contrasto dialettica si gioca allora proprio all'interno di questa antitesi fra materia, brulicante e magmatica, e colore. Un colore utilizzato secondo una saggezza quasi decorativa, come richiamo all'ordine, alla razionalità, alla fuga dalla vertigine dell'istintoprimordiale dello spirito, quasi che Lucilla, all'improvviso, si costringesse a calarsi nella materia con la coscienza desta, e si imponesse di incanalare il furore creativo come a voler dimostrare che all'“informe” si giunge non senza coscienza del "come" del "perché".
Ma non esiste contraddizione, perché non esiste la materia, ma esistono tante, infinite materie, che si conoscono in quel punto, in quello spazio dove l'artista ha la capacità di rivelarle, di sottrarle alle tenebre e farle vivere permeandole di luce, offrendole alla percezione come un segno dialettico che racconta, allegoricamente, un ordine faticosamente indagato e mai abdicato.
L'ordine di questi ori, di questo tessuto cromatico mai casuale, che diventa forme, graffiti, segni simbolici, colature che dominano la spazialità enucleandola in una verticalità diretta ora verso l'alto ora verso il basso, ora diagonalmente espressa, ha infatti precise destinazioni semantiche. All'interno, e al di là, dei veri e propri effetti pittorici ad esso sottesi, contribuisce alla creazione di un'euritrnia che non é solo simbolica, ma rappresentativa, in ragione ed in rispetto dei valori formali e strutturali che l'opera d'arte ricerca nell'armonica unità e coerenza del proprio linguaggio.
I quadri di Lucilla Restelli sono oggettivamente belli, d'una bellezza piena e spiegata, tutta visibile. Sono dipinti con un'eleganza impeccabile, con un'abilità virtuosa. Potremmo quasi affermare che Lucilla si muova sulla materia inerte come su una tastiera, come se la sua mano suscitasse uno sgorgare improvviso di suoni, laddove i colori sono l'equivalente visibile e luminoso della sua musica. Questo accade anche nelle splendide sculture in ceramica Raku.
Forme cercate nella durezza di un materiale difficile da dominare, ma comunque intelligentemente plasmato. Vissuto dall'artista come un codice comunicativo capace di parlare il proprio linguaggio.
La ceramica assurge così a materia con la quale nuovamente compromettersi in quell'esperienza - così sofferente ma anche così totalizzante - di distruzione delle antiche e primarie forme e strutture della natura per associarsi alla vita tumultuosa e disordinata della materia, per lasciare che il tema, lo schema emerga "in fieri", durante il processo, facendosi gesto, dal quale poi nasce prima la possibilità, poi la realtà, dell'oggetto ultimato.
Ecco allora che le forme compiute, pur nella loro libera interpretazione, delle geometrie del mondo, gli inserti dei frammenti di vetro colorato, i fili di ferro, i solidi geometrici, tutto concorre ad imprimere un ordine al caos primordiale della materia pura. Caos che è un tentativo affermato di rappresentare il magmatico flusso delle coscienze nella loro infinita ricerca.
Potremmo concludere quindi che tutta l'opera di Lucilla Restelli si propone come un'enunciazione: solo un fragile, ma asserito, spiraglio separa la composta morale borghese dallo smarrimento che può essere distruttivo o sublime, del sogno.

CAMPADELLI FABIO

2007-03-22T20:02:00.001Z

La pittura di Fabio Campadelli presenta modi votati a un radicale eclettismo: l'uso di tecniche differenti lo aiuta a lavorare parallelamente su più filoni di ricerca, su più campi della produzione visiva.
Reminiscenze della figura e del paesaggio convivono senza fatica con l'astrazione pura, sia essa gestuale o geometrica. La complicità del caso, poi, suggella questo approccio alla pittura: essendo ampi il margine dell'imprevisto, è più facile che l'artista si faccia istintivamente guidare dai suggerimenti forniti dalla carta, dal colore, quasi sia quest'ultimo a voler indicare la strada da percorrere.
Nasce così una serie di lavori a gessetto del 2007. Due i temi portanti di questi grandi disegni: il cerchio e la griglia di ortogonali. Campadelli costruisce una trama di segni colorati, come a creare un patcwork,
una scacchiera, di cui rimarca le linee di forza con dei violenti segni neri, che hanno una funzione prettamente funzionale. è come una scacchiera, una mappa che fugge ai confini netti e delimitati, che rifiuta la rigidità della geometria: Campadelli non rinuncia a un lavoro di impeto pittorico, evitando l'approccio cerebrale che richiederebbe la geometria. La regola aurea che affiora da queste carte è l'intuizione empirica, che gli suggerisce di calibrare il peso della struttura geometrica con degli "occhi": ogni cerchio è un fuoco compositivo che attira l'attenzione su di sé, assumendo il ruolo di protagonista. Dall'accumulo di tensione espressiva che si addensa a questi snodi compositivi, dunque, Campadelli è arrivato a una soluzione del tutto astratto, che forse indugia nel decorativo, ma che rinnova la vitalità di questa modalità artistica: gli elementi della grammatica visiva non sono mutati, ma la sintassi compositiva ha battuto una nuova strada.

CARTOONS ALL'ITALIANA

2007-03-16T15:51:00.000Z

a cura di Manuela Rosignoli

24 marzo- 27 maggio 2007
inaugurazione sabato 24 marzo h. 17,00
Fondazione Bandera per L'Arte
Via Andrea Costa, 29 Busto Arsizio (Va)

orari 15 - 19 dal mercoledì al venerdì
10 - 12,30/ 15 - 19 dal sabato alla domenica. Lunedì e martedì chiuso

"Animazione non è l’arte del disegno che si muove, ma l’arte del movimento disegnato.
Quello che succede tra due fotogrammi è molto più importante di ciò che esiste in ogni fotogramma”
Con queste parole Norman Mc Laren, uno dei più grandi autori di film animazione al mondo, definisce l’Arte a cui ha dedicato la sua intera esistenza.
Animazione come “Movimento Creato”, in quanto non esiste in natura ma si genera per la prima volta nel momento in cui appare sullo schermo. Il cinema si nutre di idee, ma solo in questo specifico campo le idee sono anche la sola materia prima.
Il cinema di animazione ha visto negli ultimi anni un’incessante crescita di interesse intorno alle sue forme e figure. È accaduto per i grandi lungometraggi di Hollywood, ma anche per quegli “artigiani” che nell’intimità del proprio studio realizzano piccoli capolavori.
La dimensione artigianale è anzi la caratteristica specifica del panorama italiano, in cui raramente si realizzano film per il grande schermo, anche se ci sono stati dei tentativi tra cui ricordiamo La freccia azzurra e La gabbianella e il gatto. Conclusasi l’esperienza di Carosello, che si nutrì ampiamente di animazione, la nostra realtà è composta soprattutto da autori i cui film sono accessibili solo a un pubblico di élite ai festival specializzati.
Da qui nasce l’idea della mostra promossa dal B. A. Film Festival e dalla Fondazione Bandera per l’Arte. Un evento che propone a un pubblico il più possibile eterogeneo una rappresentazione del nostro panorama e che concentra nuovamente l’attenzione della città verso questo linguaggio, del quale si sono occupate sia la manifestazione “Cartoonia & dintorni” (1989 – 2002), sia le ormai storiche “Giornate del cinema di animazione” (1969 – 1971) .
Le tavole, i pupazzi, le plastiline, le fotografie esposte lungo il 3500 metri della Fondazione Bandera ripercorrono quasi cento anni di lavoro. Attraverso dei monitor sono visionabili i film.
Gli spettatori troveranno esempi di cinema per l’infanzia, ma anche forme d’arte più complesse come le tavole astratte di Cioni Carpi o di Luigi Veronesi.
La mostra sarà articolata in tre percorsi tematici. La prima parte comprenderà i film di animazione dalle origini fino ai maestri degli anni Settanta; la seconda sarà dedicata alla nuova generazione di autori; la terza illustrerà il rapporto tra cinema di animazione e arti figurative, letteratura, musica e tecnologia.
Un’ampia parte monografica è dedicata all’opera di Cioni Carpi, geniale autore italiano celebre per le sue collaborazioni con il National Film Board of Canada, e le cui pellicole sono conservate al MOMA di New York.
Gli autori in mostra: Luigi Veronesi, Cioni Carpi, Emanuele Luzzati & Giulio Gianini, Bruno Bozzetto, Osvaldo Cavandoli, Mario Addis, Fusako Yusaki, Ursula Ferrara, Vincenzo Gioanola, Simone Massi, Andrea Pierri, Laura Federici, Elena Chiesa, Paul Campani, Lanfranco Baldi, Pierlugi De Mas, Gibba, Guido Manuli, Giobbe e Kremos, Annalisa Corsi, Anton Gino Domeghini, Roberto e Gino Gavioli, Roberto Catani, Giuseppe Laganà, Maurizio Forestieri, Enzo D'Alò, Victor Togliani.
La realizzazione di questo progetto è possibile anche grazie alla gentile collaborazione, fra gli altri, del Museo Nazionale del Cinema di Torino, del Museo Luzzati,Porto Antico di Genova,del Musèe Chateau - Annecy, della Fondazione Lanfranco Baldi, del Comitato Luigi Veronesi, dell’Associazione Culturale Paul Campani e della TSI - Televisione Svizzera.

CARNIELI VALENTINA

2007-03-10T13:57:00.001Z

Valentina Carnieli, Nel mattino

Valentina Carnieli, pittrice. E' nata a Milano nel 1978.
Ha studiato al Liceo Artistico U. Boccioni della città natale per proseguire e concludere gli studi artistici in pittura e restauro all'Accademia di Belle Arti "Aldo Galli" di Como. Altre notizie e altre opere sono visibili nel sito personale dell'artista (si veda indirizzario a lato in questa pagina)

Seppure giovanissima, appena ventisettenne, Valentina Carnieli ha al suo attivo qualche anno di coerente percorso artistico. Infatti, terminata l' Accademia "A.Galli" di Como, non si è arresa alle incertezze del difficile campo dell'arte, ma anzi con determinazione se ne è avvicinata, cercando un suo ambito di ricerca pittorica. Proseguendo ciò che era cominciato con gli anni accademici, Valentina ha affinato e reso più sue quelle immagini che già stavano germinando, affiorando allora con una certa sensibilità.
Una pittura, la sua, basata sulle tonalità chiare e luminose dei bianchi lavorati che evocano atmosfere aurorali, lasciando presagire scenari in cui verrà lasciata ampia libertà interpretativa all'osservatore che ne saprà cogliere le suggestioni. Ed ecco, quindi, le terre mescolate ai pigmenti a richiamare i colori più velati della natura, gli azzurri che alludono al colore instabile e mutante del mare e del cielo, le sottili strisce d'ocra allusive d'immaginari orizzonti che si perdono in lontane distanze. La realtà e i suoi innumerevoli spunti si trasformano nella controllata organizzazione compositiva degli spazi e degli equilibri di un mondo fantastico, sognante per quel suo non definirsi, variabile nelle tenui sovrapposizioni di colori che creano giochi di luci e ombre soffuse, sempre più diafane ed eteree, fino quasi a confondersi, ad annullarsi in una "tastiera" cromatica che si spinge, o pare orientarsi, desiderandola verso la monocromia, dove la presenza sarà la risultante dei diversi spessori di materia, o forse un leggerissimo segno. Un segno che diverrà semplicemente un accenno, una labile traccia, un sottile filo in una larga campitura di luminosa spazialità. Sembra questo l'incedere del linguaggio espressivo di Valentina, propensa alla sottrazione di tutto ciò che è narrativo, illustrativo di una storia visiva, per avvicinarsi invece ad un'astrazione fondata sull'essenzialità degli elementi, radicale nel suo essere solo, unicamente pittura.
Giovanni Cerri

CERRI GIOVANNI

2007-03-02T07:50:00.000Z

Giovanni Cerri, Città fantasma, 2007
olio su carta intelata, 90x80 cm
GIOVANNI CERRI

“News – papers””

Dal 3 al 25 marzo 2007

Inaugurazione: sabato 3 marzo ore 18,00

Galleria Palmieri
Via G. Mameli, 24 – Busto Arsizio (VA)
Tel. 0331-639334
info@galleriapalmieri.it

Giovanni Cerri (Milano, 1969). Figlio d’arte, del pittore Giancarlo Cerri, ha iniziato la sua attività artistica nel 1987, e da allora è presente in numerose mostre. Tra le sue “personali” citiamo: 1995 –Galleria Cortina – Milano; 2000 – Galleria Artistudio / Magrorocca – Milano; 2002 Galleria Monogramma – Roma; 2003 – Galleria Magenta 52 –Milano; 2005 – Cortina Arte – Milano e Fondazione Cini – Ferrara; 2006 – Galleria Blanchaert, Galleria Cappelletti, Cortina Arte - Milano. Tra le rassegne a cui ha partecipato ricordiamo: “Figurazioni” – Museo della Permanente –Milano/1997; “Giovane Arte Europea”- Castello Visconteo – Pavia /2001; “Premio Imbersago” – Imbersago/2002; Premio Michetti – Francavilla al Mare/2006.

In questa mostra l’artista presenta un nucleo di opere recenti (2005-2007). Cerri da alcuni anni usa come supporto per i suoi lavori la carta di quotidiano, che diventa così uno sfondo illustrato e scritto, un “diario” pubblico della nostra contemporaneità. Figure e paesaggi, scorci di città e “anime” ribelli, orizzonti lontani e “primi piani” ; l’artista ci mostra il suo linguaggio pittorico evidenziando il chiaroscuro e il segno. L’uso del colore è scarno e ridotto all’essenziale. Una figurazione che potremmo definire di taglio espressionista, che peraltro non dimentica una certa classicità, come memoria e presupposto di ricerca, Nei dipinti affiorano qua e là, di tanto in tanto, fotografie, scritte e titoli di giornale, a raccontarci – per brandelli di parole – il tempo in cui viviamo.

Catalogo in galleria. Testo critico di Antonio D’Amico.

Dal martedì alla domenica h. 16-19.

PIETROGRANDE LORENZO

2007-02-24T00:52:00.001Z

LORENZO PIETROGRANDE
Strettamente personale
A cura di Luca Nicoletti

Dal 1 al 23 marzo 2006

Catalogo in galleria – testo di Luca Nicoletti

Inaugurazione : giovedì 1 marzo ore 18,00

Si inaugura giovedì 1 marzo alle ore 18,00 presso la Fondazione Gianni e Roberto Radice – Via P. Mola, 39 – Milano, la mostra personale di Lorenzo Pietrogrande, dal titolo “Strettamente personale”, a cura di Luca Nicoletti.

Lorenzo Pietrogrande.
Nato a Venezia nel 1961, si diploma all’Accademia di Brera a Milano. Insegna Discipline Pittoriche presso il Liceo Artistico “Lucio Fontana” di Arese. Vive e lavora a Milano.
Come socio fondatore dell’Associazione Culturale Renzo Cortina ha partecipato a numerose rassegne in Italia e all’estero. Ha tenuto mostre personali alla Galleria Bellinzona di Lecco, alla Galleria d’Arte Contemporanea Cascina Roma di S. Donato, a Palazzo Martini a Cremona, alla Galleria Cortina di Milano. Da segnalare le collettive presso la Galleria Ponte Rosso, il Palazzo delle Stelline (Milano), il Museo d’arte Moderna e Contemporanea di Gazoldo degli Ippoliti, la Cascina grande di Rozzano. Nel 2006 ha preso parte alla mostra “Generazione anni ’60 – Arte contemporanea in Lombardia”. Sue opere sono visibili sul sito: www.lorenzopietrogrande.it.

La mostra propone una selezione di opere recenti dell’artista, che presenta una pittura di marca espressionista declinata verso un "pauperismo" cromatico: la sintesi delle forme del paesaggio in masse di colore mira continuamente a ribadire i valori pittorici della rappresentazione. È una pittura di pennellata larga, diluita, rabbiosa, ma senza più quella ferocia che, in anni passati, lo aveva visto in sintonia con i "Nuovi Selvaggi". Non è però, venuto meno il gusto per la delineazione sintetica delle forme attraverso il colore: il pennello è pur sempre una sciabola che tira fuori le luci dalla preparazione del fondo. Affiora talvolta anche il ritmo dai toni schiariti di certa pop art inglese, pur senza appropriarsi di quel procedere per campiture piatte. A fare da antidoto nelle sue opere a quell'approccio drammatico è una sottile ironia, l'idea di una figurazione che, se non è scanzonata, è almeno disincantata, scevra da quel senso sacrale del lavoro artistico. L'interesse è verso una pittura "dipinta", fatta di una sintesi, di una riduzione degli elementi compositivi.

Orari:
Da martedì a sabato h. 15,30 – 19.30

2007-02-18T22:03:00.000Z

in queste settimane ho verificato che ci sono stati dei problemi nel visualizzare le immagini che corredavano gli ultimi interventi. Me ne scuso e, per riparare, dedico simultaneamente un post ai due artisti che ne sono stati "danneggiati".
Dalla prossima settimana riprenderò con il regolare inserimento di aggiornamenti.
L.N.

Dametti Riccardo

2007-02-18T22:01:00.000Z

Gabbia Alessandro

2007-02-18T21:56:00.000Z

GABBIA ALESSANDRO

2007-02-04T08:20:00.002Z

Alessandro Gabbia, Caput Mortuum, 2006
olio su tela di lino, cm 100x120

Alessandro Gabbia è nato nel 1976 a Brescia, dove vive e lavora. Ha tenuto la sua prima personale ("Alessandro Gabbia. Caput mortuum" A cura di Lorenzo Argentino) a Milano al Circolo Culturale Bertold Brecht (9-27 ottobre 2006).
Sue opere sono visibili dal 30 gennaio al 20 febbraio nella collettiva "Nuove proposte" a cura di Giovanni Cerri (Milano, Galleria Renzo Cortina.

ALESSANDRO GABBIA
“Se ne stanno divisi nel mondo, ognuno con la sua notte, ognuno con la sua morte, agri, la testa nuda, nella brina di ciò che è remoto e vicino” (Paul Celan) Non un tempo veloce e irrequieto, che scivola verso l’istante abissale in cui la vita finisce, ma un trascolorare lento, un lavoro paziente. Polvere su polvere cancella le tracce, assidua. Il nulla consuma i lineamenti di questi volti senza materia come la pioggia porta via le lacrime dalle guance dei morti, nella danza macabra che chiude Il Settimo Sigillo di Bergman. L’esito è oblio senza redenzione e anche il processo non riserva sorprese: pacato, irreversibile, costante. Alessandro Gabbia non indica solo un passaggio - l’angoscia di chi varca la soglia, il dolore estremo - ma raccoglie i segni di un progressivo venire meno, una perdita di consistenza quotidiana. Tutto ciò che vedemmo si allontana e sbiadisce. Lo sguardo - annichilito - resta inchiodato in una fissità vuota. Nessuna intenzione, niente parole. Senza attendere che almeno qualcosa sia compiuto la cenere cade come pioggia a confondere i lineamenti con lo sfondo. La scarnificazione è dolorosa, non uno strappo vivo, ma una lontananza irrevocabile. Il principium individuationis si perde in un girotondo di volti tutti uguali. La materia è liquida, è colore, trasparenza, velatura, è traccia in bilico sul nulla. Una decomposizione senza carne e senza catarsi. L’ossessione per la memoria diventa segno: le linee del volto come scrittura e le tracce che le gocciolature lasciano sulla tela. Si avverte in queste opere una grande cura compositiva (parti di quadro sembrano lavori astratti) ed equilibrio cercato nei passaggi del colore e nel bilanciato alternarsi di luce e ombra. Il segno è come un nome ripetuto contro la possibilità di dimenticare. E l’armonia della composizione tradisce la ricerca di un ordine: un ordine debole fatto di segni, ma privo di senso, quando tutto ciò che deve accadere è già accaduto.
Vera Maria Carminati

presentazione della mostra "Alessandro Gabbia. Caput mortuum" A cura di Lorenzo Argentino
Milano, Circolo Culturale Bertold Brecht, 9-27 ottobre 2006.

Alessandro Gabbia, Caput Mortuum, 2006

2007-02-03T11:40:00.000Z

ieri "Nati sotto Saturno" ha compiuto il suo primo mese di vita superando la quota di 400 visitatori.
Questa partecipazione mi rende molto molto felice, pertanto uso questo post per ringraziare tutti coloro che hanno appoggiato questa mia iniziativa, e rinnovo l'invito a tornare a trovarmi a questo indirizzo, e di divulgarlo alle persone che potranno essere interessate.
Grazie ancora a tutti
Luca Nicoletti

DAMETTI RICCARDO

2007-01-31T08:10:00.002Z

Riccardo Dametti, Rain, 2003acrilico su tela (?), cm 100x120

Nato a Fidenza (PR) nel 1978, divide il suo tempo tra musica e pittura. Ha frequentato l'Istituto d'Arte P.Toschi a Parma e ha compiuto studi musicali il C.P.M a Milano sotto la guida del batterista Walter Calloni.Negli ultimi tre anni ha esposto nelle principali città italiane partecipando a mostre collettive e personali. Sue opere sono visibili dal 30 gennaio al 20 febbraio nella collettiva "Nuove proposte" a cura di Giovanni Cerri (Milano, Galleria Renzo Cortina)
Maggiori informazioni sull'artista all’indirizzo internet http://www.riccardodametti.it/

RICCARDO DAMETTI
di Viola Lilith Russi

Che cos’è che innervosisce, disturba e indigna il vedere segni e persino disegni(!) sulle pareti dei nostri cosiddetti luoghi pubblici? Questo mi sono chiesta la prima volta che mi trovai intrappolata in insoliti messaggi di “allarme”, appesi ad una parete e sospesi nello spazio di una tela: erano i quadri di Riccardo Dametti. Cosa li accomuna ai graffiti metropolitani? Suppongo la stessa urgenza, un’immediatezza di immagine e di parola che può mettere a disagio perché ce la si sente addosso, vera ed intransigente come solo una paura condivisa è capace di generare. Demoni e fantasmi di un inconscio collettivo, abituati ad albergare sopiti in una delle cavità oscure del nostro cervello, evaporano dal magazzino di rimozione, in cui solitamente scivolano pochi secondi dopo esserci stati trasmessi, via cavo, tubo catodico, inchiostro. Emersi dall’ abisso creativo che ne plasma e denuncia l’inferno zittito, si condensano in pensiero visivo: ed eccoli ricadere ad arte, come pioggia di meteoriti, sulle tele di Dametti. Lo schianto è vita, morte, avvertimento e dell’incendio cromatico in rosso e nero respirano i primi lavori dell’artista. Allarme, monito, denuncia, sembrano lampeggiare sullo strapiombo di un contrasto insanabile tra i sogni e la cruda realtà (Dreams, ’96), l’innocenza e il massacro del sistema (Isolation cell, ’97), l’urlo di chi non si riconosce in un orizzonte apocalittico di guerra e devastazione e la pretesa di una parola di salvezza eterna (Perso, ’97). Ma c’è qualcosa che serpeggia fra le trame di questi quadri, forse un ulteriore messaggio, un codice segreto o semplicemente ironico, che si diverte nel depistarci da facili letture. Lettere, parole, scritture “al contrario”, affiorano in superficie a suggerire una via, un possibile percorso creativo che ignori il prestabilito. Facendo capolino nel cielo delle false certezze si reimmergono in chissà quali acque, inghiottite in un mistero che potrebbe svelarsi nelle opere successive dell’artista.

La dicotomia simbolicamente ricreata di un pesce che nuota fra il positivo ed il suo negativo (chissà forse l’artista si è ri-velato?- Dopeshow, ’00), e l’avventura creativa si libera in percorsi e colori che infrangono i limiti del contrasto, per aprirsi a volti ed esperienze che si disperdono e deformano in un esterno che è il loro interno, o in un sentire l’atto creativo come assoluta occasione di confondersi col tutto, assorbirlo, penetrarlo, sino a perdere i propri contorni (Head, Rain ’03, Vecchio ’04, City boy ‘05). Ma c’è ancora uno squarcio di mondo liricamente esplorato, forse da quelle parole sfuggenti ed enigmatiche che “si prendevano gioco di noi”? O dal pesce che nuotava nel mare del suo stesso scheletro? I più recenti quadri di Riccardo Dametti, realizzati sempre con colori acrilici, olio e gessetti, vibrano di un nuovo cuore. L’universo di segni ed emozioni è fitto e frastagliato di energie, calde, vorticose e morbide nel racchiudere e nello stesso tempo infrangere forme, barriere e persino parole (My way, ’05). Verso un’astrazione musicale, numerica (5,’05), creativa? Forse, ciò che è certa è la disarmante emozione che le opere di Dametti trasmettono al ritmo di un linguaggio che nasce, scherza, scompare, urla, si distrugge, comunicando quell’urgenza che sola può essere vita e anima dell’arte.

Testo di presentazione della mostra personale dell’artista (Genova, 25 febbraio-15 marzo 2006) a cura di Viola Lilith Russi.

FALCO MARINA

2007-01-25T09:01:00.000Z

Marina Falco, Lo sguardo, 2004
olio su tela 30x20 cm

Nata a Napoli nel 1967, attualmente è titolare di una delle cattedre di Anatomia Artistica all’Accademia di Belle Arti di Brera a Milano. Dal 1990 espone in mostre personali e collettive. Tra le sue mostre più recenti: 1998 – “Milano – Berlino / Metropoli a confronto” – Galerie Verein – Berlino; 1999 – Biennale Postumia Giovani – Museo di Gazoldo degli Ippoliti (MN); 2000 – Spazio Obraz - Milano; 2001 – Giovane Arte Europea – Castello Visconteo – Pavia; 2002 – “Arte per tempi nuovi” – Galerie Die Ecke – Augsburg; 2002 – Premio Morlotti – Imbersago (LC); 2004 – Museo Pagani – Castellanza (VA); 2005 – Fondazione Cini – Ferrara; 2006 –Galleria Cappelletti – Milano; 2006 – Premio Michetti- Francavilla al Mare (CH). Vive e lavora a Milano.

"Opere, lacune, frammenti, corrosioni del tempo, brandelli di storia sospesi nella flagranza del presente. Corpi smangiati, svuotati dal sangue e dalla carne, sguardi fissi, gesti bloccati, invalidati o sottolineati dalla loro stessa frammentarietà. La mia ricerca si muove nella dimensione di una storia senza tempo, nell’ambito dei miti, dei simboli dove il presente è già rivelato come grande metafora degli enigmi di sempre: la vita, la morte."

Marina Falco, in Due secoli di anatomia artistica. Dalla macchina corporea al corpo vissuto, a cura dell’Istituto di Storia e Teoria dell’Arte e dell’Istituto di Anatomia Artistica, Milano, Scheiwiller, 2000, p. 271

POLI GABRIELE

2007-01-17T09:26:00.000Z

Gabriele Poli, Angelo della periferia, 2005

Nato a Milano nel 1957, si diploma in pittura all’Accademia di Brera nel 1979. Attualmente è docente al Liceo Artistico di Arese. Dalla fine degli anni ’80, dopo un legame iniziale con la Galleria delle Ore, partecipa a numerose mostre, tra cui: 1995 – “Percorsi dell’Astrazione” – Museo della Permanente – Milano; 1996 – Galleria S Fedele – Milano; 1998 – Nord Trondelag Filkesgallery – Namsos (Norvegia); 1998 – “Milano/Berlino – Metropoli a confronto” – Galerie Verein – Berlino; 2000 – Spazio Obraz – Milano; 2002 – “Arte per tempi nuovi” – Galerie Die Ecke – Augsburg; 2004 – Cortina Arte – Milano; 2005 – Museo Pagani – Castellanza (VA). Vive e lavora a Milano.

ANGELI DELLE PERIFERIA
Per capire la pittura di Gabriele Poli è necessario tener subito presenti due elementi fondamentali. Per prima cosa va precisato che, nonostante quella che possa essere la prima impressione, Poli non è un pittore astratto, in quanto il suo lavoro è una trasformazione, una trasfigurazione dei dati del reale attraverso gli strumenti della gestualità. Quello che ad un primo impatto può sembrare un lavoro di matrice informale, infatti, in realtà è frutto di una gestualità controllatissima che guida la materia nella sua vocazione formale sulla tela. Questo non impedisce, però, di apprezzare la qualità della pittura, ad uno sguardo ravvicinato, come divertimento visivo puro del colore e dell’impasto cromatico che si muove sulla superficie.

Il secondo aspetto, di carattere tematico, è il forte legame fra questa pittura e il contesto della periferia urbana. Gabriele Poli conosce bene le periferie di Milano, perché qui è nato e qui è vissuto, e questo ambiente ha acuito da sempre la sua sensibilità verso quel tema e verso quell’ambiente. Anzi, un tipo di pittura come questo, in cui si respira l’umidità fumosa dell’aria come elemento quasi trascendente, può essere nata solo a Milano. Anche temi come gli “Orizzonti verticali”, con cui l’artista si è a lungo cimentato, erano nati così.
Gli “Angeli della periferie” sono dunque la tappa più recente di un percorso di ricerca tutto incentrato sulla periferia, e ne arricchisce il senso. Si tratta infatti di un luogo che l’espressione artistica nel corso del Novecento ha indagato a più riprese per farne veicolo dei contenuti più differenti. la periferia di Poli non è più il luogo dell’ottimismo positivista verso la “città che sale” cara ai futuristi e ai miti del progresso, e non è nemmeno il luogo dell’alienazione e del disagio dei quadri di Mario Sironi. Anche lo sguardo gettato dal Neorealismo e dalle poetiche dell’impegno civile sulle periferie è in parte superato. La periferia, infatti, è come diventata, da spazio destinato agli “ultimi”, il teatro metafisico da cui parte una nuova visione, trasfigurata, del reale, un luogo animato da un magma di umori ribollenti pronti a tornare in superficie. Le periferie di Poli sono oggetto di questa trasformazione che, nel momento in cui viene dipinta, è ancora in corso, e gli angeli sono le presenze che animano e giustificano questo mutamento in atto. La periferia è dunque il luogo privilegiato per una ricostruzione, anzi per una resurrezione, dalle macerie.
A questo proposito, è utile pensare alla visione apocalittica della fine di Milano che si legge in due romanzi di Giovanni Testori: La Cattedrale, in parte, e, soprattutto, Gli Angeli dello Sterminio, ultima opera edita quando l’autore era in vita. Lo scrittore ha immaginato i momenti finali della distruzione della città ad opera di angeli bellissimi e scheletrici in sella alle moto Yamaha, una città che è diventata un groviglio pulsante di cadaveri e macerie. Non sono però questi angeli descritti da Testori ad essere utili per capire questi dipinti, quanto piuttosto la chiusa del romanzo, in cui sulle macerie della città comincia a prendere forma “[…] una macchia biancastra e lattiginosa che obbedendo a una lentissima e solenne pulsione centrifuga, andò, piano piano allargandosi. […] non occorre, tuttavia, molto perché […] quelle cellule, sempre biancastre e lattiginose, mostrasse d’essere in atto di generare da sé qualcosa come un’immane e mai vista forma umana”. In qualche modo i dipinti di Poli visualizzano quegli eventi partendo dal punto in cui il libro di Testori si interrompe: in una realtà nuova, trasfigurata, questi angeli di ascendenza liciniana sono i magnifici abitanti.

Da questo punto di vista si può vedere anche la produzione di Poli come uno sviluppo filmico di questo tema. Già in diversi dipinti precedenti, infatti, le prospettive dipinte dall’artista erano popolate da alcune presenze “annotate” stenograficamente sulla tela: sono tache di colore che riducono al minimo l’idea della figura, ma potenzialmente la contengono. In qualche modo, quel grumo di materia che conteneva il bozzolo di una figura umana si è schiuso ed ha rivelato la sua anima spirituale. La tache di colore che evocava certe idee di Giacometti si è articolata nello spazio, è diventata una danza di linee che evocano Licini, artista tanto amato da Poli. Lo stesso nome dato a questi dipinti, del resto, è un omaggio esplicito agli “Angeli ribelli” pensati da Licini, e che sono il vero faro per capire queste presenze delle nuove periferie.

Luca Nicoletti

MATTIO GIOVANNI

2007-01-10T23:19:00.001Z

Giovanni Mattio, Il fuoco, 2006
polimaterico e resine su espanso e tavola, cm.110x100x7

Giovanni Mattio nasce a Cuneo nel 1949. Dopo gli studi liceali, consegue la laurea in lettere classiche presso l'Università di Torino. Gli studi classici non abbandoneranno mai la sua attività artistica, nutrita anche dalle suggestioni della vicina Provenza e dalla assidua frequentazione di critici, poeti e artisti contemporanei. Nel 1974 inizia la sua attività espositiva, che presto si allarga alla grafica, all'incisione e alla ceramica. Dal 1986 è presente in importanti mostre personali e importanti rassegne nazionali ed europee. Dal 1989 vive ed opera a Milano, dove ha insegnato per anni al liceo Berchet.
Altre notizie sull'artista al sito personale
http://www.mattio.it/g/index.asp

LA MEMORIA DEL LOCUS
Antonio D’Amico
[…]
Nella recente esperienza pittorica di Giovanni Mattio il tempo è inteso come il ricordo costante del locus: tangibile memoria della fisicità in cui l’artista vive e opera. Il tempo in Giovanni Mattio è la custodia di riflessi bizzarri e frutto di indagini in continua evoluzione, ma tutti concentrati sul cosmo degli intrecci fisico-sensoriali: dal supporto bidimensionale reso concavo o convesso, alla costellazione perpetua di porosità mineralogiche. È il desiderio, profondo, di scrutare il nucleo della terra per scorgerne il significante nascosto, quello stesso celato all’interno della corazza del corpo e sempre in continuo fluttuare. Mattio setaccia all’interno della propria corazza per ricavarne singoli elementi che variamente rielabora visivamente, facendosi dominare dall’attimo formale dell’energia creativa. La sua ultima produzione è un circuito che dal sé raggiunge la vita per evadere, fors’anche trasgredire e ritornare nell’intimo. […] Le ‘gemme’ vetrose che Giovanni incastra e aggruma nei suoi paesaggi, memoria del passato e dell’oggi fuggente, riconducono lo spettatore alla radice della figurazione: la terra! Luogo fisico che dopo l’intervento di Mattio snatura la sua tangibilità oggettiva e diventa riconoscibile solo soggettivamente. […]
Rinchiudersi nel suo antro segreto, per Mattio, vuol dire rompere gli ordinati schemi della cultura classica, assolutamente armonica e ben composta, quella stessa che lo ha dominato per anni e che oggi vive nella sua mente con accettazione tacita. Scheggiare, giocando, e ricomporre cieli e prati vuol dire rimestare nell’ordine classico racchiuso in forme ovoidali, sinonimo di perfezione ed eternità. In questa eternità si immergono le forme cha varcano l’orizzonte e che smembrate dall’insieme compositivo sono pronte a planare su cieli nuovi e sconosciuti: è l’invito che Mattio porge a chi si accosta alla sua arte. È il desiderio sempre sorprendente della libertà! Ciascuno, con silenziosa compostezza, può entrare nel mondo evanescente proposto dal pittore e riconoscere l’alba o il tramonto sognato o vissuto, così come i vibranti getti materici che si perdono nelle campiture indefinite, pronte a suggerire emozioni o ricordi lontani e dimenticati. Nuove realtà che provengono dalla natura; quindi emozioni vissute o da vivere, come il gettito d’ali di un volatile nel cielo di primavera o le scaglie di mare e le fulgide rimembranze dell’immergersi nell’acqua e la sua delicatezza cristallina.
[…]
Estratto dal catalogo della mostra “Giovanni Mattio. Metamorfosi”

Giovanni Mattio. Metamorfosi
Gabriele Cappelletti arte moderna e contemporanea (Milano)
www.gabrielecappelletti.com
dal 13 al 30 gennaio 2007

CERRI GIOVANNI

2007-01-05T10:45:00.001Z

Giovanni Cerri, Miraggio, 2002
olio su tela, 100x70 cm

Giovanni Cerri è nato nel 1969 a Milano, dove vive e lavora. Figlio d’arte, la sua formazione è avvenuta frequentando fin da giovanissimo gli studi degli artisti. Nel 1990, parallelamente alla sua attività artistica, inizia a collaborare con spazi espositivi particolarmente attenti alla promozione dei giovani artisti. Dal 1994 svolge il ruolo di organizzatore per gallerie, centri culturali ed enti pubblici, curandone le mostre. Altre informazioni sull'artista alla pagina
http://www.giocerri.com

REPORTAGE DEL DILUVIO
Le ‘terre emerse’ di Giovanni Cerri contengono il senso della distruzione, del diluvio, ma al tempo stesso sono abbagliate anche da uno spirito di resurrezione. Dopo il crepuscolo degli dei, quasi di wagneriana memoria, e dopo il passaggio dei testoriani ‘angeli dello sterminio’, c’è infatti un senso di emersione, di rinascita: dalle rovine viene fuori un mondo nuovo nel segno di una esistenza primordiale, o primigenia. L’assenza della presenza umana non sta a dire di una terra inospitale, ma di luoghi non ancora pronti ad essere abitati, luoghi ancora in una fase di metamorfosi, di assestamento tettonico: saranno, un giorno, dei luoghi abitati.
Per ora, però, la pittura restituisce solo un reportage che segue al diluvio, l’alba dopo l’inondazione: quando le acque di ritirano, la terra riaffiora con il suo corpo sanguinante, lacerato. È come se la pelle della terra fosse diventato carne ferita, macerata da lame di luce. Non è una rinascita senza dolore, anzi tutt’altro.
In lontananza, sul landscape, si profilano le vestigia abbaglianti della città.
Luca Nicoletti

NICOLETTI

2007-01-02T09:30:00.001Z

Luca Nicoletti, Accordi, 2006

tecnica mista su carta, 18x10 cm ca

Per aprire questa vetrina comincio con un mio lavoro, per mostrare la tipologia standard degli inserimenti. A questa, poi, si potranno aggiungere una breve nota biografica o qualche breve considerazione sul dipinto o sull'artista, ad opera mio o dello stesso autore, o da parte di chi offra gentilmente la sua collaborazione.

UNA NUOVA VETRINA PER ARTISTI

2007-01-01T15:57:00.000Z

Salve a tutti,
questa lettera è per rendere nota una mia iniziativa che ho piacere di inaugurare con l’inizio dell’anno nuovo. Si tratta di un blog nuovo intitolato “Nati sotto Saturno” (http://natisottosaturno.blogspot.com/), pensato per fungere da vetrina, da esposizione permanente per artisti. Il titolo è un chiaro omaggio al libro di Rudolf e Margot Wittkover, ed è stato scelto perché è all’insegna della stella che unifica tutti gli artisti. Non è un sito internet, bensì uno spazio in rete ad aggiornamento periodico (almeno una volta alla settimana) pensato per dare maggiore visibilità al lavoro degli artisti attraverso la pubblicazione delle loro opere. L’intenzione è di dedicare di volta in volta un post ad un singolo artista, comprendente un’opera, relativi dati tecnici e, eventualmente, una piccola nota biografica, o il rimando ad altre pagine internet in cui sono visibili altre opere dell’artista (o dove si possono trovare dati più approfonditi). Gli stessi link, per altro, saranno sempre recuperabili anche dall’apposito elenco che correda il blog. Non è esclusa la possibilità di pubblicare anche brevi scritti (pensieri, scritti di poetica) di artisti che vorranno contribuire con loro interventi su questo spazio.
L’intento è di fare di questo sito un collettore che incanali interessi diversi, di fare da “portatore d’acqua” allargando gli orizzonti e gli spazi di conoscenza; e vuole farlo costituendosi come spazio dinamico che ha la sua ragione di esistere in funzione dell'aggiornamento ed arricchimento di contenuti continuo.
È un po’ diverso da un sito internet, di cui non ha l’organizzazione sistematica (e statica): è un emporio in cui si possono trovare sorprese, che somiglia ad un diario d’arte composto per accostamento di immagini (le quali sono sempre recuperabili attraverso la cronologia degli interventi, dei post precedenti).
Il mio augurio è che l’iniziativa sia di interesse, e di avere la disponibilità e la collaborazione alla pubblicazione delle opere da parte di tutti.
Per ora l’iniziativa ha ancora bisogno di un vero e proprio lancio, e deve trovare dei canali per farsi conoscere meglio. A tal fine, mi affido al passaparola da parte delle persone interessate: se poteste rigirare questo messaggio alla vostra mailing list, o comunque alle persone che ritenete possano essere interessate, la rete di potenziali visitatori potrà allargarsi presto e, in tal modo, l’utilità del mezzo come cassa di risonanza sarà presto realmente possibile.
È doveroso chiarire fin da subito che si tratta di una iniziativa non a fini di lucro, e che la pubblicazione su questo sito è del tutto gratuita.
Per dire due parole su di me che curo questo spazio (mi pare doveroso presentarmi!) posso dire di essere un giovane critico d’arte da poco laureato in Scienze dei Beni Culturali presso l’Università degli Studi di Milano con il professor Giovanni Agosti, e che ho l’aspirazione, un giorno, di diventare uno storico dell’arte. Per adesso, anche attraverso alcune piccole collaborazioni con gallerie e riviste,cerco di ritagliarmi un mio spazio. Posso aggiungere di nutrire una smodata passione per le arti visive, che in clandestinità non ho mai smesso di praticare, pur senza essere mai approdato in sedi espositive. Non credo ci sia altro da aggiungere.
Per ogni ulteriore chiarimento sono reperibile all’indirizzo mail nico.birillo@tiscali.it.
Sperando di raccogliere adesioni ed interesse per questa iniziativa
In fede
Luca Nicoletti